La fuente de las mujeres. Dir. Radu Mihaileanu

Ya en el "Concierto" se le iba la mano bastante, echando sal gorda a la historia de esa orquesta soviética de prejubilados, que lucha por dar el concierto de su vida. Pero tenía algún punto de humor. En esta pasa lo mismo, pero sin ese punto, salvo contadas excepciones. La película ha recibido el premio, el primero que se concede, a favor de la igualdad de géneros, pero las buenas intenciones no hacen buenas películas, y en este caso se cumple a rajatabla. Te parece artificial desde el primer momento, desde cuando la cámara sigue el recorrido de las mujeres camino de la fuente. Hay bastante folclorismo con encuadres turísticos de pueblo con encanto, y los papeles, sobre todo los masculinos, son como marionetas. Queda la belleza de la protagonista, Leila Bekhti.

Lo que opina Ana:

Desgraciadamente el mejor epíteto para esta película es MALA. Malo es su guión, mala es su planificación, pueril su modo de relatar la historia, parece que el director creyera que con juntar a unos cuantos actores de moda y darle un tinte etnográfico a la historia, ya se consigue una buena película, pero no es así, sólo vemos folclore del malo.

Azaña. Dir. Santiago SanMiguel

Volví al inefable cine Luchana (tiene una cartelera increible, lo mismo que sus instalaciones y su personal) a ver Azaña, una película que ha tardado cuatro años en ser estrenada, y en Madrid sólo la proyectan en este cine y en un solo pase diario, ¿cuánto durará? La figura de Azaña la encarna con acierto Jordi Dauder (las escenas representando a Azaña yacente son como una premonición de su propia muerte). Es una mezca de documental, pero hay más de ficción y una voluntad clara de rescatar y realzar la figura de este personaje, sin tapar responsabilidades y críticas. La narración de los hechos se ve entorpecida por los saltos lineales y la división en capítulos o escenas, pero sobre todo, el dar voz a los actores como personas fuera de su guión, que opinan sobre esto y lo otro, sobre la historia que interpretan me parece una bomba dentro de la película, la diluye, la rompe, le quita contenido y coherencia. En fin, cosas inexplicables. Espero que no sea lo último que se haga sobre Azaña y que lo que venga mejore este honesto y apasionado trabajo. Para alumnos de Bachillerato, como mucho fragmentos.

Criadas y señoras (The help) de Tate Taylor

Lo que opina Ana:
Estupenda ambientación, cuidada con mimo, que consigue transportarte a los 60 en el profundo y racista Sur. Lo peor, la elección de Emma Stone para el papel de Skeeter, la blanca con suficientes agallas como para denunciar lo que ve a su alrededor, este papel le queda demasiado grande; sí es, en cambio, un acierto el resto del reparto, especialmente la pareja formada por la criada Minie, interpretada por Minnie Jackson y su nueva señora, una especie de Marilyn mal mirada por sus estiradas vecinas, interpretada por Jessica Chastain. También está estupenda en su corto y divertido papel, Sissy Spacek.
Hay algunos momentos demasiado previsibles, injustificados flasbacks como el que trae a la memoria de Skeeter los consejos de su adorada niñera negra.
Seguro que sale muy bien parada en el próximo reparto de óscars, lo que ya está claro es que ha triunfado en las salas de EEUU.

Emilio: me imaginaba un poco como iba a ser y por eso tardé bastante en ir a verla. A pesar del éxito que ha tenido en EE.UU. (y tal vez se prolongue en los Oscar) es una visión bastante dulzona de la exclusión racial en los años 60. Están retratadas esas tremendas diferencias entre blancos y negros, pero dentro de un ambiente doméstico muy confortable. Incluso la venganza de una mujer negra sobre la gran racista blanca se convierte en el icono reivindicativo de la película. Nada de violencia física, de marginalidad, de pobreza extrema. Tampoco la chica blanca, la futura periodista que motiva a las criadas negras a contar su vida, está bien elegida, se necesitaba un personaje con más temperamento, más fuerte. Bueno, decían las críticas que puede que esta película haga más contra el racismo que muchos documentales más veraces. Puede, habría que comporbarlo, ahora bien, como película es regularcita.

Mercado de futuros de Mercedes Álvarez

Lo que opina Ana:
Comienza muy bien, Mercedes Álvarez vuelve a plantearnos visiones del alma, consigue arrancar radiografías del pensamiento, evoca sentimientos profundos, llenos de tristeza. Una vida que desaparece, un hogar que se desmantela en manos de los usureros, convertidos el tiempo y la vida en escombros llenos de polvo que hay que evacuar, miles de objetos acumulados durante una vida se encuentran zozobrando, a la deriva, ya no tienen sentido, pero guardan la memoria y son capaces de transmitirla con su mirada perdida en el ayer.
Con este arranque frío y duro la directora lanza su proclama en defensa de la memoria, mientras nos cuenta la historia del inventor del arte de recordar, Ceos de Simónides, quien hace más de dos mil años sentó en Grecia las bases de la mnemotecnia, una ciencia muy útil y practicada hasta nuestros días en los que ha perdido interés al ser la desmemoria lo que parece tener valor.
No mantiene este nivel de alta poética, la película se vuelve confusa mientras explora el escenario de una feria inmobiliaria despersonalizada. Recobra el pulso en los Encantes de Barcelona, en ese mercado de lo imposible halla personajes reales que se representan a sí mismos y retoma con ellos el hilo del comienzo. Los objetos y las personas vuelven a tener un lugar aunque sea el de estar arremolinados en un grandísimo basurero de recuerdos.
Todo ello narrado con mucha foto fija y jugando continamente con las ópticas, pasando de los planos generales, descriptivos, a los primerísimos planos, transmisores de los sentimientos, de la intimidad.
La sala de los cines Luchana no podía ser más ad hoc para este documental intimista y su mensaje; un cine a punto de sucumbir, anclado como un buque fantasma en el centro de Chamberí.

Emilio: Los recuerdos que dejó "El Cielo gira" (2004) son tan buenos que volver a ver algo de Mercedes Álvarez es un reto. No es la alegría de la huerta esta cineasta, ya no lo era en " El Cielo...", pero era tan evocadora la reconstrucción de esa vida que se apagaba en Aldeaseñor, que la poesía teñida de melancolía te reconfortaba. No pasa lo mismo con Mercado de Futuros, además tiene un mensaje más confuso. Las imágenes son un elemento principal en el lenguaje de Mercedes Álvarez, incluso más potentes que el texto en off (la narradora sigue siendo la misma, reconozco su voz, ahora un poquito más oscura). Comienza despojando una casa de los objetos que tenía, dejándola sin vida, y al final, en un bucle temporal, aparecen algunos en el mercado de los Encantes de Barcelona, ya apiñados, fuera de lugar, sin memoria. Pero, ¿y la intromisión de esa feria inmobiliaria y de esos gurús de los negocios? Eso requería otro tratamiento, otra película.

Un método peligroso de David Cronenberg

Lo que opina Ana:
Lo único que me gusta de esta película es la reconstrucción de esa Europa burguesa de comienzos del siglo XX, mostrándonos la rigidez de sus convencionalismos sociales; lo demás me aburre,no consigo sentir simpatía por los protagonistas, los miro con frialdad y a película se me hace larga.

Emilio:Otra vez Michael Fassbender, ahora en el papel de Jung. Es quien tiene el protagonismo en esta película, dentro del trio con Freud y Sabine Spielrein. Las críticas (María Guerra en la Ser, Yago García en ON Madrid) se han dirigido contra Keira Knightley. Desde luego es una actriz que no te deja indiferente, y en este caso su repertorio gestual es amplísimo y descoyuntado, sin embargo, el personaje que encarna es muy interesante. El papel más soso es el de Freud, Viggo Mortensen, puro en boca, inmutable, con su levita y su sombrero. La película es interesante como medio de acercamiento al psicoanálisis y a los tratamientos (siempre a gente rica), pero ahí se queda, o yo al menos no paso más allá. Para Jordi Costa, la película se acerca a lo sublime y afirma que "sería de visión obligada en las escuelas", creo que se referirá a las de psicología, digo yo.

Jane Eyre de Cary Fukunaga

Lo que opina Ana:
El romanticismo entra en escena desde la primera imagen de esta película en la que se cuida al detalle la ambientación y la recreación de una atmósfera que va más allá del escenario más o menos realista, adquiriendo un aúrea de misterio y tragedia. El personaje de Jane Eyre, interpretado por Mia Wasikowska va creciendo, ganando intensidad hasta convertirse en una heroína llena de fuerza, a pesar de su aparente fragilidad.
Lo mejor, el reflejo del espíritu romántico en su más amplia acepción, descrito como un fenómeno revolucionario capaz de enfrentarse a los convencionalismos, a la rigidez social de la época.
Vemos un mundo de pasiones contenidas luchando por liberarse en medio de una naturaleza hostil, llena de luces sobrecogedoras durante el duro invierno, pero capaz de explotar de dulzura con la llegada de la primavera. Estos contrastes sentimentales y naturales están muy bien reflejados en la película.

Emilio: Este cineasta de procedencia múltiple está demostrando tener un amplio registro cinematográfico, su primera película "Sin nombre" retrataba con solvencia la durísima prueba que tienen que pasar los inmigrantes que llegan a los EE. UU. a lomos de los techos de los ferrocarriles que recorren América; en en trayecto se cruzaban con las peligrosísimas bandas de los nietas. Ahora cambia y se adentra en el mundo clásico del romanticismo, contando con la reconocida solvencia de la BBC en la producción. La película ha recibido buenas críticas. Hay que reconocer que la ambientación está perfectamente reconstruida, emplea bien los flashback para explicarnos la penosa vida de Jane Eyere, pero a mi me ha dejado un poco inerme. El papel de Edward Rochester que le corresponde a Michael Fassbender no me encaja demasiado en el prototipo de romántico pasional y atormentado. De cualquier manera, se ve sin problemas.

Un dios salvaje. Dir. Roman Polanski

El debate se plantea en si es una película menor en la filmografía de Polanski (On Madrid) o es "formidable" (Carlos Boyero) y merece 4 estrellas (Metrópolis). El punto de partida es prometedor, una obra de teatro de gran éxito de una autora consagrada y cuatro actores de primera; pero con todo, los riesgos eran grandes: malgastar este potencial, y hay que decir que Polanski no lo dilapida. Dicen que la película tiene un punto cómico más marcado y es más ágil que la obra teatral. Es cierto que tiene un metraje corto, 80 minutos, pero son suficientes para dar la vuelta al calcetín de las apariencias y desatar las frustraciones personales y familiares. Los personajes responden todos a un cliclé, a un modelo, sin embargo actúan dinámicamente, sin estar anquilosados. En esto tiene mucho que ver el guión, y otro elemento puramente cinematográfico: la cámara. Y en este campo, Polanski es un maestro; habría que fijarse en los planos como indicadores de las situaciones que se viven y cada uno de ellos está presentando un ambiente y una tensión diferente. Sea o no una gran obra, merece la pena.

Lo que opina Ana:
Siempre es difícil adaptar una obra de teatro al cine, la carga dramática, los espacios cerrados, la fuerza de la palabra y de los caracteres constriñen las formas expresivas propias del cine; todo esto aparece en la última película de Polanski que, aún así, está filmada con acierto, la cámara se mueve sin molestar y consigue abrir un espacio tan cerrado, dándole más plasticidad. Cuenta con un cuarteto de intérpretes que bordan sus papeles.

Pánico en la granja. Dir. Stéphane Aubier y Vicent Patar

No he conseguido verla en versión original, a pesar de hacer dos intentos y tampoco le he cogido el tranquillo al humor de estos dos belgas. Tienen premios a repartir y la crítica de Yago García en ON Madrid tiene frases como "Desde los mismo títulos de crédito, la cosa impresiona". Se me ha hecho larga, puede que para un cortometraje resultase más entretenida. Los niños que había tampoco parecían muy enganchados; es un humor un poco brutote y simplón. O yo, como digo, no lo he entendido.

Medianeras. Dir. Gustavo Taretto

Es una película argentina, que emplea bastante la voz en off; si unimos estas dos premisas se enciende la luz de peligro, pero no llega la explosión (verbal en este caso), porque el director utiliza con equilibrio y sentido del humor las imágenes, los sentimientos y la vida de los dos personajes centrales de esta historia. A mi me recordó a las películas románticas indies, "Happithankyoumoreplease", "500 días juntos"...Aparte de las referencias evidentes, que funcionan a la manera de homenajes (a Woody Allen, a película argentina "El hombre de al lado"). Lo peor tal vez sean los tiempos muertos, la falta de ritmo en algún momento, pero no quita que se vea con interés por lo que enseña de Buenos Aires y de sus habitantes, de lo que son y de lo que quisieran ser. La apuesta por Pilar López de Ayala es arriesgada, yo creo que en ocasiones se le olvida el acento porteño.

Lo que opina Ana:

Comedia romántica juvenil en Buenos Aires. Habla del efecto jaula de los apartamentos de las grandes ciudades, en ellos los sueños se esconden y desparece el contacto; los ciudadanos se convierten en muchedumbres hacinadas como las que aparecen en las viñetas de Wally, viñetas convertidas en el leitmotiv de esta película que, al ser argentina, pasa por el proceso de las neurosis y la visita al psiquiatra. Se lanzan discursos, se verbalizan las situaciones, los personajes se mueven perseguidos por una voz en off, la ciudad habla con una voz en off, hasta que al final se produce el milagro.

5 metros cuadrados. Dir. Max Lemcke

Escribe Javier Ocaña que esta película tenía que haber llegado cinco años antes, yo también pienso así, y de esa manera haber contribuido a frenar esa epidemia de ladrillo que nos ha invadido física y moralmente. La película se desarrolla bien, pecando tal vez en hacer un retrato simple, esquemático y costumbrista, pero cumple el papel de mostrar un estado de cosas que ha sido general, y unos personajes que han sido así. En esta burbuja ha participado medio país, aunque no todos han sacado el mismo beneficio. O sea, que como película pro indignación funciona. El final debería haber ahondado en la desesperanza y la tragedia, pero el director no se ha atrevido y ha optado por rescatar al pobre timado (muy bien Fernando Tejero). Es cierto que no llega a la polifonía y matices de "Casual Day". pero tampoco se puede afirmar (Metrópolis) que carece del relieve dramático y de la mala leche que tenía aquélla.

Lo que opina Ana:

Disección de una tragedia, esta nueva película de Max Lemck se adentra en el mundo de la corrupción inmobiliaria, nos presenta el modus operandi de unos facinerosos que se enriquecen sin escrúpulos a costa de destrozar las vidas de los infelices que caen en sus garras. Muy adecuada para los tiempos que corren.

Buenas interpretaciones, especialmente las de Emilio Gutiérrez Caba y Fernando Tejero.

El niño de la bicicleta. Dir. Jean-Pierre y Luc Dardenne

Tienen fama los hermanos Dardenne de incomodar al espectador con sus películas, de mostrar, sin ocultar los aspectos más desagradables, la situación social a la que ha llegado Europa; en bastantes ocasiones son jóvenes los protagonistas. La historia que cuentan, que obtuvo el Gran Premio del Jurado del último festival de Cannes, parte de los mismos presupuestos: un hijo que necesita desesperadamente a su padre y éste prescinde de él. Lo raro, en la vida real, y en las películas de los Dardenne, es que aparezca una ser angelical que rescate a estos desvalidos en su caída inexorable al pozo, y aquí si está. No es un rescate fácil, tiene peligros y desvanecimientos. Se muestran en la película y Cyril, el niño, tiene que pagar por ello, pero sale adelante, tal vez porque los cineastas han querido que el mito del buen salvaje roussoniano no encuentre en la sociedad solo elementos que lo corrompan, sino que lo salven. La película está rodada e interpretada con solvencia y contención.

Lo que opina Ana:

Bonita historia de reinserción social, la de un chico abocado si no al abismo. Los hermanos Dardenne consiguen su película más luminosa, contagiándose por la luz del verano. Marcan un ritmo naturalista sin cargar las tintas, huyendo de las fatalidades del destino y dando una oportunidad de salvación a su protagonista.

Habemus Papam. Dir. Nanni Moretti

Para mí, el mensaje más categórico que lanza la película es la negación de la infalibilidad del Papa; todo el discurrir de la historia desde el nombramiento del cardenal Melville (Michel Piccoli) como Sumo Pontífice es la plasmación de la duda sobre la elección "divina" recibida. Como un hombre cualquiera; ese es el mensaje que Jordi Costa califica de "humanista" en la crítica que hace a la película. Ahora bien, los cardenales aparecen como unos buenos hombres, ya ancianos algunos, con sus achaques, sus pequeñas vanidades, sus excentricidades, pero son como corderitos que necesitan un pastor. Moretti, en algunas ocasiones con excelentes imágenes y encuadres, las del cónclave, por ejemplo, con sorna casi siempre, el partido de boleibol entre los cardenales agrupados por continentes, el Papa falso, son momentos divertidos, y con algún exceso, el deambular del Papa por Roma, huido del Vaticano, se hace un poco largo para acabar como acaba, pierde una ocasión inmejorable para retratar lo ancestral, retrograda y poderosa que es la institución vaticana. Pasas un buen rato, eso no hay que negarlo.

Lo que opina Ana:

Modera Moretti su mirada crítica e inventa una trama vaticana muy suave. Nos cuenta el ataque de pánico que sufre el recién elegido nuevo pontífice, al sentirse incapaz de asumir sus responsabilidades. Con este argumento se adentra en los palacios papales y nos lleva a convivir con toda la curia cardenalicia allí encerrada, formada por un conjunto de ingenuos y amorosos viejetes, nada intrigantes. El mismo Moretti se colará dentro para dar vida al personaje de un afamado psicoanalista llamado a auxiliar a su Santidad sin conseguirlo. Es un humor ligero, como también es ligero el resto del contenido de la película,en la que no hay grandes disquisiciones morales. Michel Piccoli se impone en su papel del nuevo Papa, pasea su inseguridad por las calles de Roma, pero no conmueve a nadie porque la historia que nos cuenta tampoco lo hace. Un divertimento sin más consecuencias.

Melancolía. Dir. Lars Von Trier

Esta película tiene varias sorpresas, entre ellas está ver el nombre de Penélope Cruz resaltado en letras más grandes que los demás en los títulos de crédito, cuando ella no actúa. Son las cosas de Lars Von Trier. Otra es que hay dos partes completamente diferentes. La del principio se titula Justine y es reconocible en el cine de este director y de algunos otros del grupo Dogma. Es ver en un acto solemne, en este caso una boda, la descomposición familiar y personal (Celebracion iba de lo mismo, aunque llegaba más lejos). La segunda parte se titula Claire, el mombre de la hermana (por lo visto para el director pueden ser el mismo personaje dividido en dos; yo, ni idea). Aquí el protagonista es el planeta Melancolía y su posible impacto contra la Tierra. Me parece un poco simple y poco transgresor para la complejidad argumental y dialéctica de este director. No lo reconozco en esta segunda parte. Además no soy capaz de encajar los dos capítulos, a no ser porque los personajes principales se repiten. Le sigue gustando captar el movimiento a cámara lenta, así lo hizo en Anticristo y así lo hace al principio de ésta, con imágenes de bella factura, que vienen a ser como la sinópsis, más sugerente que su desarrollo.

Lo que opina Ana:

Espectacular arranque con imágenes que te paralizan clavándote en la butaca, puro cine, espectáculo expresivo que se corta drásticamente para reaparecer al final de la película y dar sentido a esa cascada de poderosas imágenes iniciales; entre medias la película decae, asistimos a una extraña boda que tiene mucho en común con la atmósfera y la tensión de "Celebration", el ambiente se vuelve claustrofóbico y las relaciones surrealistas; llegará luego un segundo tiempo en el que se avecina el trágico y destructor final, ya no hay melancolía, sino fatalidad.

No sé cómo habría resultado con Penélope Cruz, Lars von Trier escribió este guión para ella, no pudo ser y acabó en manos de Karsten Dunst, ya no se puede pensar en otra Justine.

Las aventuras de Tintin. El secreto del Unicornio. Dir. Steven Spielberg

Hay que diferenciar a los tintinófilos y a los que no lo somos. Los primeros al ver la película la compararán inevitablemente con el comic; los que no, simplemente vemos lo que se nos proyecta y punto. Para esta crítica me viene muy bien una declaración del director de otra película de animación, Sylvain Choment: refiriéndose a su película (El Ilusionista) dice que no tiene nada que ver con las películas americanas de animación, que te lo dan todo hecho, "¡No es una montaña rusa!", pues Tintin, sobre todo en su segunda parte, es eso, una montaña rusa. Un ir más allá de la anterior pirueta, del anterior prodigio, hasta cansar. Me gustó más la primera parte, antes de salir a la búsqueda del Unicornio y sí, reconozco que las escenas de los barcos, el asalto del corsario Rackham el Rojo, tienen fuerza y brillantez, pero seguir por esos derroteros mientras comes palomitas no es para mí. Escribía Carlos Boyero, y lo suscribo, que es Indiana Jones en dibujos animados, una carísima y digna, aunque no memorable película de aventuras.

Lo que opina Ana:

Para una tintinófila la película se deja ver una vez que se ha aceptado que está basada en y que en ningún momento es una puesta en escena mimética de un album completo de Tintín. Pica de aquí y de allá, mezcla aventuras de distintos Tntines e incluso inventa nuevos escenarios. Los personajes son reconocibles y creíbles, especialmente el malvado Allan.

La película es una aventura imparable, tiene un ritmo frenético que lleva el sello de la factoría Spielberg, algo que difiere del placer de seguir las viñetas del cómic, en ellas puedes detenerte mucho tiempo, disfrutándolas mientras sigues la aventura en la que se está metiendo Tintín. La gran pantalla con sus logrados efectos especiales, con su cuidado tratamiento de los personajes, animados de manera que casi parecen seres vivos,no nos da tiempo para el reposo, se siguen otros códigos, yo los acepto, pero regreso a saborear con pasión las viñetas en el papel.

El Ilusionista de Sylvain Chomet

Lo que opina Ana:
Bellísima y poética película de animación basada en un guión original del gran Jacques Tati. Los dibujos son extraordinarios, podrías estar contemplándolos durante horas y quedarte ensimismada con cada uno de sus prodigiosos fotogramas.
La historia es triste, melancólica, un canto a un mundo que se pierde, el de los magos, funambulistas y demás artistas de la farándula, arrinconados por las nuevas tendencias en el mundo del espectáculo.

Emilio:

Es una película deliciosa, pero triste. El personaje del Iluminista, un alter ego de Jacques Tati, emprende un viaje al Reino Unido en busca de teatros donde representar su magia. Le da igual el lugar, cualquier tarjeta de invitación vale, así llegará a las tierras lejanas de Escocia, actuará en el pub local de un pueblo al que hay que llegar en barco, donde por las estrechas calles deambulan a la par personas y ovejas. La recreación de esos paisajes es estupenda. Allí se encuentra a una chica, casi como si fuera su hija, que lo seguirá en su periplo artístico.

Es, como señala su director, una película de ritmo pausado, que hay que ver sin esperar grandes sucesos, que te va ganando poco a poco y te adentras en la historia, que acaba con la tristeza de la desilusión del propio ilusionista por no ver reconocido su trabajo, y aclararle a la niña, Alice, que la magia es un engaño. Qué agradable encontrar narraciones como esta, tan bien contada.

Another year. Dir. Mike Leigh

Muy bien juzgada por la crítica, Javier Ocaña, por ejemplo, escribe que es la enésima demostración de la clarividencia de Mike Leigh para reinventar el melodrama, que en ella no ocurre nada, y en realidad ocurre todo, etc.

Se ve bien, las historias se van sucediendo como la vida, con días buenos y días malos; lo que ocurre aquí es que para todos los que no son la pareja protagonista, la mayoría son malos. Hay un cierto regodeo en la desgracia general, frente al equilibrio y tranquilidad, respeto y disfrute de la vida , de las pequeñas cosas de la vida, de esa isla que forman el geólogo y la asistente social. El contraste es demasiado grande. Es como si estuvieran tocados por una varita mágica, mientras el resto se despeña por el abismo o las palma.

Lo que opina Ana:
Una película que reflexiona sobre la cercanía de la vejez, orquestada en torno a un matrimonio asentado y feliz que está rodeado de amigos infelices y solitarios. Es una crónica en la que cuenta el tiempo, ya que de su paso inexorable es de lo que trata esencialmente la película. Se percibe el transcurrir de la vida a través del ritmo de las estaciones, marcado por las idas y venidas de la pareja protagonista al huerto ecológico en el que cultivan, ésa es una de sus aficiones en común.
La película es amarga, frente a la ecuanimidad y la apacible existencia de la pareja protagonista, prácticamente todos los que los rodean, los amigos de su edad, se encuentran solos, deprimidos, coquetean con la bebida o comen como animales para saciar sus frustraciones. De todo este entramado pesimista, destaco la estupenda interpretación de la desequilibrada Mary (Leslie Manville), la amiga neurasténica que borda su papel y nos transmite su indefensión.

Four lions. Dir. Chris Morris

Javier Ocaña califica esta película de "sensacional". Termina su crítica preguntándose, ¿por qué estamos heridos por dentro al final si hemos estado carcajeándonos todo el rato? Bueno, yo no me he carcajeado casi nada y no he acabado herido, ni por dentro ni por fuera. Un poco molesto sí, po habeme hecho más espectativas de las debidas. En realidad, esta película es una serie continuada de sketch, que lo mismo podrían estar 20 que 200. Se junta a cuantro tontos haciendo tonterías muy serias y a rodar. El argumento son ocurrencias dando vueltas a lo mismo: cómo hacer un atentado. Puede que la realidad sea así de estúpida, pero para verla en forma de película, debería estar algo más trabajada, más hilvanada. El humor es muy difícil de conseguir, y más si toda la película tiene ese tono de falsa comedia.

Lo que opina Ana:
Parece que no acertamos con las películas esta semana. La crítica había hablado muy bien de esta ácida comedia británica, yo no encontré la comedia por ninguna parte, me pareció burdo su sentido del humor y la película en general una astracanada.

Margin Call. Dir J.C. Chandor

Margin Call te deja frío y un poco adormecido. Vemos a unos personajes que quieren salvar su puesto de trabajo y para ello venden acciones, títulos y cédulas que son aire, pero el mercado es así. Todos sólo buscan su salvación; el capitalismo genuino, el individual, el yo supremo. Cualquier proyecto colectivo o comunitario es una antigualla. De todas formas, la visión de este mundo de ejecutivos de las finanzas, los dueños del mundo, está realizada desde la distancia; a mi no me pasó como a Carlos Boyero que le pareció una desasosegante y terrible película; al contrario, la vi casi como si fuera una práctica de laboratorio, una disección, un retrato antropológico, que pese a los desmanes morales que presenta, no me llevó a ese estado emocional que suscitan las buenas películas de denuncia, y eso que tiene unos actores de gran relumbrón.

Lo que opina Ana:
Grandes intérpretes para una película difícil de seguir, fiel reflejo de esta crisis en la que estamos inmersos, ellos son los mercados de los que tanto se habla y de los que el común de los mortales sólo sabemos que nos están jodiendo la vida, pero sin comprender de dónde procede todo este embrollo y por qué no se atisba la salida.
No me atrapó, me aburría su intriga y acabé dejándome adormecer en la butaca tras una larga semana de trabajo.

Nader y Simin: una separación. Dir. Asghar Farhadi

Es una película interesante, bien rodada, intensa, que interesa y te hacer reflexionar. Tiene un ritmo constante y los personajes entran en escena perfectamente engarzados en la trama principal. Llama la atención la cantidad de recursos cinematográficos que utiliza Asghar Farhadi: la cámara móvil, las escenas fuera de plano, las elipsis narrativas, las escenas de interior con mucha gente, los traveling urbanos, y lo mejor es que no se nota la cámara, no está el director omnipresente guiándola, fluyen las imágenes de forma natural. Dicho esto, surge la duda, la gran duda. ¿Es Irán así? ¿Por qué él puede rodar y hay otros directores iranís encarcelados? ¿será verdad que Irán va a presentar esta película a los Oscar? Creo haber leído que para poder filmar esta película o para poderla presentar en el Festival de Berlín, donde director y actores ganaron los máximos galardones, tuvo que retractarse de su apoyo a esos directores maniatados y arrestados. Si es así, esta película no vale nada. Sería un engaño, una falsa visión muy dulce y suave de lo que pasa en Irán.

Lo que opina Ana:
Esta película te conduce a un Irán desconocido, con un estilo de vida bastante occidentalizado en algunos de sus personajes; frente a ellos aparecen otros más ligados a la imagen que aquí podemos tener sobre el país de los ayatolás. A través de la historia de un divorcio, va surgiendo otra vía argumental que servirá apara adentrarnos en un conflicto de clases, al tiempo que se plantean importantes reflexiones morales. Se tocan temas que transcienden escenarios geográficos concretos para convertirse en universales.
Está muy bien narrada y filmada, la cámara se mueve con maestría y el elenco de actores es magnífico.

Las razones del corazón. Dir. Arturo Ripstein

Se enfadó mucho Ripstein porque en el festival de San Sebastían no le dieron ningún premio. Tendría que estar mucho más furioso Urbizu porque a él le pasó lo mismo y su película es mucho mejor. Me parece un cine antiguo, como el de Buñuel, etapa mexicana, sin su maestría. Resulta ser como una obra de teatro filmada. Todos los escenarios son interiores, las luces juegan una función dramatizadora de primer orden, las interpretaciones también tienen ese toque teatral, de fuerte expresividad, donde la palabra, la dicción es fundamental (por cierto, hay expresiones que no se entienden bien y otras que suenan al Quijote, como babieca de una persona un poco tonta). La referencia a Mme. Bovary no me pareció tan cercana, sobre todo porque aquí Emilia (Arcelia Ramírez) está tan colada que su amor es enfermizo. Desde luego es un cine para gente habituada a ir al teatro y a ver películas especiales.

Lo que opina Ana:
Como dice Emilio, es una película de otra época, en expresividad, tomas, luces, montaje, planteamiento temático. A mí no me importa esta vuelta al pasado, a un lenguaje dramático en blanco y negro con luces expresionistas y cargado de sentimientos tortuosos.

Son of Babylon. Dir. Mohamed Al-Daradji

Me extrañó ver en los títulos del principio que estaba financiada y promocionada por capital internacional; se explica enseguida: la película denuncia la represión de la época de Saddam Husseim. Eso no debería justificar la guerra de Irak de Bush hijo, aunque no queda claro.

La película la mantienen un niño y su abuela, y ninguno de los dos puede con ella; por lo tanto nos quedamos con las imágenes del mundo iraquí tres años después de la caída del régimen, las ciudades en ruinas, la destrucción, el fuego, las formas de supervivencia y la búsqueda desesperada de los familiares desaparecidos en las cárceles del dictador. Por eso merece la pena, por la dramatización de la historia que se cuenta, no tanto. De todas maneras, conoces una realidad necesaria.

Lo que opina Ana:
Esta road movie por tierras iraquíes tiene un fuerte mensaje político, la denuncia del horror vivido en el país, la tragedia de sus fosas comunes repletas de desaparecidos sin nombre, sólo por eso vale la pena verla, pero por poco más, le falta el ritmo, la interpretación, el latido fílmico. El mensaje y la imagen de las mujeres, manchas negras ondeando al viento en el desolado paisaje del desierto, sufriendo la tragedia, son lo que salvo de la película.

Stella. Dir. Sylvie Verhayde

Película de festivales, difícil de realizar porque el peso recae en una niña, y ya se sabe los peligros que hay en esto. Sin embargo, está muy bien contada y muy bien interpretada. La niña Stella (Léora Barbara) tiene la complejidad propia de su edad, 11 años, y del mundo que habita, un bar de la periferia de París, lleno de gente al borde de la marginación. Una película como esta, tratada como está, tenía que ser en parte autobiográfica, y así es. El mensaje que trasmite lo debería aprender la Sra. Aguirre, Pta. de la Comunidad de Madrid, de que en la educación pública, la que recibe a niñas como Stella, está la llave de la formación personal y académica, la madurez y la preparación para enfrentarse al mundo adulto.

Una ocasión excelente para ver un cine no comercial, de calidad y con un significado más allá de pasar un rato y olvidar.

Lo que opina Ana:
Es una película que deja una huella perdurable, a mí se me encoge el corazón al recordarla. Afortunadamente tiene un final feliz, triunfan las ganas de vivir de la protagonista que escoge el camino correcto, el que llega de la mano de la educación redentora, su única vía de ascenso y huída.
Está contada con maestría y el gran hallazgo es la elección de Léora Barbara como protagonista, es perfecta para el difícil papel de Stella.

Mammuth. Dir. Benoît Delèpine y Gustave Kervern

A Ana le pareció una "slapstick" (una bufonada), no en el lenguaje del cine, sino literal. Es una película exagerada en todo, en la parte técnica está rodada con descuido, parece una cinta de mala calidad por el grano que tiene. El personaje principal, Sege Mammuth (Gérad Depardieu), es un individuo fuera de época, desclasado. Ni obrero concienciado, ni burgués, está recién jubilado y no lo entiende. Cuando va a buscar las firmas de sus antiguas empresas para poder cobrar la pensión, hace un viaje liberador, lleno de situaciones y personajes como él, fuera del momento. Desde este punto de vista es un poco anarco el mensaje, los individuos están por encima del sistema, pero esto no se desarrolla mucho. Te queda la sensación de la alienación y lo miserable de la vida de la mayoría de los mortales, pero todo esto tratado de una forma muy sui generis. Hay que pensarlo antes de ir a verla.

Lo que opina Ana:
Culto al feísmo, desde ese punto de vista la película consigue su objetivo, sus personajes son repulsivos, una pandilla de lerdos, gordos, marginales, obtusos y sin derechos, carne de explotación que a nadie importa, incluso ni al espectador, a quien no llegan a conmover en ningún momento, al menos ése es mi caso. El dueto de dierctores la fastidia al meter un contrapunto de belleza femenina que desdice todo ese planteamiento, ¿qué sentido tienen las apariciones de Isabelle Adjani? Quizás es que antes de morir fuera, además de bella, otro ser de mente plana como la del protagonista.
Esta película sólo consiguió cabrearme, Emilio, en cambio, la recibió mucho más benévolamente, encontrando en ella no sé qué razones de denuncia contra el capitalismo feroz...¡menos lobos!
Sólo salvo la pugna en la playa entre el lerdo de Mamut, el protagonista, y otro congénere por el estilo, mientras se disputan la arena vacía en busca de un "tesoro" escondido.

La deuda. Dir. John Madden

El cambio drástico que se produce en los personajes de cuando realizan la misión de cazar a un médico asesino nazi en Berlín Este, en 1966, a cuando se inicia la narración, convertidos por aquella acción en héroes, en Israel, en 1997, es difícil de asimilar, sobre todo por la ruina provocada en alguno de los espías que la llevaron a cabo. La falsa resolución de esa misión les ha llevado a un conflicto interior permanente, que provoca en ellos la ruina no solo mental, sino física. Sucede con el espía más convencido de su cometido, el más honesto. La otra cosa que chirría un poco es el contumaz instinto de supervivencia del nazi, desde el comienzo hasta el final, y eso que te parece que es casi un viejecito. Escribe Javier Ocaña que el último acto está cogido con alfileres, sobre todo, me parece, porque es volver al peligroso mundo del espionaje y las misiones arriesgadas y difíciles después de 30 años sin ejercer. A pesar de esto se ve bien, y resulta curioso como el nazi achaca el holocausto a la parsimonia de los judíos en su respuesta al maltrato que recibían.

Lo que opina Ana:
Es una historia muy bien contada, mantiene la tensión y consigue mezclar la trama de espionaje y la evolución de los sentimientos personales con acierto. Las conexiones entre la historia pasada y el presente resultan eficaces.
La ambientación del Berlín Oriental en plena guerra fría es muy efectista, se convierte en otro personaje con gran protagonismo en la trama de la película.

No habrá paz para los malvados. Dir. Enrique Urbizu

La crítica no ha escatimado elogios (C.Boyero opina que era de lo poco que mereció la pena en S. Sebastían). El que sea un director español el que se atreva a hacer un thriller de ambiente policial, mezclando el cártel de drogas colombiano y los grupos radicales islamistas, tiene sus riesgos y los ha superado; es verdad que te pierdes en algunos momentos, eso suele pasar en este tipo de películas; también es posible que el reparto de actores no esté a la altura requerida, es que todo lo oculta el resplandor de José Coronado, que da vida a un policía fuera de la ley, pero que persigue con encono a las mafias y a los integristas. De todas formas hay secundarios muy bien definidos, como el morito confidente de la poli. Acción, violencia y sin usar el gancho del amor ni del sexo. Un riesgo que debe aplaudirse.

Lo que opina Ana:
Resulta increible que esta película haya pasado sin pena ni gloria por el festival de San Sebastián; cuando menos hubiera debido merecer el premio a la mejor interpretación masculina, José Coronado borda su papel de policía resentido y fracasado, ahogado en el alcohol y sin ninguna traba moral para actuar como un delincuente más. La historia resulta inquietante, te adentra en el escenario del mal, tan cercano, conviviendo en los mismos espacios que la gente de a pie, son evidentes los paralelismos con la historia real que condujo al 11 M y eso da mucho miedo; acabas con la sensación de que nuestra seguridad pende de un hilo muy fino, demasiado frágil, por lo que en culquier momento podría desencadenarse otra masacre terrorista.

El árbol de la vida. Dir. Terrece Malick

Al salir del cine un matrimonio comentaba lo insufrible que había sido aguantar la pedantería de Malick, la mujer respondía:- brutal. C. Boyero cuando hizo la crítica en Cannes (23 de may0) se deshacía en elogios, sobre todo cuando en escena aparecen los personajes, el matrimonio y los tres hijos. Javier Ocaña, ahora, en el estreno en España, no se queda en menos y escribe que es una película inmensa. Y algo está ocurriendo cuando El País del jueves resaltaba que era la película más vista de la semana.

A mi me pareció larga, plúmbea por engolada, con un muy difícil encaje de lo particular (la familia) a lo general (la vida, no humana solamente, terrestre, con dinosaurios y todo). Si se hubiera quedado con el relato de esa familia de clase media en los años cincuenta, cuyo padre, Brad Pitt, quiere inculcar a sus hijos unos valores confusos de orgullo, honor y darwinismo social, y una madre dulce y protectora, habría conseguido momentos en los que las sensaciones placenteras y dolorosas que sienten los personajes, llegasen al espectador, pero al mezclar esto con lo grandioso, espiritual y misterioso de la vida según Malick, la narración pierde pie y todo se admite porque un genio se expresa.

Me pasó lo mismo que a Sean Penn, que no entendió nada de su papel, ni de la película, cuando vio a lo que había quedado reducida su participación.

El cine aguantó silencioso las dos horas largas de duración, salvo una chica a la que la tos le obligó a salir para no romper el halo misterioso.

Lo que opina Ana:
Salimos de la sala escuchando los improperios de un matrimonio mayor que, muy enfadados, calificaban la película como un ejercicio de pedantería. No les faltaba razón, contrariamente a lo que afirman muchos críticos que la colocan en un pedestal como una obra maestra. Si eliminas la carga "filosófica" y existencial y reduces el metraje a la recreación del entorno familiar de los años 50 en un pueblo de Texas, la película cobra solvencia. Sólo me interesó el efecto proustiano de la "magdalena" que aquellas imágenes conseguían evocar. Salir de ahí para aventurarse por el universo y dar saltos en el tiempo buscando no sabes bien el qué, resulta, cuanto menos, fatigoso. El propio Sean Penn declaraba no entender nada, lo que resulta normal viendo su papel en la película.

La piel que habito. Dir. Pedro Almodóvar

Que una película que tiene de fondo de sus decorados y vestuario todas las firmas de moda imaginables, que la casa que sirve de escenario tenga pinturas de Ticiano, de Pérez Villata, que la protagonista se inspire en las esculturas de Louise Bourgeois para realizar las suyas propias y liberar su mente, que esta película de trama tan especial y transgresora (hasta en el aspecto científico) termine con la frase "Soy Vicente" , dice casi todo. Explica la estrella, la simple estrella, que le da Metrópolis, y también las iracundas palabras que le regala C.Boyero. Da la sensación que se le han acabado las ideas a Almodóvar, que tenía prisa por acabar la película, que se permite cualquier cosa sin poner freno a lo que el sentido cinematográfico está diciendo que es una parida. Porque la historia en sus ramales laterales es una memez y el argumento principal te parece forzado, sin solidez argumental. La puesta en escena es marca de la casa:sofisticada, estudiada y detallista; pero en este caso no produce admiración , ni siquiera en breves momentos.

Lo que opina Ana:
Supone un auténtico patinazo esta última película de Almodóvar, de la que sólo se salvan las excelentes interpretaciones de sus protagonistas y la estética de sus imágenes; lo demás es un fracaso, la historia se le va de las manos y resulta grotesca. La aparición del "triguiño" es esperpéntica y el final, en vez de emocionante, resulta pueril e irrisorio.

Super 8. Dir. J.J. Abrams

A Carlos Boyero esta película le tiene"seducido" ( a otros les toca recibir sus iras, Almodóvar en primer lugar). Se pasa un buen rato, que es bastante, pero, a pesar de estar Spielberg como productor, y haber en la película referencias a E.T., su espíritu y sobre todo sus formas, son muy diferentes. Aquí la parte última es un continuo uso de los fuegos artificiales a lo grande, explosiones, lanzallamas, disparos, violencia física y movimiento. Había que atraer la atención del público juvenil actual y no hay mejor manera.Por otra parte, el intruso extraterrestre no tiene nada de atractivo, es repelente y no queda muy claro el transcurrir de su periplo terrestre, por qué no se ha ido antes si es capaz de arrasar cualquier impedimento. Lo mejor, con diferencia, es el grupo de chicos que quiere hacer una peli de zombis, y dentro de ellos, la chica Alice (Elle Fanning), un prodigio. Lo demás es como dice el joven director de la película, valor añadido, que en este caso y durante bastante metraje se traduce en mucho envoltorio comercial y poca calidad destilada.

Lo que opina Ana:
Resulta muy interesante la historia de la parte "real" de la película, aquélla que afecta a las relaciones entre los adolescentes protagonistas que quieren rodar en super 8 una película de zombis, su amor al cine y a la aventura y sus relaciones personales; el problema viene de la mano de la parte "fantástica", aquí no hay un E.T. con quien empatizar y no acaban encajando bien las dos partes de la historia.
Es sorprendente la interpretación de la joven Ellen Fanning y magnífica también la ambientación.

La boda de mi mejor amiga. Dir. Paul Feig

Creía que me lo iba a pasar mejor. El personaje principal, el de la madrina de la novia que representa Kristen Wiig, es un personaje un tanto desesperanzado y desesperado, al que todo le sale mal, y, salvo en algunas escenas (por ej. en la que ante el auditorio de invitados simula saber español, diciendo palabras y frases inconexas), no destila mucho humor. Por otra parte, mucho de ese humor es sal gorda (otro ej., cuando a todas las damas de la novia y a la misma novia les sienta mal una comida mexicana y en una tienda lujosa de ropa femenina tienen que arreglárselas como pueden para dar salida a sus necesidades fisiológicas). Todo el reparto femenino responde a un patrón fijo de mujer, cada una en su papel encasillado (la madre de familia hastiada y salida, la aparente recién casada feliz, pero frustrada, la gorda que ha superado complejos, la sofisticada solitaria). Eso sí, en todas, las referencias al sexo son constantes.

13 asesinos. Dir. Takashi Miike

De las últimas películas de samurais que he visto, esta es la más violenta. Los cincuenta últimos minutos se convierten un una larga carrera de persecución, luchas y sangre. No hay un tono épico acorde con la envergadura del proyecto que se proponen los 13 magníficos, seguramente este tono un poco mezcla de humor, honor y mamporros lo pone el director a propósito. Lo más moderno es la aparición del concepto pueblo, quizás un poco prematuro en el Japón de 1844. Es en su nombre por lo que el noble despótico y cruel debe morir; sin embargo, este aspecto , que podría dar lugar a una reflexión más profunda sobre el poder, se pone al servicio de la espada vengadora y de los chorretones de sangre. Me gustaron las tomas del bosque, de los ejércitos cruzándolo y las del lago con los pescadores cómodamente sentados en altas sillas. De mucho mejor recuerdo son Ashes of Times Redux, de Wong Kar Wai, que vi en el verano de 2009, o Love and Honor, un verano antes. De los ecos de Kurosawa que ve Jordi Costa, nada de nada.

Lo que opina Ana:
Es ésta una película de espadachines en la que corre demasiada salsa de tomate; a mí lo único que me interesó es la imagen plástica del ejército entre los bosques, las imágenes casi de foto fija del señor pescando en un lago rodeado de montañas, cuando empieza la acción me desinflo y desconecto.

Le quattro volte. Dir. Michelangelo Frammartino

El título, según el director, procede de un texto que algunos atribuyen a Pitágoras, y la idea de lo invisible que se esconde o trasciende detrás de la imagen, es lo que quiere representar.

A mi no me ha sugerido este pensamiento la visión de la película; me parece que está orientada a personas que ven cine de forma tranquila, sin necesidad de efectos especiales ni grandes aventuras ni con una acción trepidante. Está contando el transcurrir de la vida, tanto de los individuos (el pastor), como de todo un pueblo, de los animales (el perro del pastor es un figura), y de la vegetación, todo formando el ciclo de la vida, unido a las tradiciones y la inexorable relación entre la vida y la muerte. Y para esto no le hacen falta palabras ni música añadida. Solo imágenes y sonido ambiente, pero empleadas con sabiduría dan lugar a una película extrañamente sosegada y enriquecedora.

Lo que opina Ana:
Película para cinéfilos en la que se narra sin palabras ni música y en la que la historia avanza con ritmo y mirada poética. Uno puede oler, sentir el frío o el calor, situarse en un espacio rural anclado en un tiempo casi desaparecido y también reírse a gusto con la escena del perro juguetón y ladrador, un momento digno de los mejores del cine mudo. Los animales y los hombres se tutean como protagonistas del film, las cabras pueden mirar al cielo en busca de evocadoras imágenes surgidas entre las nubes. Es también un buen estudio etnográfico de algunas milenarias tradiciones y creencias calabresas que, milagrosamente, aún perviven.

Una mujer en África. Dirª Claire Denis

Llevaba bastante tiempo en cartelera y he dudado mucho en ir a verla porque ha recibido críticas muy dispares (de una a cuatro estrellas); me animó definitivamente el artículo de Vicente Molina Foix, calificándola de "uno de los títulos esenciales del año".

La espera previa fue entretenida porque una señora en la tercera fila jugaba a hacer una coreografía con sus pies descalzos sobre el respaldo de la 2ª fila de la canción Cabaret, menos mal que el asiento estaba vacio.

La película no me ha gustado. Escoge una narración fragmentaria y a saltos en el tiempo, con los flashback (flash forward escriben en la hoja informativa, y no me parece que lo sea). La sensación de conjunto respecto a la complejidad política, social y económica africana queda clara, también la lacra permanente de la guerra y la facilidad con que se mata (los niños soldados son una de las bandas protagonistaas), y queda asimismo claro la imposible simbiosis entre el hombre blanco y el hombre negro (el título original de la película es "white material"). Pero todo esto está contado de forma confusa en el argumento (seguramente deliberadadmente). Pero la parte más negativa de la película es la historia de la propia familia blanca, que no añade nada, al contrario, resta fuerza al contendio general. A mi no me interesan nada los personajes blancos, y menos que ninguno el del hijo de Isabel Huppert. Parece un capricho de la directora.

Lo que opina Ana:
Tiene una narración confusa, con continuos flasbacks que descolocan al espectador, es ésa la manera que elige la directora para transmitirnos el caos que se produce, en el momento de la descolonización, en un país del África ecuatorial al que no quiere poner nombre.

El origen del planeta de los simios. Dir. Rupert Wyatt

La referencia a la película que inició la saga es inevitable: "El planeta de los simios" (1968). Seguramente esta contiene más concesiones al espectáculo, sobre todo en la segunda parte del metraje, desde que el chimpancé César es separado de su familia de adopción (la de James Franco y su padre). A pesar de ser la parte más movida, a mi me parece la más floja. Es más esquemática y más simplona, porque presenta el avance incontenible de los simios y la maldad y tontuna de los humanos, que pese a sus medios siempre son superados por los primeros. En estas secuencias el ordendor funciona a tope, haciendo que los saltos de los monos sean inverosímiles. Incluso el papel del protagonista interpretado por James Franco peca de esta simplonería infantil: quiere decirle a César que la revolución que ha iniciado, aunque la entiende, no es la forma de hacer las cosas, como un padre a su hijo. En fin, me quedo con la primera parte de la película y con ganas de volver a ver su inspiración, la de 1968.

Lo que opina Ana:
Mantiene un ritmo creciente hasta que empiezas a aburrirte porque la película se alarga en exceso, yo no hacía más que pensar cómo iba a arreglárselas el director para contar todo lo que le faltaba, prodigiosamente consigue, sobre los títulos de crédito, rematar bien la historia.
Hay muchos guiños a la mítica "El planeta de los simios", de la que pretende ser su explicación: el mono jugando con una estatua de la libertad, una nave espacial rumbo a Marte en la que podemos presumir estaría embarcado ese Charlton Heston que acabaría atrapado en medio de una realidad aterradora, un mono que habla... en todo ello estarán las claves de aquel mundo en el que se han invertido los papeles y los simios son los amos; mientras que en El planeta de los simios se consigue provocar emoción con pocos medios, aquí, con un inmenso despliegue de efectos y recursos, falla lo esencial; uno no siente ni padece con sus protagonistas, todo parece transcurrir al otro lado de la pantalla sin llegar a conmover al espectador. Yo tuve todo el tiempo la sensación de estar viendo una película menor, como si fuera un telefilm con actores poco creíbles y diálogos sin pulir.

El hombre de al lado. Dir. Mariano Cohn y Gaston Duprat

La película tiene un protagonista mudo, el marco arquitectónico, la casa Curutchet (proyectada por Le Corbusier). Pasillos en diagonal, grandes ventanales, geometría y vano.

El motivo de la película es enfrentar a dos personajes que viven en ese edificio, uno de ellos quiere ( y abre) tener una ventana donde le entren algunos rayos de sol de los que le sobran a su vecino. La dialéctica está establecida, por un lado la familia del diseñador (no ventana), por otro lado la de un vendedor de coches usados (sí ventana). Las críticas han alabado esta comedia negra, su guión y su interpretación. Quizás el problema sea el ritmo, muy lento, y el avance de la historia, que va paso a paso, sin acelerarse, y a veces tiene remansos donde se estanca.

Lo que opina Ana:
Hay en esta película un sinfín de metáforas que eluden hablar directamente del problema, de la soterrada lucha de clases que esconde el muro que acaba de abrirse entre una vivienda vulgar y la única casa diseñada por Le Corbusier en América; con este lenguaje indirecto se irán explorando esas contradicciones, se irán definiendo los personajes, se mostrarán de forma cada vez más explicita las interioridades y ruindades de una familia aparentemente perfecta. La interpretación de Víctor, el vecino macarra, a manos de Daniel Aráoz es fabulosa. Lo cierto es que hasta el día de hoy, en la lucha de clases capitalista siempre gana el poderoso y ésta no es una excepción.

El amor de Tony. Dirª Alix Delaparte

Es una película de una directora novel y se nota, pero el principal defecto está en la forma de contar este relato. Escribe Jordi Costa que la directora imita a los Dardenne, sin llevar las situaciones a lo extremo y con un final no trágico o desesperanzador ("dardennismo rosa", lo llama) Yo creo que la película se basa en el físico estupendo de Angèle (Clotilde Hesme) y ella no es una gran intérprete, o no le da al personaje la profundidad, la hondura y complejidad que necesita. Empieza muy arriba, con un acto sexual de ocasión como simple fórmula de trueque para conseguir un juguete para un niño. A partir de aquí, para explicar esto o endureces la historia y conviertes a la protagonista en una mujer con una personalidad muy marcada, o corres el riesgo de ir cediendo espacio a lo que desde el punto de vista narrativo busca un camino de expiación y salvación demasiado fácil, que es lo que ocurre finalmente.

Beginners. Dir. Mile Mills

Es una película recomendable, mantiene el tono y las dos historias que cuenta se van enlazando con sabiduría, impulsándose una a la otra, alternando distintos lenguajes narrativos: la voz en off del protagonista, con el presente o el pasado dialogado; emplea un difícil y brillante uso del flash-back y tiene una voluntad de fondo de admitir las diferencias, las peculiaridades. Seguramente la historia con más fuste sea la de la familia de Oliver (Ewan McGregor), con la figura estelar de su padre, Hal (Christopher Plummer), un esposo que, muerta su mujer, se declara confeso y convicto homosexual. La otra historia queda en un lugar secundario; es bonita, tal vez le falte algo de pasión, pero tiene momentos buenos como el de la fiesta de disfraces. Me refiero a la del romance de Oliver con Anna (Mélanie Laurent). En definitiva, esta película debería tener una buena acogida, a pesar de la mala fecha del estreno.

El Padrino. Dir. F.F. Coppola

Gracias a los cines Verdi se puede ver esta película como es debido, en pantalla grande.

Toda la secuencia del baile con la que se inicia es extraordinaria, mezclando el exterior de la ceremonia, la fiesta, con el interior, en penumbra, donde se anudan alianzas y brilla en todo su esplendor Don Vito, un Brando increible. La otra secuencia de antología es la del bautizo, al final, con la misma técnica, algo tan inocente y primigenio como un bautizo, mezclado con la medida y calculada eliminación de los adversarios, vida y muerte al mismo tiempo. Lo que hay entre medias son, podríamos denominarlo, "entremeses", por ejemplo, la estancia en Italia de Michael. Los personajes tampoco están todos interpretados de la misma forma y bastantes responden a un cliclé, así cada hermano tiene su identidad sin evolución, salvo Al Pacino, al que se le reserva el protagonismo futuro. Hay que tener en cuenta que la película dura casi tres horas y no te pesan, aunque todo no puede ser perfección.

Blackthorn (Sin destino) Dir. Mateo Gil

A pesar de los gozosos parabienes que la recibido de la crítica, a mi no me parece para tanto. No la siento como una gran película del oeste, de las que marcan; por los personajes: San Shepard está demasiado caracterizado como el bandido legendario de vuelta de todo, el papel no termina de convertirlo en icono; Noriega,el ingeniero español, no le da la réplica. Los paisajes son espectaculares, pero un western no es una sucesión de lugares de foto, son zonas áridas, descarnadas, como los tipos que deambulan por allí. Los flash-back tampoco ayudan, y el final, con esa toma fija del Butch Cassidy joven y en plenitud no es una señal de seguridad en la historia que se cuenta, ya cuando ha llegado a la vejez. La participación de los indígenas tiene un significado anecdótico, folclórico, de relleno. Pese a todo esto, la película se deja ver, pero no es un western "como los de antes" (C. Boyero), al menos de los buenos.

Lo que opina Ana:
Un western español rodado en Bolivia y con personajes del legendario oeste mezclados con un ingeniero español sin conciencia y los indios bolivianos. Lo que más respeta el género es el paisaje, en eso es impecable. La historia empieza bien, pero acaba haciendo aguas y nunca llega a alcanzar el tono épico que se le debe exigir a un buen western. Los personajes se van perdiendo con ella; aún así, hay buenos momentos en la película, se deja ver con agrado.

Naufragío. Dir. Pedro Aguilera

El cine de autor tiene riesgos que uno debe asumir; unas veces aciertas y te gusta, y otras crees que te han estafado. Esta película pertenece al segundo grupo para mi.

Lo peor de todo es el destino trasncendente de este Robinson negro, inexpresivo, que llega a España a cumplir una obligación procedente del más allá, del Padre. Este fin y su explicación son tan ambiguos e impostados, que lastran todo lo demás. Lo mejor son las secuencias de la vida real, en un invernadero de Almería, y en una fábrica de explosivos en Vitoria.

Me pregunto cómo el documental de José Luis Guerín pasó a hurtadillas ,en un solo cine de Madrid, y éste lleva dos semanas en una sala de los Cines Renoir. Esta película es de filmoteca o de cine club y para cinéfilos con gustos muy amplios y poco exigente, para los demás es difícil digestión. Lo dicho, de autor.

Lo que opina Ana:
Como dice su director, se trata de una película simbolista y como tal no hay quien la entienda. A mí me resultó cargante, no consiguió transmitirme lo que, al parecer ,pretende ,una visión de la inmigración desde una óptica respetuosa con las culturas ancestrales de los inmigrantes.

Micmacs. Dir. Jean- Pierre Jeunet

Afirma el director que hay unas 350 tomas con efectos , pero "cosas bastante simples". Puede que así sea,ahora que los efectos especiales han alcanzado un grado de complejidad y especialización tecnológico-informático increible; sin embargo, aquí no aparentan menos, aunque sean artesanales. Jean-Pierre Jeunet tiene una capacidad narrativa envidiable; el comienzo es un prodigio de síntesis, en menos de 3 minutos nos ha dado toda la información necesaria para presentarnos al personaje principal, desde que era niño, hasta que, ya en la treintena, apararece trabajando en un vídeo club que se llama "Matador". A partir de ahí, un accidente le instala una bala en la cabeza, que enlaza con la bomba que mató a su padre, para afianzar su determinación de poner al descubierto a los fabricantes de armas y su ruin catadura moral, todo en un tono de una peculiar seriedad, sin ser cómica ni trágica. Para llevar a cabo sus planes cuenta con un grupo de colaboradores que excluidos de la sociedad, dan ejemplo por su valentía, inteligencia, conocimientos y valores.

Estamos ante una propuesta diferente, divertida, pero que no busca hacer reir, exagerada, pero dentro de un lenguaje narrativo perfectamente coherente y siempre interesante en la presentación en imágenes. Las "maravillosas píldoras" que menciona Javier Ocaña al referirse a esta película son mucho más abundantes de los que este crítico considera.

Lo que opina Ana:
Con casi dos años de retraso llega por fin a nuestras carteleras esta deliciosa película en la que hay momentos de grandísimo cine y que recuerda en el tratamiento de sus personajes a las grandes creaciones del cine mudo. La historia de un grupo de marginales luchando contra la industria armamentística francesa es demasiado naif, propia también de los planteamientos de un Charlot idealista.
Jean Pierre Jeunot se muestra como un auténtico genio de la narrativa cinematográfica, es capaz de condensar una historia y hacerla explícita en 5 minutos de metraje de manera perfecta, como ocurre al comienzo, cuando nos cuenta la azarosa vida del protagonista en sus primeros 30 años de vida. Es una pena que como largometraje no alcance esta misma maestría.

La doctrina del shock de Michael Winterbottom y Mat Whitecross

Lo que opina Ana:
El documental va tirando de la madeja y exponiendo la teoría defendida por Naomi Klein sobre el modo de actuación de este neoliberalismo feroz que se ha acabado imponiendo en el mundo y que ha sido capaz de transformar gobiernos y saltar muros, siempre llevado de la mano de los EEUU; ya no hay barreras que lo contengan, la caída del comunismo le ha dejado el campo abierto.
Resulta demasiado simplista, parece que nada podemos hacer, somos sus títeres y, sin embargo, acaba con un canto de esperanza, si nos lo proponemos podemos pararlo, conocemos sus métodos y no nos vamos a dejar engañar más; este canto al optimismo se contradice con todo lo que acaban de presentarnos, ¿cómo podemos luchar contra un poder omnímodo que fue capaz de imponer a Pinochet en Chile, de expandir las dictaduras militares en el Cono Sur, de derribar el muro de Berlín y de atacar el parlamento Ruso para dejar a su pueblo a merced del capital, de destruir Iraq y un largo etcétera de desmanes? Parece que vamos de un buen hombre, Roseevelt, que se opuso al liberalismo sin control, a otro buen hombre, Obama, que se dirige por el mismo camino; entre medias, feroces lobos o estúpidos títeres y de entre ellos, el flamante premio Nobel de economía Milton Friedman, la encarnación del mal. Pero una nueva era se avecina y en nuestras manos está el detener esta línea de actuación, dejemos de tener miedo y salgamos a defender lo que es nuestro. Bonito, pero ingenuo.
¿Dónde queda China en este juego? No se la nombra ni una sola vez.
Como ejercicio de memoria histórica es muy plausible y recomendable, pero el análisis es demasiado superficial y el tratamiento cinematográfico poco atractivo.

Emilio:

Este documental es como la primera parte de Inside Job. Deberían verse en este orden. Parten de presupuestos diferentes, para llegar al mismo lugar. La doctrina del Shock sigue la hipótesis de Naomi Klein de que el capitalismo utiliza estos estados colectivos para imponer a la sociedad unas condiciones económicas basadas en el neoliberalismo, apadrinado por Milton Friedman, que socavan la igualdad social y económica, en beneficio de los más poderosos (ejemplos, Chile tras Allende, Argentina de Videla, Gran Bretaña de Thatcher). A igual punto de destino llega Inside Job: el capitalismo agresivo busca desregularizar los sistemas de control y hacer negocios fraudulentos, solo con el único fin de enriquecerse. Hay otro punto en común: están triunfando, nadie se opone a los "mercados", todos de rodillas.

El lenguaje cinematográfico de la doctrina del shock es menos sofisticado. Los dos son ejercicios sanos de crítica al sistema y a la pacata reacción de los políticos frente a esta dictadura de la "mano invisible", que escribía Adam Smith. Cuenta al final de la película Naomi Klein, mientras da una conferencia, que en tiempos de Roosevelt, los sindicatos le pedían mejoras salariales y reformas y que el presidente les dejaba acabar y les decía, ahora salir fuera y pedírmelo. El número de huelgas en su mandato superó las 4500, y pregunta Klein al auditorio si saben cuántas lleva Obama, la respuesta lo dice todo, 21.

Un cuento chino de Sebastián Borensztein

Lo que opina Ana:
Comedia sostenida gracias a la magnífica actuación de Ricardo Darín, tiene algunos momentos francamente divertidos y subyace en ella un espíritu de solidaridad y decencia que te congratula con el género humano. La película pierde cuando se aleja de la comedia y pretende atar demasiados cabos, entonces rechina y se le va el ritmo narrativo.

Emilio:

En esta película hay dos universos, el de un ferretero argentino con sus rarezas (todas inofensivas) y el de un chino, que llega como por ensalmo al reducido y restringido mundo del ferretero. Tienen que convivir y lo hacen malamente. Sí la película solo constara de la parte del ferretero, sería más corta pero mas estructurada en su desarrollo; introducir al chino sirve para darle un toque exótico y prolongar el metraje con situaciones todas raras, porque se parte de una rareza. Gracias a Ricardo Darín, la película no se parte y él carga sobradamente con todo, para hacer un personaje inolvidable.

El viaje del director de recursos humanos de Eran Riklis

Lo que opina Ana:
Esperpéntica, pretenciosa, cargada con todos los tópicos imaginables, llena de lagunas en la narración, mal delimitados la mayoría de los personajes, de manera que sólo algunos de los secundarios, los cónsules de Israel en Rumanía y el conductor bebedor y parlanchín, pueden resultar atractivos y salvar un poco el tono humorístico que tampoco podía faltar en el relato. En cambio, el hijo adolescente de la fallecida, que pasa de marginal que no se entiende con su padre, a chico ideal al que todos querrían adoptar, y el periodista con conciencia, resultan infumables.

Emilio:

Hay ocasiones en que uno sale malhumorado del cine, y así fue después de ver esta película. Como no he leído la novela de la que procede, no sé si la desmesura está en las dos; de todas maneras, los lenguajes son diferentes. Este director realizó "Los limoneros", y allí se le veían ciertos detalles, que ahora están aquí bien a la vista y exagerados, proceden de la falta de contención, del gusto por lo extremo, que va en graduada y ascendente escala a lo imposible. Este toque folclórico, social y humanitario llega a situaciones de vergüenza: un ataúd en una tanqueta militar, por los caminos de Rumanía, conducida por un israelí. Esto es ya suficiente para marcar el tono disparatado, lejos de esa "buena película de carretera" que dice Javier Ocaña. Con los personajes ocurre igual o peor. El chico de la que va en el ataúd es un lumpen, con un dominio más que aceptable de inglés, que incluso hace de traductor; y al protagonista no se sabe qué le pasa con su familia, pero algo ocurre para que esta experiencia resulte para él "un trayecto iniciático". En fin, mejor no seguir.