En la playa sola de noche. Dir Hong Sangsoo

Será mi última película de 2017, con la que llegaré a las cien, siempre en las salas de cine, y para despedirnos del año, el chico de los Golem me invitó. Gracias.

Es una película de festivales, otra. Dividida en dos partes, con actores diferentes, sólo repite la protagonista, la galardonada actriz Kim Min-hee. Es una historia sobre el desamor, su huella cuando ya no está el amor, pero ocupa todo el pensamiento. Otra cosa es la forma de narrarla, a través de conversaciones un tanto repetitivas y a veces simplonas (algunos críticos dicen que a causa del ambiente alcohólico). Se acompaña de un toque surrealista, al director le gusta mucho Buñuel, en la figura de un señor que aparece de improviso y que no sabemos quién es y qué representa. Ignacio P. Rico, en la Guía del Ocio, la incluía dentro de las cinco mejores películas de 2017. Parece exagerado.

Columbus. Dir. Kagonada

Es la primera película que hace este conocido autor de videoensayos sobre cineastas,y ha escogido un modo pausado, un tanto conceptual, de reflejar dos formas de afrontar la vinculación entre padres e hijos, los lazos que los unen, las obligaciones que conlleva esta relación, en este caso más de los hijos hacia los padres, cuando no son los tiempos felices. Este asunto aparece relacionado con la arquitectura y su significado, la arquitectura y sus efectos sobre los ciudadanos, tomando como ejemplo una ciudad, Columbus, y sobre todo, pero no únicamente, los arquitectos Saarinen, Aero y su padre Eliel. Para algunos puede ser aburrida. A mi me hubiera gustado entender mejor esa relación de la arquitectura y las dos historias que se cuentan, la de la chica norteamericana y la del hombre coreano. Fue muy bien recibida y valorada en Sundance. Yo no sabría qué decir.
Lo que opina Ana:

Tediosamente lenta, los personajes no arrancan a volar. Lo que más me interesa son las tomas fijas, las composiciones de los edificios de esta ciudad cuajada de buena arquitectura.

Demasiado cerca. Dir. Kantemir Balagov

Película de festivales con numerosos premios. El director es muy joven y le auguran un brillante futuro y la actriz protagonista, que debuta en el cine, ha recibido todos los elogios.

Es una película que no da mucho margen para las alegrías. Situada la narración en el Cáucaso Norte, en un paisaje urbano desolador. en el que unas vidas se ven sacudidas por un secuestro por dinero al que las familias no pueden hacer frente. En este contexto surgen las verdades, dentro y fuera de las familias. En esta situación crítica emerge Ila (Darya Zhovner), la hija indómita que no quiere verse atada por las rigideces sociales de su idiosincrasia judía y condenar su libertad. Ella es la gran perdedora.

Filmada con la rudeza del cine ruso (me acuerdo de "Leviatán") y la inmediatez del cine europeo de carácter social (los Dardenne), contiene una grabación real no apta para todos.
Lo que opina Ana:

Llega a las pantallas aclamada por la crítica. Es una película que habla de relaciones familiares y de la difícil convivencia racial  en la Rusia caucásica de finales del siglo XX.

No se analiza el origen de los problemas, de la violencia en la región. Se describe un mundo hostil, claustrofóbico, sin esperanza. Ilana, una joven judía de 24 años es la protagonista, a través de su mirada iremos saliendo del espacio en el que vive recluida la comunidad judía a un mundo exterior rural y sin atractivos.

Se plantea la desintegración de una estructura social milenaria, la joven Ilana será capaz de desafiar las leyes de la tribu pero no de romper sus ligaduras umbilicales.

Tiene todos los elementos de una tragedia clásica y como tal está construida.

Asesinato en el Orient Express. Dir. Kenneth Branagh

Por mucha figura que actúe: Michelle Pfeiffer, Judi Dench, Johnny Depp, Penélope Cruz, William Dafoe..., no deja de ser una película acartonada, rígida. Además, que el protagonista que hace de Hércules Poirot sea el propio director no favorece nada, acentúa lo esquemático, lo poco natural, lo sobreactuado. Pese a la intriga se oían ronquidos cercanos.
Lo que opina Ana:

Un nuevo remake de la novela de Agatha Christie, absolutamente prescindible. Me sirvió para dejarme llevar por el sueño y recuperar fuerzas al calor de la sala. Pretenciosa, previsible  y aburrida.

Alanis, Dirª Anahí Berneri

Ganó varios premios en el último festival de San Sebastián. Parece casi un documental sobre la prostitución, menos que eso porque en este tipo de reportajes se suele dar una explicación de tipo sociológico, señalando las razones que conducen a las mujeres a esta situación, muchas veces, la mayoría, obligadas por las circunstancias. Aquí no, la protagonista ha elegido esa forma de ganar dinero y no parece que le importe, pese a tener un hijo que lleva siempre consigo. Tiene sus miserias, la echan de un piso, la persiguen otras prostitutas cuando quiere hacer la calle, pero las va salvando sin grandes tragedias. Al final encuentra acomodo en manos de una madama. Está bien realizada toda esta secuencia de acontecimientos. Pero no te suscita empatía, ni lástima, ni solidaridad humanitaria. Es como si retratara, pongo por caso, la vida de un minero, de un pescador, de una señora de la limpieza. Parece decir, la prostitución está ahí y es así. Punto.
Lo que opina Ana:

Una visión de la prostitución como un trabajo elegido, sin analizar las causas que llevan a las mujeres a adoptar esa decisión. Una realidad difícil, pero para la protagonista mucho más atractiva que los trabajos no cualificados a los que podría intentar acceder en lugar de vender su cuerpo. La vida gira en torno a su bebé, Dante, poder mantenerlo a su lado es lo que más importa a Alanis.

La película relata las dificultades de esta joven madre y su determinación por continuar ejerciendo como prostituta, la directora nos presenta a los personajes manteniendo siempre las distancias, utilizando un tono frío, nos convierte en espectadores alejados, juega con los planos, a veces primerísimos, casi de disección, otros más abiertos para ampliar el mundo que rodea a los protagonistas. No hay juicios morales, sólo una historia.

Star Wars episodio VIII: los últimos Jedi. Dir. Rian Johnson

No soy un apasionado de esta saga, fui a verla por ver cine (por cierto, con valoraciones muy dispares, cinco estrellas en Metrópolis; dos en la Guía del Ocio). Me pareció más coherente que la anterior, pero la veo y ya está. No hay más. Eso sí, me molesta que Adam Driver, el encantador conductor de "Paterson" haga de malo malísimo.

La isla de los monjes. Dirª Ane Christine Girardot

Es una comunidad de monjes cistercienses que se les ha quedado grande el monasterio y deciden, con el permiso del general de la orden, edificar otro más pequeño en una isla. Todo ello en Holanda. Aparte de los tramites de la venta: pedir permiso a Roma, hacer la puja y despedirse de los fieles (a los que dejan desolados espiritualmente, y no parece importarles mucho a los monjes este asunto vital), y algún rasgo personal de su vida (un monje cuenta que se enamoró de una mujer, colgó los hábitos, pero a los seis años volvió), su historia es un poco insípida. Nada que ver con la fuerza, el sacrificio y lo peculiar de la vida de los cartujos de "El gran silencio".

Muchos hijos, un mono y un castillo. Dir. Gustavo Salmerón

Aunque el rodaje parece caótico, está bien estructurado y muy pensado. Parte de una búsqueda (estrambótica, de unas vértebras de un antepasado) y termina con su localización. Entre tanto, 90 min., se repasa un poco la historia de esta familia, la del director, con un personaje por encima de los demás, la madre, Julita. Puro disparate, un tanto necrofilico, bien asentado y construido. Una personalidad propia de esos individuos que abarcan varios dentro de si, y que al mezclarse producen paradojas, extravagancias y perplejidad. Merece la pena. Seguro que no salen malhumorados ni deprimidos del cine. 
Lo que opina Ana:

Julita, la protagonista, la madre de esta caótica saga familiar, resulta ser un personaje en sí misma. Se comporta ante la cámara como una profesional, no titubea, no tiene más que ser ella misma y dejarnos entrar en su casa, en su vida. Es una película casera  que nos cuenta la evolución de la familia a través de 14 años de tomas continuadas. Se pasa un gran rato escuchando sus disertaciones sobre la vida y la muerte, cada vez más cercana.

Fe de etarras. Dir. Borja Cobeaga

No vi "Ocho apellidos vascos", pero me dicen que esta película es otra cosa. La puntuación que ha recibido, cinco estrellas en Metrópolis y cuatro en la Guía del Ocio, es una pelín alta, yo creo que con tres ya está bien puntuada. Es una visión de un comando en tono sarcástico grotesco, aunque al final con la aparición del etarra mayor, cambia el tono. No te lo esperas. Hay que pensar mucho el guión para tomar esa decisión. Lo que vemos es un retrato inmisericorde de estos etarras, que prefieren salir por donde sea antes que salir corriendo tras poner una bomba. El hecho de que el personaje con más carisma sea un etarra sobrevenido, natural de Chinchilla, provincia de Albacete, lo dice todo.
Lo que opina Ana:

Parece impensable que pudiera llegar a realizarse una película como ésta, capaz de ridiculizar el mundo de ETA; no deja títere con cabeza en cuanto a sus principios ideológicos. Llega tras el éxito de la novela Patria, que mete el dedo en la llaga de manera muy dolorosa, atreviéndose a contar lo que fueron muchos años de sinrazón. La película se acerca al final de esa realidad y lo hace con humor. Tiene algunos golpes desternillantes, en un momento en que las banderas vuelven a hacernos sentir escalofríos. De los mismos guionistas de 8 apellidos vascos, pero para mí  mostrando, en esta ocasión, mucho más talento. Tiene un efecto terapéutico, el personaje de Pernando, el albaceteño de Chinchilla que quiere ser etarra, es lo mejor de la película, Julián López le da vida y nos hace reír con ganas.

Perfectos desconocidos. Dir. Álex de la Iglesia

Película ágil y divertida (agridulce), con un final inesperado. Buen cine. No me gusta, o es lo que menos, que parte del guión se base en la separación un poco manida de sexos que se critican entre sí, también me parece un poco excesiva las referencias continuas al sexo. No sé si también se dan esas características en el filme italiano del que se hace este remake "Perfetti sconosciuti". Los actores están estupendos, y el director sabe crear tensión en un espacio tan reducido con las aperturas al exterior que dan los móviles y espacialmente con la terraza de la casa, que sirve de escenario alternativo y es el origen de los extraños sucesos que ocurren en esa cena de amigos, porque desde allí se ve la luna (un lunón) y su eclipse.
Lo que opina Ana:

Comedia corrosiva que pone en solfa las relaciones personales a través de un juego envenenado que permite compartir, entre un grupo de amigos, la información más personal atesorada por sus teléfonos móviles. Un mundo lleno de decepcionantes sorpresas les aguarda mientras la luna sufre un eclipse de sangre que la va tornando roja como la amenaza que acecha a los que han resultado ser unos perfectos desconocidos.

Tiene buen ritmo, unas excelentes interpretaciones y unos movimientos de cámara que permiten dar profundidad a ese agobiante espacio interior terriblemente caldeado por las sorpresas que aparecen en sus pantallas y las que se  escuchan  de forma colectiva. Álex de la Iglesia se muestra más contenido, aunque sigue mostrando su amor por el barroquismo, en lo que es un maestro.

Coco. Dir. Lee Urnkrich yAdrián Molina

No es "Del revés". Llegar a esa cota otra vez le va a ser muy difícil a Pixar. Pero es una película muy decente, un poco tontorrona a veces. Tiene una animación marca de la casa, sobresaliente en sus escenarios y ambientes: la ciudad de los muertos y el puente que cruza al mundo de los vivos son espectaculares. Hay también un humor reconocible en las historias de Pixar y una cosa nueva para mi, rescatar una costumbre cultural y espiritual no estadounidense, y hacerlo con respeto, sin reconvertirla a lo yankee: el culto a los muertos en México. Lleva implícito el mensaje de que el recuerdo mantiene vivos a nuestros antepasados. Me gusta que de vez en cuando los personajes suelten alguna palabra o frase en español. Miguel, el protagonista, diria, no sean chingados y vayan a verla.
Lo que opina Ana:

Delicioso tributo a los que se han ido. Pixar rinde también tributo a México y sus tradiciones en un momento en que el presidente Trump trata de levantar muros. Disfruté enormemente con ese viaje mágico de la noche de los muertos. Emilio decía que no tiene la hondura de “Inside out”, que es una obra menor, más infantil. Sin embargo, a mí me llega profundamente, me emociona  y me hace pasar un rato estupendo. Me gusta mucho el respeto que muestra, ese juego con el inglés y el español que convierte la película en mestiza. Nada más llegar a casa cambio la foto de perfil de whatsapp para demostrar que creo en la máxima defendida en la película de que nuestros muertos viven mientras continúen siendo recordados. 

En realidad, nunca estuviste aquí. Dirª Lynne Ramsay

Es una película rara. En El Cultural, Carlos Reviriego menciona el frenético montaje en staccato. Es violenta porque el personaje principal es una especie de justiciero (el mismo crítico la relaciona con Taxi Driver). A través de repentinos y cortos flashbacks vamos conociendo de forma fragmentaria algo de su pasado, de soldado, descubriendo la miseria humana, la violencia y la guerra: unos pies, unas chicas orientales apiñadas en una especie de cámara mortuoria. Fogonazos. Igual ocurre hacia el futuro, los forwards. Sueña o se imagina situaciones que no han ocurrido, como poco antes del final cuando está en la cafetería con la adolescente coprotagonista Nina. Hay que verla y luego opinar. Desde luego, la directora sabe crear ambientes y contar historias, aunque lo haga a su manera, forzando al espectador.
Lo que opina Ana:

Dura, resuelta con continuos planos psicológicos y flasbacks que reflejan los pensamientos y sentires del alma atormentada de su protagonista, un Joaquin Phoenix abatido, lleno de cicatrices externas e internas, cruel e impasible con el mal, dispuesto a rescatar a mujeres que sufren de abusos. Lynne Ramsay se atreve con esta historia amarga que denuncia los sórdidos mundos de la pederastia desde las capas más altas, moviéndose en los círculos de la alta política. Sales con el corazón encogido y una mínima esperanza.

Oro. Dir. Agustín Díaz Yanes

Patriotismo cinematográfico lo llamo yo. No es que no me gusten los españoles que retrata la película, que no me gustan, es que no me gusta la película. No sabemos hacer películas históricas o yo soy muy crítico. Se nos va el tono, el discurso y el sentido. Terminar esta película con una copla (José Mercé canta) resume cómo ha sido: grandilocuente, trágica, de tipos duros, sin escrúpulos pero valientes, traidores y codiciosos, pero haciendo historia. Vamos, una epopeya. Es el estilo de Pérez Reverte. Y para que no falte nada, una mujer y la tensión que provoca en este ambiente salvaje. La música resalta las situaciones, como si hiciera falta, y es tan invasora como la selva donde se desarrollan los sucesos. Decía el director que los historiadores, él estudio Historia, no podían poner pegas; los cinéfilos, sí.

Hacia la luz. Dirª Naomi Kawase

Vi la anterior película de esta directora "Una pastelería en Tokio" y tiene algunos rasgos semejantes a esta de ahora, la delicadeza, la constancia del paso del tiempo y de la pérdida de los seres queridos que conlleva, el punto de esperanza final...

Al terminar alguien comentó que era lenta. Es que no es una película de acción trepidante y grandes efectos especiales, se ha equivocado de sala. Es un película de sentimientos y necesita una narración pausada, que no significa aburrida. Tal vez dependa del estado en que te encuentres, a mi me gustó. 

El autor. Dir. Manuel Martín Cuenca

La historia parte de una narración de Javier Cercas, a la que el director ha añadido nuevos personajes que dan lugar a nuevas situaciones. Es una historia atractiva, con fuerza. La del escritor que no consigue serlo y vende casi su alma al diablo para conseguirlo. Lo que me pasa es que este personaje no puede quedarse a medias: como un tontorrón con los que son superiores a él-el profesor de escritura y el notario de la notaría donde trabaja- y como un personaje astuto y malévolo con los vecinos de su comunidad, a los que quiere convertir en personajes de su novela. En esa indefinición está el punto flaco de la película para mi, que no es redonda ni grande porque el protagonista central no se eleva a categoría. De cualquier forma, es una película interesante.
Lo que opina Ana:

Javier Gutiérrez da vida a un personaje sin moral, capaz de cualquier cosa por conseguir su sueño de escribir una gran novela. Deja a su mujer, una afamada escritora de best-sellers, al descubrir su infidelidad, deja su gris trabajo de pasante en una notaría y se lanza a la creación literaria, copiando sus textos de las historias reales que encuentra entre su nuevo vecindario. Cuenta con muy buenas interpretaciones, la historia tiene ritmo, pero no llega a ser redonda. Se ve bien.

The Square. Dir. Ruben Östlund

Irá a los Osar y ganó en Cannes. Tiene una mezcla de la impostura del movimiento Dogma y del espíritu crítico escandinavo. El caso es que no queda títere con cabeza de la burguesía culturalmente abierta pero socialmente clasista. De paso nos deja claro que cualquier cosa puede ser arte si entra en un museo y más si llama la atención. ¿Qué es el arte hoy? ¿Para qué sirve? Una película para reflexionar. La sala estaba llena de estudiantes universitarios,poca gente en un día laborable se puede permitir salir del cine más tarde de las 12,30 de la noche.
Lo que opina Ana:

La vida entre algodones que acompaña al conservador de un museo de arte contemporáneo sueco, se pulveriza al entrar en contacto con el mundo exterior, con una sociedad tan real como la de los inmigrantes que viven en los barrios suburbiales, a los que les cuesta subsistir y cuyas vidas están tan alejadas de los oropeles y banalidades que caracterizan a las de los privilegiados. Hay una denuncia constante e irónica que va cargando con pólvora la película, acrecentando las tensiones y resolviéndolas con respuestas y escenas surrealistas. Muy interesante.

La gran enfermedad del amor. Dir. Michael Showalter

De esta historia romántica, políticamente correcta pese a la relación sentimental difícil culturalmente entre la pareja, un pakistaní y una blanca estadounidense (wasp dicen algunos críticos), lo raro es que una parte importante de la película, casi la mitad, se desarrolla en un hospital. Tiene un guión bastante cargado de diálogos, algunas frases son muy para el público de allí, y, salvo la peculiaridad mencionada, tiene todos los ingredientes de la comedia romántica; aunque no peca de chistosa, tampoco lo hace de ingeniosa. Se ve y ya está.
Lo que opina Ana:

Basada en una historia real esta comedia cuenta la relación entre un chico de origen pakistaní, monologuista de vocación y una chica que estudia psicología, hija de una pareja liberal de profesores universitarios blancos. La relación entre ellos es difícil por las diferencias culturales que los separan, el amor, sin embargo, acabará rompiendo todas las barreras. Está bien resuelta y pasas un buen rato.

En cuerpo y alma. Dirª Ildikó Enyedi

Ganó el Oso de Oro a la mejor película en Berlín. No es impresionante, pero está bien. Premio controvertido, como la mayoría. Es una historia de amor y la manera de contarla es novedosa, no tanto por la diferencia de edades de los protagonistas ni por reflejar ambos mundos solitarios, aunque vivan en un contexto urbano y con mucha gente rodeándote, sino porque su encuentro llega a través de los sueños, de la magia del subconsciente, de lo inexplicable, y les ata tanto que no pueden separarse, aunque tarden en encontrarse. El ambiente de su relación es poco propicio, un matadero de vacas. No se corta la directora en enseñarnos la forma de sacrificarlas, y lo primero que piensas es en hacerte vegetariano.
Lo que opina Ana:

Original historia de amor  entre una asperger y un hombre cercano a la jubilación al que parecen habérsele acabado las oportunidades de volver a sentir la locura del amor, ambos acaban uniéndose a través de un sueño común que cada noche les acerca hasta hacerles desearse con toda su fuerza. La historia avanza de forma enigmática, pareja a los sueños recurrentes de sus protagonistas y a la monotonía de la vida en el matadero en el que ambos trabajan, él como director de personal y ella como inspectora técnica. Me pareció una gran película.

El tercer asesinato. Dir. Hirokazu Kore-Eda

Ni es una película típica de Kore-eda, de asuntos familiares tratados con la delicadeza y los matices que enriquecen el universo que quiere mostrarnos, ni es una película fácil de ver. Hace alarde de su dominio en el uso de los recursos cinematográficos: reflejos y duplicidades, imágenes que se vislumbran pero no se ven, saltos narrativos que dan dinamismo a lo que se cuenta, pero se adentra en un género hoy en día no muy frecuente, el de los juicios, el de las defensas, jueces, abogados, testigos y acusados, aunque con el matiz de que no sabemos, ni lo sabremos, si se hace justicia, qué es hacer justicia, quién es el culpable y qué castigo merece. Por eso la película termina con un plano cenital en el que se ve al protagonista en un cruce de calles, en medio, sin saber qué camino tomar. Puede que las dos horas se alarguen demasiado; ahora bien, es cine hecho con dedicación, conocimiento y propósito.
Lo que opina Ana:

Thriller en el que se juega con los conceptos de verdad y mentira, de justicia y delito. Recurso a muchos planos psicológicos, a composiciones turbadoras que juegan con la realidad, no hay respuestas firmes a las preguntas que provoca la trama, se permite la interpretación personal del espectador, que sea él quien recomponga la realidad, ya que nada constituye una verdad infalible.

Handia. Dir. Aitor Arregui y Jon Garaño

Seguramente sea lenta y le falte ritmo, aunque lo que más desajustado me pareció fue la grandilocuencia en la forma de narrar, sobre todo visual: esas tomas aéreas de los paisajes casi como si fuera un documental, ese afán de postal de pueblos, ciudades y calles no encaja bien con la historia, una historia triste de dos fracasos, el de los dos hermanos, uno porque le agrede su propio físico, el otro porque su mente no le deja asentarse en ningún sitio. Tal vez necesitaba un relato más íntimo, más sentido. De todas formas se ve y se oye bien (el euskera es duro de oído). Han hecho un gran esfuerzo económico para reproducir las escenas de guerra (de la primera carlista), de vestimentas, formas de vida y ambientación general. Tal vez, incluso, peque de ello.
Lo que opina Ana:

La historia de un gigante convertido en atracción de feria, ésta es la historia que Handia nos presenta. Estamos en la España isabelina, en una España en la que el carlismo ha sido derrotado y vamos a transitar en medio de aquella sociedad contemplando desde las duras condiciones de vida en los caseríos vascos hasta la modernidad de la corte, viajando a Inglaterra, Francia y Lisboa, moviéndonos con el carromato de los feriantes. Los paisajes serán protagonistas, quizá en exceso. Lo que más me ha gustado es la recreación de la época, lo que menos el ritmo a veces cansino. La historia avanza y retrocede jugando con los tiempos, desvelando poco a poco el destino de sus protagonistas. El euskera entona bien sus realidades y ese duro mundo rural privado de futuro.

La librería. Dirª Isabel Coixet

La vimos en pre estreno en una sala abarrotada de los cines Conde-Duque Alberto Aguilera. Es una película con muy buen propósito, una película humanista, con un texto de un gran nivel literario en casi todo el metraje, pero es un poco lenta, se para de repente y los actores quedan como congelados. Puede que sea el ritmo narrativo que Coixet quiere darle para que vaya calando poco a poco el propósito firme y decidido de esta mujer que contra viento y marea quiere que haya una librería como es debido (¡qué bonita es!) en ese pequeño pueblo de Inglaterra. A Boyero, no muy afín a Coiexet últimamente, le enamoró.
Lo que opina Ana:

Isabel Coixet compone una cuidada oda a la lectura  a través de la adaptación de una novela de Penelope Fitzgerald. Mantiene la estructura de un cuento en el que sus personajes son  maniqueos, los malos siempre tratando de disfrazarlo, pero insaciables en su afán de mantener el poder. El ritmo es lento, a mí no llegó a atraparme, las críticas la han ensalzado y me alegro  aunque no me pueda sumar a tanto alborozo como ha despertado.

Amor a la siciliana de PIF (Pierfrancesco Diliberto)

Lo que opina Ana:

El director, actor y guionista Pierfrancesco Diliberto, PIF, construye una película al más puro estilo bufo italiano, lo peor  entronca con Benigni, cuando compone un edulcorado melodrama lacrimógeno, cuando exagera las notas burlescas de sus personajes (la pronunciación de “water” es un ejemplo), las notas fellinianas tienen más vuelo (el duelo entre una estatua de la Madonna y del Duce, acarreadas por dos ancianos en su huida al refugio antiaéreo o el pedestre radar humano para detectar los bombardeos) Alcanza momentos de lirismo en sus imágenes, especialmente en la descripción de Sicilia . Es desigual, pero va ganando altura, se le perdona todo ante el alegato final, la denuncia política es contundente  a pesar de haberla planteado con ese tono burlesco, a través de unos personajes muy simples que acaban ganando cuerpo, al estilo, esta vez,  del gran Charlot.

Emilio.  Lo raro es que una película con un tono tan bufo que incluso a veces roza el ridículo, tenga una finalidad tan contundente. Denunciar cómo EE. UU. fortaleció a la Mafia en Sicilia mientras la Mafia ayudaba a los EE. UU. a consolidar su dominio  sobre la isla durante la II Guerra Mundial. Por no dejarlo en una cuestión meramente cinematográfica, el director aporta documentos de algún oficial norteamericano que denunció este peligro sin que le hicieran caso. Esto es lo que cuenta de la película, dejando de lado el aspecto forzadamente tontorrón del protagonista y alguna escena surrealista, como la lucha a golpes entre una imagen de Mussolini con el brazo en alto contra otra de la Virgen con los brazos abiertos. Sin palabras.

La suerte de los Logan. Dir. Steven Soderbergh

Sería una lástima que esta comedia tan bien construida y desarrollada, basada en un excelente guión y en una realización que mantiene el tono entre sarcástico y dramático, sin caer en edulcoradas y relamidas escenas ni en trágicas situaciones no tuviera los espectadores que merece. Es muy difícil hacer lo que ha hecho Steven Soderbergh, y además pasas un gran rato de cine. Debería funcionar el boca oído.
Lo que opina Ana:

Divertidísima, con un guión perfecto, unas actuaciones estupendas y un sentido del humor  ácido y negro que pone en solfa la mediocridad del  estilo de vida americano en los ámbitos alejados de las grandes ciudades. Tiene momentos que recuerdan a Miss Sunshine, con una niña  a la que su madre quiere convertir en una estrella y otros a Comanchería, por la rebelión de unos hermanos contra su destino. 

Blade Runner 2049. Dir. Denis Villeneuve

Cometimos el error de ir a ver el día anterior la Blade Runner de verdad, la de 1982. La magia se volvió a repetir. Cine en estado puro. Cine en estado de gracia.

Al día siguiente fue todo lo contrario. Larga sin razón, falta de coherencia, repetitiva como si estuviera unida a trozos con retales usados. Hay escenas que deberían haberse suprimido (los mamporros entre Ryan Gosling y Harrison Ford) de lo malas que son. El final no tiene nada que ver con el Blade Runner de verdad, con esa misteriosa palomita de papel y mucho menos con el discurso  del replicante Roy mientras agoniza. En la de 2049, el final es igual de plano, de falto de imaginación y de falta de grandeza que todo el resto de la película.
Lo que opina Ana:

El día anterior habíamos ido a ver la original Blade Runner por disfrutarla otra vez antes de meternos en la nueva historia . En esta ocasión la sentencia es absolutamente cierta cuando afirma que nunca segundas partes fueron buenas, Villeneuve destruye toda la poesía, la magia cautivadora de la película de Ridley Scott, se lanza a recrear un universo en destrucción 30 años más tarde del que representaba la película original y no consigue más que aburrir, es puro fuego de artificio, no tiene ningún interés.

¡Lumière! Comienza la aventura. Dir. Thierry Frémaux

Hay que agradecer al director de Cannes y responsable de esta película que haya rescatado estas 108 grabaciones de los hermanos Lumière y su equipo, rodadas entre 1895 y 1905, que las hayan restaurado estupendamente y que nos las hayan explicado, agrupándolas y enseñándonos los avances que ya tenían en este nuevo lenguaje que estaba naciendo entonces. Es una deliciosa lección de cine, muy recomendable sobre todo para los que les guste este arte.
Lo que opina Ana:

Te quedas hipnotizado ante la pantalla viendo estas imágenes de los albores del cine. Thierry Frémaux, director del festival de Cannes y del Instituto Lumière de Lyon, rinde homenaje a los padres del séptimo arte a través de la narración, con mirada  de cinéfilo, de 108 de sus películas, primorosamente restauradas y preservadas. Ordena la narración a través de bloques temáticos que engloban escenas familiares, de trabajo, diversión y de crónica de actualidad. Consigue realizar con su puesta en escena un gran documental de lo que era Francia y el mundo al acabar el siglo XIX y al despuntar el XX.

Es una delicia , te quedas con las ganas de que nos vuelva a dar una lección de cine utilizando el ingente material de archivo del Instituto Lumière, que esta película se convierta en el inicio de una serie. Yo estoy deseando que salga a la venta, para guardarla como un tesoro en casa y poder verla  repetidas veces,  deteniéndome a disfrutar cada una de estas cortitas obras de arte.

El último traje. Dir. Pablo Solarz

La historia es interesante y seguramente posible. Un judío argentino de origen polaco regresa a sus orígenes a encontrarse con la persona que muchos años antes le salvó la vida en plena barbarie nazi. El problema es su desarrollo, con un protagonista sobreactuado y unos encuentros inverosímiles, cada uno más imposible que el anterior. Se alarga demasiado la película y hay partes que no sólo sobran, sino que distorsionan y ridiculizan el significado principal (casi todo lo que protagoniza Ángela Molina, por ejemplo). El rodaje ha debido ser caro: muchos actores, muchos escenarios de países diferentes.
Lo que opina Ana:

Se trataría de un buen cuento, si hubiera estado bien contado. Es una pena que se le escape el relato, que rechine a cada paso, que no nos haga aceptar como espectadores los códigos del cuento. El actor principal, Miguel Ángel Solá, está sobreactuado, Ángela Molina se convierte en un esperpento y así todos los personajes que aparecen en este largo viaje.

Madre!. Dir. Darren Aronofsky

Hay películas en las que importa más el qué que el cómo. Más el significado que su realización y si ese significado, además, está sujeto a muchas interpretaciones, y no es el que ves, sino que es otro, más enrevesado se acentúa ese aspecto; pues bien, "Madre!" es un excelente ejemplo. Dejando aparte lo que es esencial al cine: interpretación, fotografía, tono, ritmo y guión, éste último marca tanto el carácter de la película que a mi a los 15 o 20 minutos ya me había dejado de interesar. Es lo que pasa a veces, que una buena película  tiene un mensaje tan abstruso y una forma tan peculiar de trasmitirlo, que no entras en ella.
Lo que opina Ana:

Partiendo de una  visión bíblica, Aronofsky se atreve a reinterpretar   la historia de la humanidad desde el punto de vista de la madre tierra, con un marcado carácter catastrofista.  Hace culpable a Adán y Eva de todos los males que sufre la tierra, son los destructores del paraíso terrenal, la tierra, indefensa y enamorada de su creador, aguanta todo lo que le viene encima hasta acabar destrozada.

Para relatar este panorama desolador, en el que se ven muchos pasajes de la historia, referencias a las guerras, la esclavitud, el abuso de poder, la sobrepoblación, la conjura de los desposeídos, la lucha por la igualdad, la falta de respeto, la muerte del Mesías, el director planifica un paraíso encerrado en el interior de una vivienda aislada, donde viven sin entenderse el Creador  y su universo, su inspiración, su mejor obra, la Madre Tierra, pura, atractiva, entregada, la que no ceja en desvelos por permitirle a Él seguir creando la perfección. Nos lleva a un universo de opresión y absurdo que recuerda al “Ángel Exterminador “de Buñuel y en otros momentos, la agonía de la madre tierra  se transforma en el terror  presentado por Polanski en “la semilla del diablo”

Es una película para irla digiriendo en reposo, exige reflexión. 

La cordillera. Dir. Santiago Mitre

Cine político, entremezclado con una trama familiar. En "Las Confesiones", de Roberto Andò, con Toni Servillo como monje cartujo, altos responsables económicos se reunían en un hotel y allí se proponían diseñar a su antojo el mapa económico mundial. Aquí son políticos latioamericanos, están en un hotel de una estación de invierno en Chile y se proponen controlar el gran sueño de todos los países, ser el dueño del petróleo. En este hotel, en las habitaciones y en sus salones se fraguan los acuerdos y las traiciones. Esto es lo que quiere destacar la película: lo oculto y corrupto que inevitablemente tiene la política internacional. El otro aspecto en el que se fija en director es en  el historial mafioso y sospechoso de estos personajes. En concreto del representado por Ricardo Darín, como presidente de Argentina. Desgraciadamente no funciona este propósito de denuncia ni le ayuda la cuestión familiar, casi al contrario. Resulta ser una película desequilibrada, que quería ser algo grande y se queda en una urdimbre de poca relevancia.
Lo que opina Ana:

Si no llega a ser porque Darín, con su presencia, revive cualquier pantalla, me habría aburrido soberanamente. Las dos historias paralelas que se plantean no tienen fuste, todo es demasiado obvio, la intriga política no resulta intrigante. Una vez más se nos dice que los políticos no son más que marionetas sin principios, pero para eso no hace falta tanta vuelta de tuerca, tanto paisaje alpino con curvas, esas metáforas visuales son demasiado obvias y la música que las acompaña casi levanta dolor de cabeza.

Converso. Dir. David Arratibel

Este documental familiar dura una hora y es lo justo. Está bien organizado en sus partes, cuenta con testimonios de gran fuerza, la hermana del director María Arratibel llena ella sola la pantalla, y lo que pone sobre la mesa es algo importante, más si te ocurre a ti: la conversión en masa de tu familia en ferviente católica, no siéndolo antes. Quedan algunas dudas: qué pasa con la historia del padre, al que dedica la película. Los espectadores estaban muy entregados a la causa (conversos ellos, parecía) y una señora llevaba una bandera de España, mezclando churras con merinas.
Lo que opina Ana:

Documental introspectivo pero abierto al exterior. Parece que su autor busca exponer sus miedos, afrontarlos a través del diálogo, preguntando  y tratando de entender. Lo estructura en pequeños capítulos en los que nos va presentando a los personajes, todos muy cercanos ya que está retratando el proceso de conversión o reconversión de sus grupo familiar a la fe católica. La película tiene ritmo y está bien construida. Como espectador puede producirte a veces un poco de pudor meterte en sus vidas y a veces indiferencia. La sala estaba llena de fervientes creyentes que salían muy contentos del cine.

Bye Bye Germany. Dir. Sam Garbarski

Javier Ocaña, dejando aparte lo que él llama un par de resbalones, valora positivamente este peculiar modo de ver a los judíos supervivientes del Holocausto. Es un punto de vista curioso, desde luego, el del humor socarrón mezclado con los recuerdos trágicos de su paso por los campos de concentración. Ya solo la forma de sobrevivir del protagonista en esas circunstancias es rara: contando chistes. 

Uno de los rasgos judíos por excelencia, hacer negocios, aparece en la Alemania recién liberada. Negocios sin plantearse los engaños que haya que emplear, aunque sean de dudosa moralidad; los alemanes se lo merecen. Y todo para una sola meta: conseguir el dinero para emigrar a América. ¿Por qué quedarse en Alemania después de lo ocurrido? Pues parece que bastante optaron por quedarse. Película entretenida y recomendable.
Lo que opina Ana:

Buena recreación de estudio de la Alemania de la inmediata postguerra. Se trata con humor, uno de los rasgos definitorios de la cultura judía, la dura realidad de unos supervivientes del Holocausto que continúan  viviendo en Alemania al acabar la guerra. La vida sigue, aunque esté muy damnificada, buena imagen de ello es el comienzo de la película, protagonizado por un perro cojo, obstinado en continuar callejeando como si no estuviera amputado, como si nada hubiera pasado. Se entremezclan los sentimientos, la alegría de estar vivos, los dolorosos recuerdos, la esperanza de abandonar pronto esa tierra de dolor para iniciar una nueva vida en busca del sueño americano.

La película tiene altos y bajos, pero se ve con agrado.

Hotel Cambridge. Dirª Eliane Caffé

¿Película de ficción? ¿Documental? Una mezcla. Dinámica, con una clara determinación estética, socialmente comprometida, mosaico de personalidades de todas las partes del mundo, utopía frágil de convivencia de los desamparados, finalmente abortada por el orden (la policía). Dos preguntas: ¿a dónde irán estos okupas y refugiados después de evacuar a la fuerza el hotel? Y, cuando nosotros la vemos, si vamos más allá de lo cinematográfico, ¿nos sirve para algo más?. Yo creo que no, pero aconsejo verla, claro.
Lo que opina Ana:

Una historia que vuelve a dar protagonismo a los sin techo, dignidad a los que se intenta dejar fuera del sistema, voz y presencia a los que se ignora. En un viejo hotel abandonado en el centro de São Paulo viven, organizados en comuna asamblearia un variopinto grupo de personas que engloba a gentes muy diferentes, con una importante representación de  inmigrantes que huyen de la guerra, de la pobreza, de la persecución política. La cámara va guiándonos por los vericuetos de ese gran edificio ocupado, que ha recobrado la vida y nos muestra  pequeñas y grandes historias, las que esconden sus nuevos moradores. Se abre al exterior gracias a Skype, saltamos a Palestina, viajamos al Congo, a México. Subimos y bajamos escaleras entramos en algunas  habitaciones, asistimos a sus asambleas, admiramos a algunos de sus personajes, Dona Carmen  se convierte en una  Marianne negra liderando la lucha. Salimos con la alegría de haber descubierto una voz desconocida, extraordinaria, la de la colombiana Lucía Pulido.  Disfrutamos de una coreografía maravillosa de mujeres danzantes, nos enternecemos con la historia de la elefanta Baba y deseamos que este movimiento autogestionario que nace del pueblo consiga sus objetivos. Se confunden los actores profesionales con los que sólo son ellos mismos ante la cámara y se produce una simbiosis perfecta. 

A war (una guerra). Dir. Tobias Lindholm

Película danesa de 2015. Plantea un asunto interesante: la intervención de tropas de ese país en Afganistán para, en teoría, luchar contra los talibanes, pacificar el país y proteger a la población. Esto es lo que quiere trasmitir el comandante del destacamento y protagonista. Este mensaje choca con la realidad, una realidad incomprensible para ellos y que acarrea la muerte tanto de los soldados como de civiles inocentes. Aquí se plantea no solo un problema legal-la responsabilidad jurídica, penal, ante esas muertes inocentes-, también está presente la responsabilidad moral.

Este ambicioso propósito no se logra en la película por falta de tensión dramática, de continuidad en la narración y de claridad expositiva. De todas formas se puede ver. El director ha tratado de representar esta problemática realidad con todos los medios a su disposición, otra cosa es conseguir una gran película. Está rodada en Dinamarca, Turquía, Jordania y España.
Lo que opina Ana:

Bien intencionada pero en mi opinión fallida en el sentido de que resulta confusa, me pierdo cuando relata las escaramuzas de los soldados daneses en tierras afganas; tampoco logra atraerme con la presentación de la vida familiar, de una esposa abnegada al cargo de tres hijos. Cuando llega el momento del juicio, el relato no ha conseguido generar tensión, no lo sigo  de manera apasionada, me importa poco lo que pueda pasar, no he entrado en la historia, no me ha conmovido. Mientras que en  “La caza”  Lindholm, como guionista, consiguió  crear una tensión creciente y un clima de desasosiego desde el arranque de la película, manteniendo al espectador expectante con el destino de su protagonista, aquí  no ha sido posible.

Detroit. Dirª Kathryn Bigelow

Kathryn Bigelow es una directora valiente, aborda los asuntos espinosos (guerra de Irak, apresamiento de Bin Laden) con rotundidad y sin paños calientes. Aquí todavía están más presentes estas características, porque narra cosas de su propio país, en su propio país: la desigualdad racial, los conflictos que genera y los estallidos de ira y violencia que provoca. En concreto se centra en el verano de 1967, pero, ella lo ha dicho, valdría para ahora mismo, porque la situación no se ha arreglado. No es posible mantener una tensión tan fuerte las dos horas largas que dura, y por eso puede que tenga algún bajón, pero es tan real, con imágenes de la época intercaladas, que a veces tienes la sensación de estar viviendo los hechos, de estar allí mismo, en esas calles, en ese hotel. Película recomendable.
Lo que opina Ana:

Una mínima introducción animada nos recuerda la huida de población negra del sur, a finales del siglo XIX, buscando la libertad en las industriosas ciudades del norte, buscando la ansiada y prometida igualdad;  la directora sienta así las bases del relato, se traslada entonces a 1967, Detroit, disturbios raciales, explosión creciente de violencia, promesas incumplidas, segregación. Va presentando a los personajes, los va perfilando, hasta enfrentarlos en unas horas de terror, en las que estallará un odio sin límites. La tesis argumental está descrita, sólo queda demostrarla con la sesión del juicio. La evidencia está clara, EEUU sigue siendo una democracia blanca que posterga a los que no lo son. Dramáticamente actual, la lucha por la igualdad continúa y los actos de barbarie también. 

Barry Seal: el traficante. Dir. Doug Liman

Bien considerada por los críticos. Si no fuera porque te dicen al principio que está basada en hechos reales, no te lo creerías. La historia de este personaje es todo menos creíble. De piloto de avión a espía y traficante, sirviendo al F.B.I. y a los narcotraficantes. De tanto dinero como ganaba lo tenía que esconder debajo de la hierba del jardín de su casa. Como el negocio prosperaba tuvo su propia flotilla de pilotos, y todo esto sin que la C.I.A. lo supiera detectar hasta muy tarde. Un tipo tan atrevido no podía acabar bien; esto en la película el propio protagonista, Tom Cruise, lo asume con naturalidad.

La estética de la película opta por un tono desenfadado y una presentación pop, música incluida. La CIA, la DEA y el gobierno americano no quedan muy bien parados.
Lo que opina Ana:

En este caso se cumple el dicho que afirma que la realidad supera a la ficción; el personaje de Barry Seal parece sacado de la imaginación de un guionista, o de la mente de un escritor  de novelas  de suspense, pero es un personaje real, eso es lo que da más fuerza a la película. Rodada a modo de documental  para recrear la forja de un personaje sin escrúpulos, un hombre movido por la avidez  y que acabará siendo manejado como una marioneta, sin posibilidad de escapar a su destino. De fondo, los sucios manejos del gobierno estadounidense, las conexiones entre el tráfico de armas, el tráfico de drogas, el movimiento sandinista, la contra… un sinfín de negocios sucios, de política sucia. ¡Qué miedo dan los que están en posición de cortar el bacalao!  

La decisión del rey. Dir. Erik Poppe

Película noruega que ensalza la actitud del rey Haakon VII ante la invasión nazi en abril de 1940. Es una defensa a través de este personaje de la monarquía democrática de base parlamentaria y popular (republicanos abstenerse). Además te ilustra sobre el papel del parlamento, del gobierno, de Quisling el golpista y colaboracionista, y del embajador alemán en Oslo, contrario a la invasión y respetuoso de la neutralidad noruega. Peca de un pequeño patriotismo (nada comparado a Dunkerque y mucho menos a Churchill), pero sobre todo es demasiado larga innecesariamente. Está hecha con honestidad,tratando de reflejar lo más fielmente lo que sucedió.

Cézanne y yo. Dir. Daniéle Thompson

No hay que esperar mucho en el plano cinematográfico de esta película, sí sirve para conocer unas relaciones y los rasgos del carácter de dos grandes artistas. Por ejemplo, de Zola yo no sabía nada. De Cézanne un poco más, pero no que fuera tan borde. Para dar agilidad a la historia, el director usa los saltos temporales, vamos del final al principio varias veces, pero tampoco ayuda mucho a levantar el vuelo de esta película, que requería otro tratamiento para convertirla en un referente. Difícil era desde luego.
Lo que opina Ana:

Académica en todos los sentidos, no alcanza el vuelo libre en ningún momento, se queda encorsetada y es una pena porque los  personajes de los que habla tienen fuerza suficiente como para haberlos tratado de otra manera. Se ve, se aprecia el viaje al pasado, pero no emociona. En nada mejora a una buena biografía, aunque sí despierta el interés por leer alguna sobre ellos.

La seducción de Sofia Coppola

Lo que opina Ana:

Sea o no un remake, Sofía Coppola consigue crear su propio universo para relatarnos esta historia cuidada al detalle. Fotografía unos espacios claustrofóbicos, desde el bosque amenazante, al interior de ese palacete palladiano del sur esclavista, en plena guerra de Secesión.

Cuando no parece haber horizontes, la llegada de un cabo yankee , herido, pero que conserva intacta su atractiva masculinidad , destapará los deseos de las niñas y mujeres confinadas en una recóndita escuela para señoritas. Sofía Coppola  nos dará su versión, su óptica femenina de esa explosión de sentimientos y los retratará con cuidada elegancia. El espectador disfrutará de cada escena, compuesta milimétricamente, de sus luces y vestuario, aunque la historia no llegue a convertirse en el drama que a veces parece anticipar. 

Emilio. Algunos críticos consideran que esta película tiene un rango inferior dentro de la filmografía de la directora, a mi me parece que no, que tiene todos los ingredientes de su cine, que es el cuidado minucioso en reflejar ambientes, épocas y personajes, con una fotografía excelente y una música siempre en su sitio. No he visto la de 1971 de Don Siegel y no puedo comparar. No sé si será como esta, en realidad un cuento de terror, disfrazado de relato de época dentro de la Guerra de Secesión de los EE. UU. No me extraña que la gente esté respondiendo. Y una cosa. En los títulos de crédito, las actrices y los actores van después de todo el equipo de producción, incluida,claro está, la directora, así se marca bien quien es quien en la película.

Abracadabra de Pablo Berger

Lo que opina Ana:

Pablo Berger vuelve a componer un retrato magistral de la España cañí, esta vez usando una paleta encendida que se regodea en la atmósfera kitsch en la que viven sumidos sus protagonistas, habitantes del extrarradio madrileño. Las imágenes son hipnóticas, como el hilo conductor de la película. Como espectadora, me dejé transportar y disfruté hasta que llegó el momento de cerrar la historia y me quedé con la pena de sentir que se desmoronaba, que se esfumaba su brillante estela.  No ha sabido engranar la carga de crítica  social  que contiene con el universo de fantasía  y se rompe recurriendo a una metáfora poco lograda.

Excelentes son todas las interpretaciones, desde las de los tres protagonistas, Maribel Verdú, Antonio de la Torre y José Mota, hasta las de todos los secundarios, Julián Villagrán consigue un momento delirante al contarnos el crimen de Carabanchel y José María Pou enciende la pantalla con cada una de sus apariciones. 

Emilio. Es una comedia negra, conscientemente basta y hortera. Tal vez somos así. Berger ha hecho otro retrato en oscuro, casi costumbrista, de la España cañí, machista y vulgar. Como es un gran director, sabe narrar la historia perfectamente, con cortes precisos y un gran montaje. Otra cosa es la parte onírica, ese sueño final en blanco inmaculado por el que queda liberada la oprimida mujer. Esa parte no termina de encajar bien con todo lo anterior. Es un poco un salto al vacío y queda regular. Los actores, todos, estupendos.

Sieranevada de Christi Puiu

Lo que opina Ana:

Prodigiosos encuadres de cámara para meternos en el interior de una vivienda que por momentos se asemeja al camarote de los hermanos Marx. Es una película muy difícil de realizar, prácticamente rodada en un minúsculo interior superpoblado, con diálogos incesantes durante tres horas. Cristi Puiu lo consigue, nos mantiene atentos al respirar de esa familia rumana que recuerda y conmemora a quien fue marido, cuñado, padre o tío de los que por allí  desfilan. Hay que verla en versión original, pero en este caso resulta a veces difícil seguir todos los pormenores y pensamientos de cada uno de los protagonistas, a veces te pierdes entre sus cuitas. Mezcla sentimientos personales con una descripción crítica de la Rumanía actual, combina humor  y acritud, te deja un sabor amargo. Yo le comentaba a Emilio que siempre salgo de las películas rumanas con la sensación de que Rumanía no es un buen lugar para vivir.

Emilio. Fue la última película que vimos antes de irnos de vacaciones. Estaba recién estrenada casi, y ahora, ya en septiembre, está colocada la segunda en la calificación de los críticos. Hace días se la ponía de ejemplo de cómo incluir asuntos de actualidad (el atentado contra Charlie Hebdo en París a comienzos de 2015) dentro del guión de una película. Da la sensación de ser un plano secuencia, aunque no lo es, porque la acción se desarrolla en el tiempo real que dura la ceremonia, un acto religioso en recuerdo del padre fallecido, celebrado en la casa familiar, al que acuden, además del pope y su séquito, familiares y conocidos. En ese ambiente bastante angosto entran y salen de las habitaciones los personajes, con sus historias antiguas y de ese momento, en un ir y venir continuo, en el que la cámara de Puiu se maneja de forma increíble. ¿Qué quiere trasmitir el director? No lo sé, sí sé que que es una película difícil y que está hecha con maestría, pese a sus 173 minutos de duración.

Dunkerque. Dir. Christopher Nolan

Una gran película bélica con varios protagonistas como anclaje emocional en los diferentes escenarios que se van entrelazando con gran maestría, para que al final confluyan de alguna manera. Prodigiosos rodajes en tierra, mar y aire (sobre todo aire).

Alabanzas merecidas, cinco estrellas en Metrópolis, Boyero se suma a ellas: "...te mantiene en vilo, desprende verdad". Pero yo tengo un pero importante. Es muy patriotera. Algunas críticas han señalado que Churchill no sale bien parado por abandonar casi a las tropas en esa ratonera y dejar de lado a los franceses, pero son muy suaves esas referencias. Sí, muy muy patriotera. Yo no sé si decir, muy Brexit.
Lo que opina Ana:

Por tierra, mar y aire vamos a sentir la angustia de los soldados británicos  de retirada  en Dunkerque tras haber sufrido el  aplastante  poder de las tropas nazis al comienzo de la II Guerra Mundial. Casi sin diálogos, las imágenes son capaces de transmitirnos toda la angustia  concentrada junto a las costas francesas, Inglaterra está a tiro de piedra, casi puede verse y, sin embargo, alcanzarla parece una tarea de titanes. Emilio se quejaba del tono sumamente patriótico que respira la película, a mí no me molestó, me parece razonable, responde a la realidad del momento, Inglaterra estaba a punto de quedarse sola frente a una Alemania que lo engullía todo, destrozando los ideales de la vieja Europa democrática, Churchill  iba a declarar urbi et orbi su famosa sentencia de sólo puedo pediros sangre, sudor y lágrimas; eso es lo que vemos, una huida que no es vergonzante, un rescate que tiene como objetivo reorganizarse para el gran combate, la batalla de Inglaterra va a comenzar,

El director utiliza un lenguaje estructurado en tres tiempos, el de los que están en tierra, que llevan una semana de angustiosa espera, oteando el horizonte en busca de su salvación, el del mar, concentrado en una jornada de salvamento en la que participan todo tipo de pequeñas naves de recreo y pesca y el del aire, limitado a una hora de auxilio heroico entre David y Goliat. Sabrá entretejer la historia, ir fundiendo esas tres perspectivas temporales  y meternos de lleno dentro  de ese escenario infernal. Gran película.

Kedi (gatos de Estambul)

Para ser un documental tan particular, había bastante gente en la sala, seguramente se une la atracción de la ciudad y el amor gatuno. En una Estambul bastante occidentalizada sociológicamente, la directora y guionista (y productora) hace un canto a los gatos como animales benéficos, sanadores, inteligentes y de fuerte personalidad . No hace una visita turística, que podría porque en mezquitas, palacios, parques históricos y cementerios famosos también hay gatos, los vemos más en las calles, en los mercados, en las casas, en los talleres, en las tiendas, en los restaurantes y sus terrazas y cerca siempre del Bósforo y del Cuerno de Oro. Los gatos, hay que reconocerlo, saben posar.

La guerra del planeta de los simios. Dir. Matt Reeves

Titula Javier Ocaña su crítica "Gravedad sin imposturas". Pues yo veo bastantes "imposturas" que dan al traste con la coherencia de lo que se cuenta. Empieza bien, en el bosque ecuatorial, territorio y refugio de los simios. Los humanos van de batida contra ellos, la lucha se desata. A partir de lo que allí sucede, la historia cambia de rumbo y de escenario. Los perseguidos se convierten en perseguidores, y ya no hay selva, sólo frío y nieve. En este contexto, un poco forzado, llegan esas "imposturas". La aparición y papel  de la niña, una; la aparición y papel del simio gracioso del zoo, dos; la tonta captura del jefe simio, tres; y, ya por terminar, las conversaciones y el propio hecho de que se produzcan entre un simio capturado y esclavo (César) y el humano que manda las tropas (el Coronel). Estas conversaciones son indescriptibles, rayan lo ridículo, en forma y fondo. Ya después de esto te da igual lo que pase y los significados bíblicos que quiera el director dar a lo narrado.

Baby driver. Dir. Edgar Wright

Comparar esta película a "Drive" es un disparate. Aquella es un peliculón y esta es un entretenimiento. La historia, los protagonistas, la forma de contarla, todo es diferente. El que la música sea en las dos una pieza clave (aquí como referencia de la personalidad del protagonista), y que los coches sean la herramienta de trabajo (delictivo), no significa que estemos hablando del mismo nivel de calidad. En esta película todo está sobreactuado. La otra era más sórdida, más real. Esta va de lo tontorrón al desenfreno de balazos. Los flashback son como pinceladas naïf, y algunas historias son insostenibles (la del negro y el chico). Y para colmo, políticamente correcta. No comparen por favor.

Estados unidos del amor. Dir. Tomasz Wasilewski

La película debería llamarse "Estados unidos de la desgracia". El director quería retratar la represión implícita que conlleva un sistema comunista (él detesta este sistema), incluso cuando ya ha sido derrocado. Por eso sitúa la acción en Polonia, en 1990. Pero le ha salido otra cosa, más interesante creo yo, que es la desgracia que conlleva los anhelos y deseos no realizados. Es verdad que los bloques de hormigón de extrarradio donde viven varios protagonistas son típicos de las ciudades comunistas, aunque podríamos encontrarlos en muchas ciudades no comunistas también. Lo que hace a esta película crecer es cómo el director narra este cruce de historias, cómo uniformiza ese ambiente desolado, donde hasta los momentos de festejo son tristes. La fotografía, sin brillo, sin luz, todo tonos desvaídos, acentúa la desesperanza. Sales del cine tocado, pero según pasa el tiempo te vas dando cuenta de lo bien que ha sabido Wasilewski contar estas vidas imposibles (sea un país postcomunista o no ).
Lo que opina Ana:

Fría, triste, cuatro mujeres, cuatro historias de amor enfermizo, de amores imposibles, de paranoia. El director relata, componiendo cada plano como una composición pictórica, juega con los colores, los vuelve fríos, como su relato. Utiliza planos psicológicos para transmitir la tristeza, una tristeza anidada tan honda que no permite la esperanza. No es apta para todos los públicos, las dos mujeres que estaban sentadas a mi lado, al acabar se fueron de la sala echando pestes, les pareció un quiero y no puedo, un fiasco. Para nada lo es, tiene un buen lenguaje cinematográfico, un buen guión y excelentes interpretaciones.

Su mejor historia. Dir. Lone Scherfig

La vi en preestreno a finales de junio, hace casi un mes. Me pareció entonces una película que progresaba a trompicones. Ambientada en Londres (y luego en la costa de Dover) durante la II Guerra Mundial, mezcla varias historias, sin que ninguna cobre una entidad fuerte y con un encaje entre ellas que chirría. Hay una parte que podríamos llamar feminista, la de la protagonista, que en los duros tiempos de los bombardeos alemanes y del racionamiento se impone sobre su pareja, un pintor en horas bajas, que la considera poco más que una antigua modelo. La historia principal es la elaboración de una película de propaganda que ensalce los valores británicos y escogen algo heroico relacionado con Dunkerke (parece estar de moda). Toques melodramáticos en una historia de amor, eslóganes sobre cómo atraer la atención del público y criterios sobre la fama son los componentes de esta parte. Se ve, pero podría haber sido más.

En este rincón del mundo. Dir. Sunao Katabuchi

Bastantes películas de animación japonesa manga tienen pasajes un poco naíf, demasiado infantiles. En este caso los hay, pero prevalece la historia, la de Suzu, que pasa de una infancia a comienzos de los años 30 del siglo XX humilde y placentera, a una adolescencia que a los 18 años termina en matrimonio, casi sin enterarse. La guerra tarda en aparecer en su vida, pero cuando lo hace no está dulcificada, y ahí esta lo más valioso de esta película. Reflejar la forma de vida tradicional japonesa, alterada dramáticamente a consecuencias de la II Guerra Mundial. Al final, el mensaje es que la vida sigue y hay que levantarse y continuar. Siempre habrá un motivo de alegría. Por supuesto, la calidad de los dibujos está descontada, la misma Suzu es o podría haber sido pintora.

Verano 1993. Dirª Carla Simón

Algunos dicen que es de las mejores películas que se han hecho en España el último año. Cuenta con dos niñas como protagonistas; una, la pequeña, es un encanto, se llama Anna (Paula Robles); la otra, un poco mayor, vive una situación muy compleja, y lo trasmite muy bien. Es Frida (Laia Artigas). La directora de manera indirecta nos cuenta todo lo que debemos saber, y ahí está su gran mérito. Es el espectador el que reconstruye la historia y se sumerge en ella al hacerlo. No era fácil hacer esta película y la directora lo ha conseguido con sabiduría, a pesar de ser su primera obra.
Lo que opina Ana:

Este primer largometraje de Carla Simón es una perla cultivada, consigue dar el tono adecuado a cada una de sus escenas para narrar una historia íntima, delicada, triste y esperanzadora, al mismo tiempo. Elige a Laia Artigas para el papel protagonista y acierta plenamente en su elección, la niña es capaz de transmitir los cambiantes estados de ánimo que afectan a su personaje. Su prima, Anna en la película, Paula Robles en la realidad, es otro prodigio, es el contrapunto alegre, la admiradora fiel, la dulce y bondadosa pequeña que admite al “enemigo” con agrado. Ésta es la segunda película catalana que nos visita, a mí me ha cautivado, sin duda quedará en mi selección entre las mejores películas del año.