Magia a la luz de la luna. Dir. Woody Allen.

La divertida crítica de Ana Sánchez de la Nieta en Fila 7 coloca esta nueva película de Wooddy Allen en el grupo de las buenas, no magnífica, pero con todo el universo de Allen en una buena cosecha. Creo que no es para tanto. Se ve bien, aunque desde el principio, desde el mismo asunto de partida: desenmascarar a una falsa espiritista en el ambiente refinado de la Costa Azul de los felices 20, tiene un tono de comedia, con el toque romántico apropiado. De fondo está la dialéctica entre realidad y sueño, entre pesimismo y optimismo vital, entre creer y no creer, entre Dios y Nietzche. Diálogos ligeros y brillantes, malicia bienintencionada, nada que ver con el chorro de dramatismo de "Blue Jasmin".

Jimmy's Hall de Ken Loach

Lo que opina Ana:

Me aburrí soberanamente, iba con ganas de encontrarme con el último Ken Loach, el de "La parte de los ángeles", capaz de introducir un poco de humor en su universo de denuncia infatigable, pero me encontré con un pesado panfleto que desperdiciaba una historia interesante.

Emilio: Invitación cines Renoir.

Yo me esperaba peores críticas, pero ni Jordi Costa ni en la Guía son demasiado severos; eso sí, destacan el maniqueismo: planteamientos en blanco y negro, sin matices, el bueno y el malo. Como lo mejor señalan la fotografía y el rodaje de las escenas colectivas.

A mi me parece esquemática y artificial. No es que me disguste su cine de militancia, incluso es de agradecer en estos tiempo, es la falta de fuerza, de intensidad, de credibilidad lo que lastra la película. Personajes sin atractivo (ni protagonistas ni secundarios) que no dan a sus papeles la complejidad y la entrega necesarias. Al menos nos ha servido para conocer a este personaje, James Gralton, un irlandés que más que comunista parece un librepensador decimonoico. 

Nunca es demasiado tarde de Uberto Pasolini

Lo que opina Ana:

Cuento melancólico, cargado de tristeza y contado con toda la meticulosidad con la que está caracterizado el protagonista, un gris funcionario encargado de cumplir con la dura tarea de enterrar a los muertos solitarios, aquellos que el ayuntamiento encuentra sin  nadie a su alrededor que los llore o los añore.

Lo primero que chirria es la traducción del título original, como tantas otras veces a la distribuidora española le ha dado por inventarse uno nuevo, cuando tiene mucho más sentido  el de “bodegón” o “naturaleza muerta” elegido por su creador, ya que el estilo compositivo de la película se centra a menudo en la creación de bodegones, con planos fijos que se recrean en  los objetos, en  los seres inertes y detenidos, como metáfora de lo perecedero y lo inmortal.

Anímicamente no pude desligarme del recuerdo de Antonio Porras, cuyos ojos me miraban desde los de Eddie Marsan, algo estremecedor en una película que habla de muertes solitarias, como lo fue la suya.

Buen guión, buena interpretación para una historia alejada del cine de masas y que decide no dejarse tentar por un final feliz. 

Emilio: película premiada en varios festivales de los muchos y variopintos que hay. El título original "Still life" tiene un significado más acorde desde el punto de vista metafísico que éste, que parece de comedia romántica. 

Es una película pequeña en el sentido de que el tratamiento que le da el director es casi doméstico, cotidiano, ordinario, aunque se trata nada más y nada menos que del último acto que se celebra por una persona, el último ritual, el del enterramiento, y para personas que no tienen a nadie que haga ese ceremonial que nos distingue como especie. Tiene que ser la Administración quien lo lleve adelante, y es un funcionario pulcro y metódico, también solo él, quien lo haga tal y como lo harían sus familiares y amigos. Pero es caro y para los gestores estos trámites se pueden abaratar y hacerlos de cualquier manera y sin contar con el buen funcionario. Esta historia está contada con naturalidad y de manera entrañable. Cine pequeño, pero de calidad cinematográfica y humana.

Diplomacia de Volker Schlöndorff

Lo que opina Ana:

A pesar de sus protagonistas y de su duelo interpretativo, la película no despega, se queda encerrada entre los muros del hotel parisino y se asfixia  en su tono teatral. Le falta todo, brío, intriga y se vuelve soporífera.

Emilio: recibió en la última Seminci el premio al mejor director y al mejor actor (Niels Arestrup). Parecen premios de consolación. La fui a ver por motivos casi profesionales: comprobar cómo planteaban en cine la casi destrucción de París antes de la entrada de los Aliados, entre el 24 y 25 de agosto de 1944. Pues no he sacado nada en claro. Al general alemán gobernador militar de París en esos momentos Dietrich von Choltitz lo presentan como un personaje un poco tontorrón, que pasa de una determinación absoluta a dinamitar París, a dejarse convencer por un diplomático sueco, Raoul Nordling, que casi hace él el papel de general por el tono con el que se dirige al alemán. Casi todo se queda en interiores (el hotel cuartel general de los alemanes) y está bastante teatralizado. Desde luego no trasmite el dramatismo de lo que debieron ser aquellas horas, más parece un vodeville. En Metrópoli le dan dos estrellas, con razon.

Interstellar de Christopher Nolan

Lo que opina Ana:

Ciencia ficción inquietante en cuanto plantea el fin de la vida en la Tierra, la destrucción del planeta como proveedor de alimentos, arranca con un panorama inquietante que logra su efecto, pero en cuanto traspasamos el rincón escondido de la NASA y nos adentramos en el mundo interestelar, la historia empieza a perderse, nos dan igual los gusanos, agujeros, espacios intersiderales, no se entiende nada; los personajes dejan de estar definidos para acabar convergiendo en un rocambolesco final.

Emilio: la sala estaba llena. Ha tenido bastante publicidad y se han hecho comparaciones con "Galaxy" de Cuarón y con "Odisea 2001..." de Kubrick. Con la primera, nada más allá de los trajes y las naves. Con la segunda no me acuerdo, pero no creo.

Me gusta la película hasta que que deciden dar un salto en el guión y de forma sorprendente llegar (con nocturnidad) a una base secreta de la Nasa. A partir de ahí se produce una fractura en el desarrollo de la trama que es insalvable. Luego, ya metidos en el viaje interestelar, como una película aparte, sin contar lo anterior, como un relato propio, vale. Al final, con el juego de las diferencias entre el tiempo transcurrido en el Tierra y en la otra galaxia, vuelve la pirueta argumental, que tiene su momento álgido al cruzar un agujero negro y llegar de nuevo, en otra dimensión, al punto de partida, la casa en el campo rodeada de maizales. Me chirrían muchas de las explicaciones, pero no me meto en elucubraciones, no me interesan.

Loreak. Directores: Jose Mari Goenaga y Jon Garaño

Película rodada enteramente en vasco (incluso en los títulos de crédito pasan a la forma vasca nombres tan alejados de ese idioma como Charly).

Es una película con un sedimento triste. Los directores se refieren al recuerdo y al olvido, a esa constante dicotomía que forma nuestro transcurrir vital. Yo diría que es más una búsqueda de algo de amparo emocional que nos cobije. Encontrar un detalle, las flores en este caso, que abra una ventana a la comprensión y al cariño. Mostrar interés por otra persona, prestarle la suficiente atención, aunque no lo pida con palabras, y ser fiel a la memoria, porque la muerte está también muy presente.

Sensibilidad, cuidado en los encuadres, guión escueto y preciso y actrices convincentes y metidas en su papel (especialmente la madre, Tere. La sorprendente y para mi desconocida Iztiar Aizpuru).
Lo que opina Ana:

La película encuentra el tono desde el comienzo, se enhebra a través de imágenes que por sí mismas van presentando a los protagonistas y adelantando parte de la trama sin necesidad de más explicaciones. El tono es triste, como no podía ser de otra forma, porque la película habla de ausencias, de sentimientos muy íntimos tendentes a la melancolía, la soledad  se reitera como el zumbido de una mosca y cuando éste desaparece se afianza el olvido. La sigo con gusto, pero al final me molesta que pierda el tono mágico que ha llegado a crear y se explaye en explicaciones que pretenden aclararnos cosas innecesarias, rompiendo con lo que había sido su leitmotiv. Buenas interpretaciones, especialmente notable la de Itziar Aizpuru, la inconsolable madre y detestable suegra. Leyendo los títulos de crédito uno llega a pensar que para trabajar en esta película filmada enteramente en euskera, se debía exigir estar en posesión de al menos ocho apellidos vascos.

Orígenes de Mike Cahill

Lo que opina Ana:

La película plantea el eterno dilema entre ciencia y Dios, comienza con interés, pero pronto lo pierde. Los personajes no tienen consistencia, sabemos que son intelectuales o científicos porque llevan una bata blanca y trabajan en un laboratorio, pero en este caso el hábito no hace al monje. La aguanto sin más y me da igual el enrevesado mensaje  que esconde.

Emilio: Mejor película en el Festival de Sitges.

Nos invitaron los cines Renoir al preestreno. Un joven científico un poco naïf se pasa la vida haciendo fotos de ojos humanos para descubrir sus variedades y peculiaridades, hasta que encuentra los de una mujer misteriosa. Por los ojos empieza una historia de amor que plantea, además, un dilema: la razón  contra lo que no abarca ésta, el espíritu de lo intangible, lo que se siente, no lo que se ve. La tesis, profundamente conservadora como señala Jordi Costa, es que lo creado responde a una concepción y que cualquier estudio científico que lo altere, pone en riesgo ese mismo mundo. Como asunto de fondo de una película podría ser interesante, pero con estos actores y con este desarrollo, es un simple pretexto que no llega a ningún lado. Que la respuesta se encuentre en la India deja todo dicho.

La sal de la tierra de Win Wenders y Juliano Ribeiro Salgado

Lo que opina Ana:

Extraordinario documental sobre la obra y la vida de un fotógrafo aún más extraordinario, Sebastião Salgado. Win Wenders desvela desde el comienzo su personal atracción hacia la obra del fotógrafo y cómo decidió que quería conocerlo.

Junto al hijo de Sebastião, va a realizar un documental que repasa la gran obra del fotógrafo y viajero impenitente, con un ojo capaz de mostrar la belleza y de denunciar la explotación y la miseria. Vamos a ir recorriendo sus grandes series de fotografías, desde la Mina de Oro de Serra Pelada, a su último trabajo “Génesis”,  en el que se acerca a la naturaleza salvaje. Al tiempo conoceremos lo esencial de su biografía, la importancia de la familia y la tierra, sus proyectos, siempre impulsados por su fiel compañera, Lelia. 

Emilio: el documental me dejó pegado a la butaca desde el principio, y así permanecí casi hasta el final, sólo perdí un poco ese imán mágico con la expedición a fotografiar los elefantes marinos del Ártico y el oso entrometido.

Hay imágenes que de bellas todavía aumentan el mensaje dramático y brutal que tienen, y piensas, ¿cómo se quedaría Salgado después, allí, viendo y oliendo la muerte, la desesperación, la inhumanidad de los humanos? Es comprensible que tras haber recorrido medio mundo soltara asqueado la cámara. Contiene su retina muchas tragedias, la memoria está saturada, hasta que aparece la naturaleza y surge le proyecto de Génesis, única vía posible que le quedaba, ya al final de su carrera.

Documental necesario, más allá de lo recomendable, que lo es sin ninguna duda.

Perdida de David Fincher

Lo que opina Ana:

La crítica hablaba de una película en el estilo del gran Hitchcock, a mí me pareció una comparación demasiado grande. Ni la intriga, ni el suspense llegan nunca a su altura. Un papel también grande para Ben Affleck que aparece siempre con el mismo gesto, sin matices. Se ve y olvida pronto.

Alguien a quien amar. Dirª Pernille Fischer Christensen

Había que aprovechar el tercer día, y último, de la Fiesta del Cine. Habíamos visto el trailer, que no era muy sugerente, todo sea dicho. Ahora las cosas están en su sitio: una estrella en Metrópoli y la sensación de haber visto nada relevante. El personaje central, el cantaautor danés Thomas Jacob vuelve a su país de origen desde Los Ángeles, donde vive. a grabar un álbum y se encuentra con una familia de la que no quiere saber nada: hija y nieto. Revive sus fantasmas familiares y sufre una catarsis emocional. Todo salpicado de canciones que suenan bastante a Leonard Cohen. ¿Qué falla? El personaje central, tosco en su composición y sobre todo la elaboración de la historia, plana a pesar del dramatismo. Escenas como la ruptura con su manager no tienen explicación, y la meada conjunta entre abuelo y nieto al pie de la carretera como vínculo de familia, parece un poco ridícula. Nos queda la música.
Lo que opina Ana:

Una buena historia a la que no se le saca un buen partido, resulta previsible, falla el niño protagonista, se queda blandito, dulzón, tampoco le ayuda su abuelo que no es capaz de crear un personaje potente.

Buena música, lo menos que podía esperarse de una película basada en un gran cantautor cuyas baladas recuerdan a las de Leonard Cohen, espero que no su biografía.

Un viaje de diez metros. Dir. Lasse Halström

En Fila 7 decían que pasabas un rato delicioso; en Metrópoli, le daban dos estrellas. Me quedo más cerca de Metrópoli. Segundo día de la Fiesta del Cine. Película intrascendente, dulzona, a medida para atraer al público menos exigente (sala llena y algún aplauso al final). Los productores Steven Spielberg y Oprah Winfrey juntan ingredientes para que haya varios mercados potenciales: la India, por el origen de la familia; Europa (Francia) por el destino de esa troupe, y EE. UU. por el aliciente chic de lo culinario cool francés. Pobre Helen Mirren haciendo un papel tan simplón y comercial.

Dos días, una noche. Directores Jean-Pierre y Luc Dardenne

Primer día de la Fiesta del Cine y vamos los cuatro de la familia.

Puede que no tenga la magia de otras películas de estos hermanos, pero plantea, como es habitual en ellos, un problema contemporáneo de raíz social: la depresión, el paro y la lucha por volver a la normalidad laboral y personal. Y lo hacen sin falsas esperanzas utópicas. La competitividad que todo lo justifica y el nivel de vida que no quieres perder, aunque seas un obrero. La solidaridad hay que mendigarla casi, ya no es ese principio proletario incuestionable. Bien interpretada por Marion Cotillard, aunque, tal vez, hubiera sido mejor que el papel fuera representado por una actriz menos conocida para dar más veracidad a la historia.
Lo que opina Ana:

Los hermanos Dardenne vuelven a presentarnos una película con fuerte contenido de denuncia social, eligen a una heroína que aparece muy frágil al inicio de la cinta, recién salida de una depresión que la ha tenido de baja y le ha llevado a perder su empleo. Con la ayuda de algunos de sus compañeros y el apoyo incondicional de su marido, iniciará una batalla por recuperar su puesto de trabajo, tiene muy poco tiempo y muy poco ánimo, pero irá haciéndose fuerte con la generosidad de los que la apoyan y a pesar de los que no lo hacen. La película, incisiva en su discurso, repetitiva, porque siempre hay que plantear lo mismo, se sostiene gracias a la gran interpretación de Marion Cotillard.

Relatos Salvajes. Dir. Damian Szifron

Relatos Salvajes es una bomba. Szifron ha reunido seis historias bestiales, llenas de realidad epidérmica y humor. Sucesos que le podían pasar a cualquiera, pero que no llegan en nuestra vida cotidiana a esos extremos, aunque nos gustaría en algún caso. Incidentes que se enredan y explotan, los piques de conducción, por ejemplo. O el hartazgo que produce la burocracia sorda y mecánica (estupendo Ricardo Darín). Todas tienen su toque, su lógica, su explicación, y están estupendamente contadas. Una recomendación segura.
Lo que opina Ana:

Extraordinaria conjunción de historias cargadas con dinamita, capaces de hacernos reventar de risa sin dejar de poner el dedo en la llaga sobre realidades que pueden volverse explosivas.

Szifron engarza con un guión perfecto seis historias que sólo tienen en común el traspasar una raya que convierte algo cotidiano en una bomba de relojería que cuando estalla, destruye la realidad anterior. En algunas el tono trágico se impone, caso del relato sobre el atropello nocturno,  en otras es la acidez de su humor negro la que prevalece, como en el duelo en la carretera, o la parada en la cantina. En unas la crítica social está más marcada, en otras se destapa más la negación a comulgar con la injusticia, sentida como una afrenta personal e intransferible, relato de la boda, el del “Bombita”, o el del vuelo hacia unas vacaciones regaladas.

El ritmo está medido con perfección, unos relatos se cuentan rápidamente, otros se demoran el tiempo necesario, en algunos casi nos hace saltar del asiento, la verdad es que nunca podemos relajarnos, ya lo dice el título, no engaña, se trata de unos relatos verdaderamente salvajes. Humor inteligente, narración perfecta que acaba llegando al desenfreno en el último relato, el de la boda, donde el humor negro, se mezcla con el absurdo mientras la cámara no deja de  girar con un ritmo trepidante y peligroso.

Me gustaría que esta película batiera records de taquilla, demostrando que el humor inteligente también se aprecia, no sólo el facilón de los 8 apellidos vascos.

Winter Sleep. Dir. Nuri Bilge Ceylan

Hace falta sentirse libre de condicionantes comerciales para hacer una película como esta, que ya de partida sabes que dura 3 h y 16 m, y también tener el valor de premiarla en Cannes con la Palma de Oro (un jurado presidido por Jane Campion). Aunque el director se refiere a un origen remoto de la película en varios relatos de Chejov, parece, viendo la estructura, que es Ingmar Bergman quien se ha trasladado a Anatolia con sus sesudas reflexiones sobre la existencia y con su inmisericorde retrato de las estructuras familiares (y eso que aquí no hay hijos).

Película para gente que disfruta de un cine construido de forma artesanal, sin aspavientos, oyendo a los personajes y donde el ambiente de los interiores se equilibra perfectamente con el marco exterior de una heladora Capadocia. Sólo por ver la escena del padre humillado y alcoholizado arrojando al fuego la solución a su existencia, merecería ya estar sentado más de ciento ochenta minutos,no es fácil (la chica que vende las entradas no está dispuesta a hacerlo, por ejemplo).
Lo que opina Ana:

Aclamada por la crítica llega a Madrid la vencedora del festival de Cannes, una película de estilo “bermangiano” y alimentada en el universo de Chejov, pero desarrollada en el interior de Turquía, en una bellísima y dura Capadocia invernal.

Es una película psicológica, con mucha carga literaria, en la que añoras poder entender el turco para disfrutar de los densos diálogos que a veces cuesta leer. El ritmo es lento pero fluido, no se hace larga a pesar de su larguísimo metraje. Tiene un aire teatral que emana del propio protagonista, un afamado actor retirado, de sus espacios interiores, que de cuando en cuando se abren , para abandonar el delimitado escenario teatral y presentarnos  una bella descripción pictórica de ese mundo gélido y hostil en el que habitan los personajes atrapados en sus dilemas existenciales. Mucha reflexión filosófica, poca alegría, quizá la llegada de la primavera les permita  una vida mejor.

La desaparición de Eleanor Rigby, de Ned Benson.

Lo que opina Ana:

El guión nos va desvelando una historia de amor y desamor, lo que más me gustó es la manera de  introducir los datos necesarios para comprender por qué ocurren las cosas. No es un relato lineal, pero se va encajando sin necesidad de relatos complicados.

El director nos presenta  a la pareja protagonista y sus pesares, cuando es ella la que piensa o actúa la pantalla se alegra, con él se ensombrece. Sin duda la actuación de Jessica Chastain es lo mejor de una película con más intenciones que resultados.

Emilio: El guión está tan inclinado a lo literario que se superpone a la imagen que lo sustenta. Por otro lado, los personajes secundarios tienen un lugar tan delimitado que actúan como autómatas. La película la salva Jessica Chastain. Su papel, aunque también un poco encorsetado, refleja un dolor sin fondo, ese divagar sin sentido del que tiene un corazón roto y una vida sin horizontes. El director quería contar la historia en dos versiones, del lado femenino y del masculino, en dos películas distintas. Razones de producción han obligado a juntar ambas partes. Visto lo visto no sé si hubiera mejorado mucho con ese modelo.

Black Coal. Dir. Diao Yinan

Ganó el Oso de Oro en el último festival de Berlín. Es un thriller poderoso en su representación visual, pero los personajes, el protagonista es, son, poco o nada atractivos, casi desagradables. La realidad que te presentan es la de un país desorganizado en lo urbano y sucio en sus hábitos (podríamos decir que guarros cuando comen, no solo los fideos que sorben, la sandía que casi mordisquean como los cerdos), donde la policía no respeta ninguna presunción de inocencia y te suelta un mamporro  a la menor. Delincuencia inexplicable, robos...(buena secuencia la de la moto).

El final es sorprendente y abierto. ¿Quién está festejando con fuegos artificiales en la azotea de una torre de pisos sin terminar y que está celebrando? La implicación última de la mujer es débil, forzada y deja sin aclarar cosas importantes. No sentí al verla que mereciera el máximo galardón de un festival de la talla del de Berlín.

El niño. Dir. Daniel Monzón

El Niño es una gran película; no es perfecta, no es una obra maestra, pero tiene un nivel de realización de alta cualificación. Escribe en Fila 7 A. Sánchez de la Nieta que el hecho de haberse interrumpido y haber realizado un rodaje un poco a trompicones (la crisis), había perjudicado al conjunto; yo no lo he notado. La trama policial de contrabando de droga vía Gibraltar y el Estrecho es sólida, bien planteada y desarrollada y los personajes que están implicados en ella, desde el delincuente de poca monta (bien Jesús Castro, mucho mejor que en "La isla mínima"), hasta el policía duro (Luis Tosar haciendo, como siempre, un buen papel; ahora, no hay que hacer comparaciones con "Malamadre") están a la altura de lo que se requiere. Fallan las tramas colaterales, las que tienen que ver con las relaciones afectivas: queda dulzona y caramelizada (y la película no va en ese tono) la de El Niño y Rachid (pese a que da gusto contemplar la belleza de Moussa Maaskri). 

En conjunto es una obra mayor, costosa, espectacular, bien contada y casi siempre equilibrada en su composición dramática. Y llegados a este punto te preguntas, ¿qué grado alcohólico o qué colocón tenían los miembros de la Academia para elegir "Vivir es fácil..." para representar a España en los Oscar?
Lo que opina Ana:

Vuelve Daniel Monzón a construir una historia grande, me hizo salir del cine exclamando “¡qué peliculón!” y preguntándome dónde está  el criterio de los doctos académicos que deciden presentar la peliculita bienintencionada de Trueba como candidata a los óscar, barriendo de un plumazo a esta difícil y gran producción, digna de  competir sin sonrojo con las mejores  cintas de cine policiaco.

El guión no tiene borrones, avanza con ritmo, sin desfallecer, durante las dos horas de metraje. Los personajes crecen y te atrapan. El director aborda la difícil tarea de hacer creíble una historia tan difícil de rodar, con persecuciones por tierra, mar y aire, sin duda carísimas de producir pero que lucen como si provinieran de  uno de los grandes estudios de Hollywood. Se nos quitan los complejos viendo esta película, aunque no dejamos de pensar en la puñalada trapera que realizan todos los que no pasan por taquilla y piratean. ¡Hay que ir al cine! Como cantaba Aute pedimos “más cine, por favor!

La única pega las actuaciones femeninas, en esta ocasión Bárbara Lennie no está a la altura, tampoco Mariam Bachir. En cambio el elenco de actores está más que sobresaliente.

La isla mínima. Dir. Alberto Rodríguez

Ha recibido muy buenas críticas (cinco estrellas en Metrópoli), pero sus expectativas quedaron un poco frustradas al no haber obtenido premios más gordos en S. Sebastián (se tuvo que conformar con el premio de fotografía y al actor coprotagonista, Javier Gutiérrez). La película empieza muy bien, el paisaje, el ambiente, los laberintos de caminos y canales de las marismas del Guadalquivir. La desaparición de dos chicas jóvenes va dando lugar a un entramado de sospechas, retratos de miseria y dominación. Estamos al comienzo de la Democracia, pero allí están presentes todavía los retratos de Franco y el olor a dictadura. Cuando la película tiene que ir cerrando las pistas y llegar la punto donde confluyen los hilos sueltos de los asesinatos, empieza a flojear y el final te deja una mueca de frustración: tanto aparato para llegar a esto tan simple, y encima piensas y te haces preguntas de lo que no casa. En el cine de este tipo hay que ser más preciso que un agrimensor.
Lo que opina Ana:

Lograda ambientación, los años 80 te saltan a la cara completamente vívidos. Fotografía muy cuidada, capaz de narrar la historia desde los más diversos planos, te aleja y te acerca al corazón de la tragedia y a través de ella se presentan las descripciones de un paisaje que es clave en la trama.

La historia tiene fuelle aunque el guión no es perfecto y fallan algunos de los actores, especialmente la madre de las chicas, nada creíble como campesina sin recursos de una España muy profunda. Por el contrario el dúo protagonista, especialmente Javier Gutiérrez, en el papel de Juan, un brigada de turbio pasado franquista, está insuperable.

La entrega. Dir. Michel R. Roskam

Alberto Bermejo le da cuatro estrellas en Metrópoli; puede ser hasta que el guión de Dennis Lehane aguanta. La verdad, sorprende que un director inexperto, de origen belga, ruede en EE. UU. con un plantel de actores de la talla de James Gandolfini (es, de hecho, su último trabajo antes de morir)un relato corto del propio Lehane (con una larga y fructífera carrera de adaptación de sus obras; por ejemplo Mystic River), que como guionista ha trabajado con Clint Eastwood, Ben Affleck o Martin Scorsese. Mientras este conjunto funciona, te alegras de estar viendo un película de malos de diferente grado y poder, con un inocente en apariencia en medio de todo esto, Tom Hardy. Pero, cuando la trama tiene que encajar los cabos sueltos y conducir el relato a su punto álgido, el director (y seguramente  el guión) da un corte al vuelo anterior y , mediante piruetas un poco ramplonas, acaba la película con un sabor amargo por lo que podía haber sido.

El corredor el laberinto. Dir. Wes Bell

Había varias cosas que llamaban a la contención, por ejemplo que solo los Yelmo la estrenaran en versión original. Luego que fuera una distopía nacida de un libro de orientación claramente juvenil, pero cuando leí la crítica de Javier Ocaña (y lo hice varias veces) no quedaban dudas de que se trataba "de un conjunto admirable". Y lo será para el crítico, para nosotros (me acompañó mi hija Lía) es una película mediocre (no diré mala por prudencia) en todo: en el desarrollo de la historia, en la propia profundidad de lo que se muestra desde un punto de vista filosófico, en la actuación de los actores: hay escenas sentimentales de compañerismo casi infantiles (el público era abrumadoramente juvenil, algunos algo más, solo tres como yo, pero no eran niños de dibujos animados), y en el final, todo ya preparado para la siguiente de la serie, pero no contarán conmigo.

Sacro Gra de Gianfranco Rosi

Lo que opina Ana:

Sacro Gra es una película para cinéfilos, no apta para el gran público adicto al consumo de palomitas. Se trata de un documental  íntimo, “fisgón”, que mira a la cara  a gentes alejadas de las miradas , casi invisibles, o a veces demasiado visibles por haberse convertido en mercancía, como las gogós de un bar inmundo del extrarradio romano, o las prostitutas que ejercen su oficio apostadas en unas vías llenas de coches y camiones. A veces  se pasa a la imagen pictórica que brilla entre la nieve o la niebla, creando composiciones estáticas de gran belleza en un mundo mayoritariamente sórdido, pero en el que puede  también despuntar un tono lírico, siempre nostálgico, como el retrato del trabajo de limpieza en el cementerio, o el pastoreo de ovejas, impertérritas al feroz ruido del tráfico infatigable en esa muralla que encorseta la gran ciudad romana, que nunca llegamos a ver.

Asombra que tantas personas se hayan dejado retratar en su intimidad, hay un gran trabajo detrás de las cámaras para llegar a entablar una relación tan cercana.  El director recorrió a pie 300 k en un  peregrinaje personal  que le ha llevado a tener una visión muy personal del inmenso extrarradio romano.

Emilio: El hecho de que este documental haya obtenido el León de Oro del Festival de Venecia en 2013 (primera vez que un documental obtiene este galardón en el Festival) le ha dado una notoriedad que no hubiera tenido. Profundamente respetuoso y convertido en un observador casi ausente, Gianfranco Rosi se vale de unos pocos personajes especiales para enseñarnos quién vive en las proximidades de esta vía de circunvalación romana, siempre sacudida por el ruido de los coches y de los aviones que en sucesión continua aterrizan en el aeropuerto cercano. Son personajes bastantes de ellos excéntricos, en todos los sentidos, geográfica y profesionalmente, pero no marginados (las prostitución tan frecuente en estas geografías está tratada de forma lejana, aséptica, casi como no la hubiera). Las imágenes, muy bien enlazadas entre si para dar continuidad al viaje, aunque sea circular y cerrado, de la circunvalación (La Grande Raccordo Anulare), desde dentro y desde fuera, muestran diferentes momentos de la vida en la sucesión de estaciones; cuando llega el invierno un manto de nieve une  a los vivos atrapados en un atasco y a los muertos, encerrados en sus ataúdes del cementerio, una de las visiones más significativas y extrañas del documental.

S

Boyhood de Richard Linklater

Lo que opina Ana:

Los repetidos avances de la película que había visto me atraían, las críticas también, pero sentía un inmenso recelo después de haber visto “Antes del atardecer” , lo vencí y no me arrepiento en absoluto. Esta vez Linklater sí ha conseguido hacer una gran película, ha triunfado en su proyecto de retratar el paso del tiempo de manera real, sin flasbaks engañosos, sin actores que representen las distintas edades de los protagonistas.

Su proyecto se alargó durante 11 años, para luego con la maestría de un hábil sastre, saber unir los pedazos con un montaje perfecto que nunca chirría, que fluye con la mayor naturalidad, como si todo fuese fácil.

Emilio: de todas las críticas leídas, la más pacata fue la de Jordi Costa que, aunque es claramente positiva ("posición de excelencia"), tiene una extensión mínima. En Metrópoli le dan cinco estrellas y en la Guía del Ocio la califican nada más y nada menos como la mejor película del siglo XXI (y parte del XX). Me parece exagerado. Pero es una buena película en su composición ,equilibrio y sobre todo evolución temporal. La experiencia de rodar durante doce años consecutivos a unos actores no se nota nada, es como si se hubieran dedicado a filmar en dos meses, y esto ocurre gracias a su magnífico montaje que mantiene la continuidad narrativa y visual de una familia en su vivir cotidiano. Historias mínimas pero vitales. Tal vez por eso en Fila Siete, Ana Sánchez creía que le faltaba épica para ser una gran película. No la hay en el sentido clásico porque los personajes no entran en esa dinámica. Vemos su trayectoria vital, tumultuosa a veces, equivocada a menudo, pero humana cien por cien.

Llenar el vacío de Rama Bursthein

Lo que opina Ana:

Película intimista que nos adentra en un mundo desconocido, el de los  jaredíes o ultraortodoxos en Tel Aviv. Se ve con curiosidad antropológica, está bien filmada, con ritmo, pero yo la veía con recelo como consecuencia del gran genocidio que Israel está perpetrando sobre Gaza en este verano del 2014.

El hombre más buscado. Dir. Anton Corbijn

Se comprende la benevolencia de C. Boyero y las tres estrellas de Metrópoli, es como despedirse de Philip Seymour Hoffman y no vas a hacerlo negativamente; además, si algo sostiene la película es principalmente su actuación.

Se trata de una historia de espías, de celos y rencillas, de zancadillas y traiciones entre los grupos que tienen en teoría que defender la seguridad de Occidente frente al peligro del islamismo radical. Estamos en Hamburgo y, sin embargo, nadie habla alemán, aunque sean espías alemanes, abogados y banqueros alemanes. Esto ya muestra una primera discordancia, pero la urdimbre se viene abajo cuando tratan a una alemana, abogada, y en Alemania como si estuviéramos en Rusia o en algún país del Cáucaso, es decir, sin ningún derecho sobre su libertad, intimidad y seguridad. A partir de ahí la historia no tiene sentido, ni la del desencadenante de todo el tinglado, el ruso-checheno Issa Karpov ni la del aparente éxito de la operación que dirige Günter Bachmann (Seymour Hoffman). Un director novel, con poca experiencia, una película grande para él, muchos actores conocidos y un gran Philip Seymour Hoffman.
Lo que opina Ana:

¡Qué difícil es hacer una buena película de espías!  Ésta, como tantas otras, resulta confusa. Después de muchos enredos, sólo se entiende a medias y, lo que es peor, ya ni te importa.  A su favor hay que valorar la cuidada ambientación y sobre todo la magnífica interpretación, especialmente de Philip Seymour Hoffman que nos abandonó dejándonos este último legado de su talento interpretativo y de Willem Dafoe, otro de los grandes, de esa clase de actores que engrandecen la pantalla cuando entran en escena. 

Locke. Dir. Steven Knight

Pocos casos debe haber en los que un guionista de reconocido prestigio se convierta en director con un lenguaje propio que no esté lastrado por su vocación de guionista. Este es uno de ello, y al segundo intento, porque Steven Knight no acertó en su primera película, "Redención".

Locke tiene un guión preciso y medido y su puesta en escena es estupenda, y eso que la localización es mínima: un coche, el conductor, los espejos retrovisores, el navegador con el recorrido y con las llamadas entrantes y salientes, y aquí está el armazón dramático, en las conversaciones que se van sucediendo, que van configurando la difícil situación a la que se enfrenta el conductor. Por eso son tan importantes los tonos y modulaciones de la voz, tanto como la imagen del protagonista Ivan Locke (Tom Hardy).

Te imaginas esta historia en un libro, un cuento o una nouvelle y seguro que si está bien escrito te atrapa enseguida. Lo complicado es llevarlo a la imagen y ese es el milagro del cine, que se ha hecho realidad aquí. ¡Qué satisfacción poder disfrutarlo!
Lo que opina Ana:

Magnífica película. Utilizando  un  único decorado, el de un hombre al volante que conduce por una autopista  durante la noche, Steven Knight consigue hacernos salir al exterior, y nos abre una historia que está en la mente del protagonista, consigue hacernos ver lo que no retrata la cámara, visualizamos al resto de los personajes, los que sólo hablan a través de ese teléfono que no deja de sonar en los 85 minutos del metraje. Es capaz de construirlos, de darles cuerpo, entidad, sentimos la desilusión de los niños por no estar su padre en casa viendo un gran partido junto a ellos, vemos crecer sus temores porque esa ausencia pueda hacerse más larga, vemos cómo el capataz de la obra recurre a las cervezas para poder cumplir las órdenes que recibe desde el coche, sentimos el desgarro de la mujer que descubre una traición , casi tenemos dolores de parto en la habitación de un hospital londinense. Todo está medido y bien resuelto.

El Congreso. Dir. Ari Folman

Cuando vi el trailer  no me gustó, pero esperé a ver la puntuación de Metrópoli, cuatro estrellas. La crítica de Jordi Costa es, como en otras ocasiones, tan abstracta en la valoración que no sabes si sí o si no. Ana Sánchez de la Nieta en Fila Siete escribe que fue la película más original del último festival de Cannes.

Yo no entendí nada de la segunda parte. Esa orgía de color naif  del Congreso de Futurología y el desmadre posterior, el pasar de una realidad a otra en busca de Aaron, el hijo de Robin Wright, la estética de desarrapados parecida a la de los viajeros de los últimos vagones del tren que daba vueltas al mundo en "Snow Piercer". Son muchas cosas y a esas alturas ya tengo nulo interés por la historia y los personajes y la exuberancia de los dibujos me parece un pastiche. ¡Qué lejano el realismo avasallador y lacerante de la animación de "Vals con Bashir" (2008), la película anterior de Folman. Los directores de cine hacen cosas raras. Con Ari Folman habrá que tener cuidado la próxima vez.
Lo que opina Ana:

Después de haber hecho una película tan poderosa como Vals con Bashir, uno va al cine esperando encontrar una historia conmovedora. En “El Congreso” no encontré nada que me atrajera, no me importaban nada las aparentes metáforas sobre la condición humana escondidas en un enrevesado planteamiento futurista, me parecía una auténtica paja mental, así que  en cuanto empezó la parte de animación, no me importó quedarme un rato dormitando.

Cinema Paradiso. Dir. Giuseppe Tornatore

El año pasado, o el anterior, con motivo del veinticinco aniversario de su estreno, se volvió a proyectar en cines "El festín de Babette", y fue un placer visual y gustativo verla. Ahora ocurre con Cinema Paradiso, la obra mágica de Giuseppe Tornatore. El cine estaba lleno, y lo merece.

La primera parte, la que tiene como protagonista a Alfredo (Philippe Noiret) y al Salvatore niño (Salvatore Cascio), es una delicia. Se perdonan las escenas costumbristas, esas ovejas pasando por medio del plano, o la señora con la rueca en una toma turística de propaganda...El niño no lo puede hacer mejor en su papel de pícaro y cariñoso, testarudo y apasionado. Después, ya de jovencito, gana en hermosura pero pierde encanto, pero la inercia de la historia es tan fuerte que suple este bajón. Y así hasta el final, cuando la muerte de Alfredo, el operador, vuelve a juntar a los protagonistas de antaño frente a la plaza donde se va a dinamitar el edificio de sus sueños:Cinema Paradiso.

Es una elegía al cine, ya tan pronto, 1989/1990. Afortunadamente sigue sobreviviendo, aunque la herida esté abierta y en países como el nuestro potenciar su creación y difusión no entra en los planes de un gobierno ramplón y miserable.
Lo que opina Ana:

Al cumplirse  los 25 años de su estreno, Cinema Paradiso vuelve remasteurizada a la pantalla grande. La recordaba bien, pero sobre todo me había quedado el poso de su sabor dulzón, algo que en su día me había hecho valorarla menos de lo que lo he hecho en esta segunda visión, en la que me he dejado emocionar por ese niño Salvatore que  llena la pantalla y su ángel de la guarda, el  operador Alfredo, un Philippe Noiret conmovedor. Amor y homenaje al cine como fábrica de sueños, eso es lo que es esta película y contagia a todos los personajes de esa pequeña comunidad que tienen ese nexo en común, en la dura realidad de la postguerra , el cine es lo único capaz de hacerles soñar.

Shirley. Visiones de una realidad. Dir. Gustav Deutch

Última semana de proyección en un solo pase nocturno. Película especial. Se trata de coger trece cuadros de Hopper y montarlos dramáticamente, siempre con la misma actriz, atractiva y con un bonito cuerpo, que va presentándonos situaciones diversas. Ella misma en esas historias dentro del cuadro es actriz. La cronología va desde 1931 a 1963 y no cambia de aspecto en todo este tiempo.

Muchos cuadros son conocidos "Habitación de hotel" (1931), el primer episodio completo que se desarrolla. "Sol de mañana" (1952) es otro de los cuadros de los trece teatralizado, que, por cierto, ya fue objeto escenográfico en la última exposición que hubo de Hopper en Madrid en el museo Thyseen en el verano de 2012. Hay otros cuadros que yo desconocía, muchos proceden de colecciones privadas.

La representación ambiental y de los personajes es perfecta, pero le falta vida. Las historias son poco apasionantes, aunque hay una voluntad de anclarlas al momento en el que fueron pintadas (caso de Elia Kazan; o con el discurso de Martin Luther King). Dada la hora y esa falta de pasión a un espectador le dio por bostezar sonoramente. ¡Cuánto mejor habría hecho quedándose en casa! A mi, en este tipo de películas, me gusto más "El molino y la cruz", de Lech Majewski, sobre Peter Brueghel.
Lo que opina Ana:

El director organiza su película a partir de una introducción  sonora utilizando grabaciones de radio del día en que localiza cada  una de los 13 cuadros de Hopper , con ellas pretende contextualizar el mundo exterior  y luego a través de la voz en off de la protagonista reinventa una historia para cada uno. La recreación de los cuadros, pasando de la tela a cobrar vida, te hipnotiza, pero no la interpretación que hace de ellos, yo prefiero fabular por mi cuenta. En este aspecto creo que no aporta nada, los cuadros por sí solos son mucho más válidos que su puesta en escena para una película, sería mejor dar al César lo que es del César… 

Las vidas de Grace. Dir. Destin Daniel Cretton

Las vidas de Grace tiene un mensaje que dar: aun en las situaciones más difíciles, la comprensión y la ayuda permiten salir de la zozobra de lo oscuro. Muestra que sí funcionan los controles sociales del Estado y que hay gente entregada a enderezar vidas torcidas. Buenismo, sí, sin duda, pero sin caer en lo exagerado.

Grace es una chica joven que ha tenido muchos problemas en su adolescencia y que ahora trabaja con entrega total y con una gran profesionalidad como monitora en una casa de acogida para jóvenes de ambos sexos y de todos los colores que están en situaciones muy complicadas. Es como la casa soñada para chicos y chicas que no han tenido hogar y que lo tienen es un infierno. Grace y sus compañeros luchas denodadamente por salvarlos, con humor, sin condicionamientos. Gente maja, diríamos. 

Puede ser utilizada en las clases de aquella asignatura que tanto molestó a algunos poderes llamada "Educación para la Ciudadanía" y que ya no existe. ¿Por qué será?
Lo que opina Ana:

Demasiada edulcorada para una realidad tan dura como la que se narra, la de la vida en un centro de acogida de menores, cada uno de ellos con una historia espeluznante a sus espaldas.

La verdad es que te alegras de ver a gente tan entregada, tan buena, tan inteligente, capaces de llenar de afecto los corazones de unos adolescentes torturados, pero suena un poco empachoso, poco creíble. Es demasiado transparente y predecible, le falta el desgarro, la dureza que la harían más real.

Un toque de violencia. Dir. Jia Zhangke

Historias radicales en una China brutal. ¿Cómo habrá sorteado la censura?

Se muestran todos los desafueros humanos:violencia, mucha; corrupción; explotación; prostitución; diferencias sociales lacerantes. Bueno, todo lo que caracteriza un sistema capitalista descontrolado. 

De las cuatro narraciones hay algunas más difíciles de comprender en su génesis: la del delincuente profesional, sin escrúpulos y enamorado de las armas. En otras, seguramente por razones culturales, se nos escape algún significado: la de la recepcionista de la sauna prostíbulo; pero en todas hay evidencias de una sociedad corrompida. Algunos personajes no son capaces de sobrevivir y sucumben, como el joven chino al que no le está permitido ni el amor ni la convivencia pacífica ni la tranquilidad familiar.

Las imágenes nos hacen ver una China abandonada, anclada en el pasado y otra China deslumbrante, la de los modernos centros de comunicación y consumo.

Película interesante, aunque tal vez el director alarga demasiado algunas historias.
Lo que opina Ana:

Demasiado larga, el guión es a veces confuso, los personajes se encuentran de refilón para encadenar de alguna manera las cuatro historias. Hay además símbolos y referencias culturales que se nos escapan, volviéndose más enigmáticas, si cabe, algunas de sus imágenes. A pesar de estos contras, la película merece ser vista. Presenta una China  poco apetecible, contaminada ideológica y físicamente; con una realidad de vida muy dura para muchos de sus habitantes. El recurso a la violencia  aparece en todas las historias, bien como una elección de vida, como  la manera de poder ejercer una justicia inexistente, o como una escapatoria personal.  Los personajes que aparecen a lo largo de las cuatro historias parecen condenados a la soledad, algunos están tan desamparados que te contagian su tristeza. No es una buena propaganda  para un país al que el crecimiento económico a toda costa está empujando por caminos muy peligrosos, en esta película sólo vemos algunos de sus efectos, reflejados desde la intimidad de algunos  personajes infelices.

Omar. Dir. Hany Abu-Assad

No es una película fácil y en eso está su mayor virtud. Queda perfectamente reflejado el ambiente de sometimiento que Israel ejerce sobre los palestinos.- Estoy en la puta Cisjordania;le dice un policía judío a su madre por teléfono.

También queda claro el odio visceral, hondo, que los palestinos tienen a los judíos (sólo se ven fuerzas represivas). Pero más allá de esto se desarrolla la historia de un pobre panadero palestino enamorado, que para poder ver a su amada tiene que escalar un muro de diez metros, y lo hace como si fuera de dos, su compromiso político, la traición entre los suyos, el clima de delación y sospecha permanente. Como escribe C. Boyero "te contagian el malestar, el desasosiego y la la incertidumbre los personajes". En Metrópoli le daban cuatro estrellas. Todo lo que está pasando en Gaza, te imaginas lo que sucede en la película multiplicado por cien. Pobres palestinos, y Occidente calladito, por si acaso.
Lo que opina Ana:

Como contrapunto a la película vista el día anterior “Llenar el vacío”, centrada en una comunidad ultraortodoxa de Tel Aviv, ajena al mundo, estallaba  en la pantalla la durísima realidad de una Cisjordania ocupada, película ante todo de sentimientos pero enmarcada en un mundo hostil que lleva a los jóvenes a la guerrilla y a romperles cualquier sueño. No es nada maniquea, coloca el mal  en ambos bandos  y va desenhebrando una historia que es mucho más compleja de lo que en un principio pudiera parecer.

El extraordinario viaje de T.S. Sipivet. Dir. Jean-Pierre Jeunet

Lo primero es que todo el rato estuve pensando que T. S. Spivet, el niño protagonista, era Mario por los gestos, el tamaño y el carácter; lo único que a T. S. no le gusta el deporte y a Mario le apasiona el fútbol.

Javier Ocaña te quitaba un poco las ganar de verla, calificándola, comparándola con Amelie, de inane y reincidente. Y es una película entretenida. Tal vez el director dé demasiado papel al niño, pero no como actor, sino como narrador: la carga de texto, en eso se parece a Amelie; y tal vez sea un poco pastelona, atardeceres y paisajes de postal, pero es que es un cuento. Hay personajes secundarios con fuste, como la madre (buen papel de Helena Bonham Carter)y espíritu aventurero aplicado a la ciencia y a la vida. Un viaje al oeste de campos abiertos y grandes paisajes, con una incursión en el complicado mundo del este urbanizado. Adelante.

Un largo viaje. Dir. Jonathan Teplitzky

Lo peor fue no darle un broncazo al individuo que desde la fila de atrás, la última, ponía sus pinreles en el respaldo del asiento delantero, dos más a la derecha de donde yo estaba. Por no amargarme el cine, y al final lo sientes más. Me ha pasado más veces, y eso que estábamos cuatro. Un tonto fui.

El caso es que la película me pareció larga y lenta, un poco de cartón en la reconstrucción histórica, melodramática en exceso y preciosista donde no lo tenía que ser, en el sufrimiento y la tortura. El comienzo ya avisa: eso de historia real y los ruidos como amenazantes antes de ver la primera imagen no aventuran cosa buena. Te parece que la se han desaprovechado historia (la de la colonización japonesa de Asia y parte del Pacífico) y materiales (la toma de Singapur y la construcción del "tren de la muerte"). Al menos puede ser un aperitivo para luego volver al cine clásico y ver "El puente sobre el río Kwai".

Mi otro yo. Dirª Isabel Coixet

Me perdí por desidia y temor las dos últimas obras de esta directora, el documental "Descubriendo al juez Garzón" y la película "Ayer no termina nunca". Por lo tanto, era un poco una obligación que tenía. Jordi Costa, en una de esas críticas que no sabes por dónde tiran, afirma que "el conjunto acaba siendo menos que la suma de sus partes", y Francisco Marinero le da tres estrellas. Me alegro, porque yo no he visto más que una película de encargo, hecha con oficio. Habrá que preguntarse sí es es una película dirigida al público juvenil, qué éxito obtiene. Me temo que no va a durar mucho entre las 20 primeras, la primera semana se quedó en el 12 por taquilla, por mucho que la protagonista sea Sophie Turner, la de "Juego de tronos". Me gustó la forma que tiene de presentar los títulos de crédito al final y las canciones que componen la banda original (¿la última es "The First Noel"?).

Una casa en Córcega. Dir. Pierre Duculot

Reposiciones. No la vi en su momento y ahora aprovecho este ciclo de los Renoir. No me perdí gran cosa. Descubrir Córcega (el título original en francés es más expresivo "Au cul du loup") y poco más. La historia de la herencia secreta de una casa medio derruida y alejada que la abuela hace a su nieta está aderezada de los elementos necesarios para que no falte nada: amores que se dejan y otros que aparecen, un poco de folclore y reencuentros familiares, pero otra cosa es saberlos expresar y combinar y en eso parece un poco forzado y superficial casi todo.

Solo los amantes sobreviven. Dir. Jim Jarmusch

No es de extrañar la disparidad de críticas que ha tenido la película. Jordi Costa afirma que se trata de una obra mayor de "uno de los últimos poetas del cine"; Alberto Luchini que resulta demasiado solemne y profundamente aburrida.

Es una excentricidad desde luego, pero hecha con estilo. La tesis es que son los vampiros que han sobrevivido a los tiempos los que atesoran y valoran y respetan los avances que ha realizado la humanidad en las artes y las ciencias, mientras que los hombres (zombies los llaman) dilapidan esos conocimientos, los olvidan o simplemente los ignoran. Todo se completa con dos visiones sobre la vida, la de la mujer vampira, Eve (Tilda Swinton) que es positiva y armónica, y la del vampiro hombre, Adam, (Tom Hiddleston) que es lo contrario, negativa y depresiva.

Tiene algunas licencias histórico literarias, como dar por hecho que Christopher Marlowe, también vampiro, es el verdadero autor de las obras atribuidas a Shakespeare ("un ignorante"), y una parte un poco forzada que altera este universo particular, cerrado y decadente, la de la vampira "joven" y alocada, Ava, hermana de Eve, que introduce un poco de suspense y transgresión en la vida de esta pareja.

Queda dicho (y avisados).

Las dos caras de enero. Dir. Hossein Amini

Por mucha Patricia Highsmith que sirva de punto de partida no es una película que te deje petrificado en la silla. Hay tensión, suspense y circunstancias que van complicando las cosas y descubriendo las caras ocultas de los personajes, pero le falta algo más: espíritu rompedor al contar la historia, dosis de sorpresa y de misterio; en definitiva, la mano de un gran director, por eso me parece exagerada la referencia a Hitchcock al hablar de otras adaptaciones de las obras de esta autora. Carlos Boyero titulaba su crónica "Aroma a cine de antes", puede, pero no al que permanece, al que se convierte en obra maestra.
Lo que opina Ana:

No hay un Hitckok detrás de la cámara para conseguir hacer una buena película de una buena novela policíaca, aquí todo se queda en recrear fielmente los escenarios y cuidar los detalles. La música está demasiado presente para enfatizar una tensión que realmente no se logra, a los actores les falta garra, el resultado es un envoltorio llamativo para un contenido fallido.

Violette. Dir. Martin Provost

Este director tiene una cosa buena, descubrirte personajes femeninos que tuvieron notoriedad en otros momentos, que fueron mujeres excéntricas y valientes y que pagaron cara su diferencia. Ahora, sin embargo, están olvidadas o casi. Así hizo con una mujer que encontraba en la pintura la manera de dar salida a sus creencias y emociones,  "Séraphine" (2008). Ahora es una escritora, Violette Leduc. Biografía dura, sexualidad no convencional, la escritura como una terapia, pero dolorosa.

Me parece un poco lenta (135 minutos) y a veces detallista en demasía. Me alegra conocer a este personaje y todavía más a otro que está casi tan presente como Violette, Simone de Beauvoir, presentada como un referente, segura de su lucha contra la inercia conservadora y machista. ¡Qué mujeres!

Los fragmentos de las obras de Violette que se oyen en off suenan muy bien.
Lo que opina Ana:

Buena ambientación, cuidado vestuario, tomas pictóricas en la campiña del sur de Francia, pero no consigue infundir pasión en una protagonista que imaginas llena de ella, dibuja fríos retratos de personajes a los que no les toca el alma y además se alarga innecesariamente.

Meteora de Spiros Stathoulopoulos

Lo que opina Ana:

Lo mejor de la película la descripción del majestuoso espacio geográfico de Meteora, la belleza de las imágenes, el olor del verano destilando entre las rocas, entras de lleno, es como si estuvieras allí. También me gustó la parte animada de la película, un cuento iluminado propio de los libros monásticos, muy bien acompañado por la música. Sin embargo su base argumental, un amor de fuego, poderoso, insaciable e imposible entre un monje y una novicia que viven en lo alto de los peñascos desnudos, en monasterios enfrentados uno al otro ante el vacío, no consigue transmitirse con la misma fuerza que sí adquiere el paisaje. 

Emilio. Dos cosas sobresalen en esta película: el paisaje agreste coronado por montes como zigurats, culminados por imposibles monasterios y conventos, y las animaciones intercalándose entre las imágenes como pequeñas narraciones a través de iconos bizantinos.

Una banda original monacal de cantos griegos arropan esta difícil historia de amor carnal entre una monja y un monje que se ven a través del espacio enfrentado de las ventanas de sus celdas. Esta historia de amor, salvo alguna excepción, no llega en fuerza y pasión, a la altura de la geografía donde se enmarca. De todas formas, se agradece oír el griego y sobrecoge ver estos lugares.

The invisible woman. Dir. Ralph Fiennes

Las películas inglesas de época siempre están bien ambientadas, otra cosa es su tensión dramática. En este caso la relación que mantuvieron Charles Dickens y Nelly Teerman, marcada por ser fuera del matrimonio y por la gran diferencia de edad entre los dos, es interesante por darnos a conocer una cara de Dickens poco conocida, la de actor y recitador de sus obras. La de un empresario teatral. Pero nos deja un poco fríos a la hora de mostrarnos la relación difícil y problemática de los amantes. Los flash back de la protagonista que nos llevan a su vida a partir de los 18 años, cuando conoció al escritor, están un poco forzados desde el presente de ese recuerdo y sobre todo no logra el director en su segunda incursión en este oficio, la tensión dramática necesaria y ademas se hace lenta en algunas fases. Aún así, sin crearse grandes expectativas, la película se ve.
Lo que opina Ana:

En el estilo de las películas de época inglesas, se cuida al detalle la ambientación y escenografía, en eso no hay pegas, yo se las pondría al ritmo dramático que es mortecino, lento, frío, no conectas con los personajes, los ves en la distancia, te resultan ajenos y el tiempo se te hace a veces eterno.

Stella Cadente. Dir. Luis Miñarro

Esta película cuando menos te deja sorprendido, y lo normal es que te parezca un divertimento, como el propio director la califica. El apartado histórico en cuanto a ambientación y vestimenta puede parecer apropiado, ahora el acercamiento al personajes de Amadeo es peculiar. No le deja salir de los interiores palaciegos, siempre en despachos, dormitorios, antesalas. Queda clara su lejanía de la situación real del país una vez llegado y muerto Prim; también que sus ideales de manual ilustrado no son más que una retahíla de proyectos que nadie se cree que va a realizar. 

La imagen exterior del palacio es un castillo poligonal y almenado. Una fortaleza como si fuera una isla (licencia del director porque este castillo ni siquiera está en España, está en Bari). El personal que le acompaña desde Italia, sólo un ayudante, aparte de su mujer, hace cosas raras con los melones, y el pobre Amadeo, tan abandonado, se realiza enseñando a leer a una cocinera, Lola Dueñas, que al final logra meterse en la cama del Saboya. Buenas composiciones en los encuadres, casi cuadros. Y la extravagancia de ver a Amadeo marcarse una canción en francés de François Hardy.

Para los alumnos, en conjunto nada de nada. Tal vez algún fragmento.
Lo que opina Ana:
Se trata de un divertimento preciosista que compone con la luz bonitos bodegones y cuadros costumbristas en foto fija, pero al que le falta la raíz del cine, la fuerza narrativa. Se descubren nuevos modos de tratar las frutas, en esto sí nos da lecciones, con pormenorizada óptica didáctica nos enseña a ver el melón desde otra perspectiva. Emilio pensaba que podría utilizarse en clase para presentar la etapa de Amadeo, pero erró totalmente en su vaticinio, en ese aspecto didáctico, falla por completo. 

Big Bad Wolves. Directores Navot Papushado y Aharon Keshales

El que la haya ensalzado Tarantino ha dado vuelo a esta película israelí. Se trata de un thriller, con policías de muy poco fiar, un asesino de niñas al que nadie conoce pero todo el mundo sospecha de él y un padre al que han asesinado a su hija que se toma por su cuenta el asunto. Todo esto con negros toques de humor, bien contada, bien filmada, pero con un gran problema: que es un tema que no admite devaneos humorísticos. El final, que deja aclarado el enigma principal, te pone mal cuerpo, pero no por lo que ves solamente, sino porque el juego de intenciones y culpabilidades no está permitido en estos asuntos.
Lo que opina Ana:

Estupendo arranque con una cámara que te va envolviendo en la escena del  horror, dejándose arrastrar por un travelling veloz y una música amenazante, pura imagen, sin necesidad de palabras se plantea el nudo de la acción. Los directores comienzan a jugar contigo y a prometerte dosis de tensión, lo hacen con gran habilidad, no te dan pistas sobre los personajes, van apareciendo con sus perfiles muy definidos, el pusilánime con cara de no haber roto un plato en su vida pero que, inexplicablemente, es el principal acusado de un crimen atroz; el policía sin escrúpulos pero con un fino olfato para detectar el mal; el padre psicópata  envenenado por el odio y el deseo de venganza. A partir de aquí, enormes dosis de violencia que ponen al espectador en tensión, indefenso, incapaz de digerir lo que está viendo. Juegan también con el humor, negro evidentemente, dosificando con él la tensión y creando algunos momentos absurdos que trivializan el drama al que asistimos. Esto es lo que no me gusta, me pone de muy mal humor, así como la moralina final, ¿es que acaso puede llega a ser defendible el recurso a la violencia, puede alguien merecerse este trato salvaje?

A 20 pasos de la fama. Dir. Morgan Neville

Ganó el Oscar al mejor documental este año (otra película musical, como "Searching for Sugar Man" el año anterior).

Javier Ocaña escribe que es "dramáticamente tiesa". Seguramente le gustaría que el director metiera el bisturí y viéramos vidas truncadas, expectativas frustradas, sumisión y abandono. Y se ve, pero en un grado suave, no desagradable, dando paso a la música y conociendo a un grupo de coristas (no muchas, casi todas negras), que pudieron ser estrellas porque tenían condiciones y talento para ello, pero que no quisieron o no pudieron serlo. La escena de Lisa Fischer, que en su juventud esplendorosa física y musical cantó con los Rolling y con Ray Charles, buscando en su casa desordenada como si acabara de hacer una mudanza un Grammy, entre cajas, ropa y discos, todo revuelto, es suficientemente representativa.

La música es excelente. Tal vez la narración sea un poco inconexa y poco cuidadosa en las tomas, pero son cosas menores.
Lo que opina Ana:

Aunque el guión vaya un poco dando tumbos, sin contarnos con pasión la historia de estas prodigiosas voces de coristas, vale la pena acercarse al cine para disfrutar de la extraordinaria banda sonora  de este documental que quiere poner de relieve el incuestionable valor de estas voces “secundarias”, dignas algunas de ellas  de una diva. Calidad de prima voce, música en estado puro.

Madre e hijo. Dir. Calin Peter Netzer

Nada se puede decir en contra de esta película. Puede que no apasione, pero su desarrollo, su tempo narrativo y su interpretación son notables (recibió dos premios en Berlín, el Oso de Oro entre ellos). El director hace confluir hacia el climax final dos historias: la relación rota entre la madre y el hijo (éste sólo tiene que poner caras y mostrar su debilidad insumisa, porque casi no habla), y la del accidente mortal que ha provocado el hijo. El escenario de este punto es la casa de la víctima, con la confesión a tumba abierta, no de la madre del chico atropellado, sino de la madre del hijo atropellador, y ahí la actriz Luminita Gheorghiu en el papel de Corneli está magistral.
Lo que opina Ana:

Drama psicológico que va creciendo según avanza la película, sometida a un ritmo minucioso y descriptivo que nos presenta una parte de la realidad de la sociedad rumana actual, sus tensiones, sus corruptelas y latiendo entre ellas los conflictos humanos. Hay muchos primero planos psicológicos y una estética anclada en un pasado grisáceo que habla de un mundo muy alejado del de nuestra realidad, la de un país de la Europa Occidental. A pesar de moverse en esferas adineradas, entre gente con una buena posición económica, los ambientes no son refinados, falta elegancia, belleza, lo que contribuye  a hacer más cutre la percepción del país.

Hermosa juventud. Dir. Jaime Rosales

De este director no vamos a encontrar falsas alegrías y regocijos. La película refleja la crisis, la desesperanza, el caminar a ciegas, las salidas inciertas, las difíciles relaciones. 

Una pareja de "ninis" de la periferia de Madrid va dando tumbos, como tantos, entre el botellón y la televisión, sin saber cuál será el siguiente peldaño a recorrer. Llega así, como todo, sin saber ni querer, un hijo, y la familia se convierte en refugio, hasta que se acaban los suministros, entonces la emigración se convierte en, otra vez, la salida, pero vendiendo lo que se tiene, el cuerpo de la hermosa juventud.

No tiene planos partidos, pero Rosales es Rosales y usa mensajes de correo electrónico, las fotografías que se van enviando por ese medio, las conversaciones por skype. Le siguen gustando los planos con objetos interpuestos: paredes, muebles y la figura entre medias. De todas formas es una película sobria, cierta, desesperanzadora, como lo que vive mucha gente.