La comuna. Dir. Thomas Vinterberg

A pesar de que el director vivió toda su adolescencia en una comuna (hasta los 19 años) no parece que se lo tome muy en serio en esta película. La decisión de formarla es casi al azar, la selección de los componentes es un poco peculiar (se lloras, entras) y la cuestión económica está ausente, eso que beben cervezas como bávaros, ¿quién las paga? ¿de qué viven? Allí parece venir el maná del cielo. Y luego están las relaciones. Comuna sí, pero en monogamia, y si pierdes en la disputa sentimental, te vas. Esperaba más.

El editor de libros. Dir. Michael Grandage

Es una película fría, académica en el sentido restrictivo. La historia, real según nos dicen al comienzo, es interesante. Un editor que lucha por sus escritores, y unos escritores enfermos de literatura y llenos de problemas económicos y psicológicos. Ya desde los primeros sonidos de acompañamiento de las imágenes sientes que el director se va a limitar a narrar lo recogido en un libro, no va a ir más allá. Está bien ambientada, es lenta, se remansa en muchas fases y es un poco repetitiva, pero a mi me entretuvo. Otro problema que hay es la actuación de los dos actores protagonistas, que exageran sus perfiles, uno en su pasividad hierática (Colin Firth) y el otro en su exageración histriónica (Jude Law).

Paterson. dir. Jim Jarmusch

Otra película sencilla en apariencia, que en seguida se ha colocado la primera en la lista de los críticos. Todos hablan bien de ella y de momento ha hecho efecto: la sala estaba llena y eran las 10,45 de un sábado.

Hay un matrimonio y un perro. Él es conductor de autobuses y poeta (poeta secreto). Aunque en los títulos de crédito se desvincula con cualquier persona real, es como si representara la identidad de William Carlos Williams, también de Paterson, con un libro de poemas titulado "Paterson", aunque él era médico. Todos los poemas que escribe y lee el protagonista son de él (todos menos uno). Ella, su mujer, quiere ser cantante country, es decoradora, se siente artista. Y el perro, un personaje más y no menor. Viven aceptando lo que tienen, perfectamente encajados en su vida cotidiana, respetándose sus sueños y aspiraciones.

De lunes a lunes vemos sus vidas, en el trabajo, en la casa, la del bar donde él acude todas las noches al sacar al perro. La vida de Paterson, ciudad y personaje, fluye.

Los críticos hablan de simetría, la del nombre del poeta real, la del ciclo diario de una vida común , la de la película. Vidas sencillas, obras maestras.

La volví a ver el 30 de julio de 2017 y volví a deleitarme viendo la recreación de una historia menor llena de encanto y maestría en el tono, en las imágenes, en la construcción de personajes, en los ambientes y en la traslación de la poesía a la pantalla.
Lo que opina Ana:

Una semana en la vida de un joven matrimonio de Paterson, pequeña ciudad de Nueva Jersey. Ésa es la historia, sus rutinas, sus aspiraciones y su vida junto a un perro que es la estrella de la película.

Ritmo recurrente, de la mañana a la noche repitiendo las mismas cosas en el caso del perro y Paterson, su amo, conductor de autobús y poeta. Variante para Laura, la esposa llena de proyectos, vitalista y alegre.

Hay que dejarse llevar y disfrutarla.

Después de la tormenta. Dir. Kore-eda Hirokazu

Ya sólo la dan en una sesión en los cines Golem. Es una película aparentemente sencilla. Narra la historia de un matrimonio separado con un hijo de once años. El padre no lo acepta del todo, la madre duda, y el hijo querría volver a verlos juntos. Después se abren las relaciones profesionales y las familiares y aquí aparece la abuela paterna, un personaje conocido de otras películas del director, que interpreta maravillosamente la actriz Kirin Kiki. El recuerdo del padre muerto del protagonista es una sombra siempre presente, para bien y para mal.

La grabación de la parte final en la casa diminuta de la madre es un prodigio de adaptación.

Cine de sentimientos, de vidas cotidianas, de rupturas y de personas a las que les cuesta madurar. Dice el director que es la obra que más refleja su propia historia. A mi me han gustado más otras películas suyas.
Lo que opina Ana:

Kore-Eda presenta su última película como la más autobiográfica de todas sus realizaciones. Vuelve a encontrarse con sus actores fetiche, entre ellos la excepcional Kirin Kiki que encarna otra vez a la madre anciana con toda su fuerza expresiva.

Es una historia menuda, ves pasar por ella la vida, no hay grandes tramas. Es un retrato familiar, con los personajes muy bien descritos y con valores universales, fácilmente comprensibles en cualquier lugar del mundo, por encima de rasgos culturales diferentes que puedan velarnos su comprensión.

1898 Los últimos de Filipinas

Tardé en ir a verla. Recibió críticas moderadas ( dos o tres estrellas). Boyero escribió que era una película buena "a secas". No sé qué diferencia hay entre a secas y no a secas.

A mi me parece una película mala. Y ya está. Mala por pretenciosa y grandilocuente, por tener un guión horroroso, y por no saber elegir el punto narrativo. No sabe decantarse ni por lo antimilitarista, son muy poco creíbles sus personajes, ni por lo patriótico, porque traería a la memoria la película del franquismo (Antonio Fernández-Román, 1945). Y hay escenas sonrojantes: la de la chica filipina que canta habaneras, enseña su desnudez y hace el amor en público es, aunque fuera cierta, tan de telefilme malo que con eso solo tendríamos para enjuiciar toda la película, pero hay más, bastante mas.
Lo que opina Ana:

Desde el primer momento sentí que acababa de sentarme a ver una bazofia, a pesar de toda su envoltura, de su fotografía y planificación de alto coste. En cuanto aparece la “puta” filipina, me entraron ganas de marcharme del cine. El lenguaje es anacrónico, los personajes no se analizan con su realidad de 1898, no encajan vistos con una perspectiva de comienzos del siglo XXI, todo chirría.

Parece que el director ha pensado “contrato un buen plantel de actores que se pongan al frente, me gasto una pasta gansa en la producción y ya está hecho”. Pues no es así, da mucha rabia que se despilfarre tanto en una película que en nada mejora a aquella  primera de época franquista, que al menos dejaba claras sus intenciones: hacer una loa sin mesura al sentimiento nacional, pero al menos cuando escuchábamos la habanera, podíamos disfrutarla.

Sólo me gustó el gran Karra Elejalde, que consigue darle algún brillo a tanta desmesura.

Animales nocturnos. Dir. Tom Ford

Hay una crítica hecha en un periódico de Murcia en la que se hace una interpretación un poco especial, decía que lo principal era la venganza de un hombre sobre una mujer y que para contarla se llevaba por delante las vidas que hiciera falta. Algunos críticos han acusado al director de abusar de encuadres y tomas demasiado preciosistas. No veo ese problema. Es preciosista en la parte que lo debe ser, cuando vemos la vida en el momento de la narración de la protagonista, una galerista en la cima del posmodernismo. El resto del relato es brutal casi todo. Una típica historia de delincuentes en el vacío de las carreteras de Texas, que como hienas caen sobre una familia incauta y débil. Pero no sabemos si es un relato verdadero o no. Está en la novela y transforma toda la realidad y da pie a la venganza aludida arriba. Las dos historias, incluso otras anudadas a éstas, están bien engarzadas Y el final nos deja ante una mujer sola y un ausente.
Lo que opina Ana:

Iba preparada para no descansar un segundo y sufrir  durante todo el metraje. Afortunadamente no fue tal y cómo esperaba, tuve momentos de sosiego y me pasé la película esperando que las escenas de terror fueran in crescendo y afectando a la protagonista, que se queda sola durante un fin de semana en su gran mansión, llena de cristaleras.

La película es sorprendente desde el inicio, los títulos de crédito son impactantes, se crea una atmósfera de gélido voyeurismo, de vacío, para entrar después a jugar con  la realidad y la ficción.

Se narra la soledad de la protagonista y se  visualiza la lectura de una fascinante y terrorífica novela escrita por el que fuera su primer marido. Jugando con los tiempos, el director nos relata la posición de ella, con una vida fracasada, a pesar de su alto nivel de vida y nos habla de su pasado que le está cobrando factura. Ha llegado el momento de la revancha para el que en su día fuera un joven tímido, enamorado. Consigue al fin escribir una gran novela y restregársela a la mujer que lo ha abandonado, menospreciando su valía.

Tiene un ritmo incesante, trepidante. Los actores bordan sus papeles, y el paisaje tejano se convierte en un personaje poderoso, capaz de infundirnos tanto miedo como los malvados que viven en él.

Muy recomendable. 

Frágil equilibrio. Dir. Guillermo García López

La vi dos veces, una antes del puente de la Constitución y otra después. La primera vez, a las cuatro de la tarde, la presentaron el director y el productor, llenos de entusiasmo y muy agradecidos de la respuesta que estaba dando el público. Sin duda el protagonista del documental es José Mujica. Su mensaje claro, sencillo y elemental te parece una utopía: respetar la vida, disfrutar de ella, convivir sin explotar, no sucumbir al consumismo. Su forma de decirlo, sin falsos magisterios, con convicción es irrefutable; y sin embargo, es imposible. Las imágenes acompañan el mensaje desde muchos lugares (parece una producción grande y no lo es, las imágenes son de otras procedencias que ellos han tomado y ensamblado muy bien en el documental). Y hay tres historias principales, una en España, de un desahucio, otra en la frontera de Melilla, en el monte Gurugú (la más auténtica para mi) y otra en Japón. 

Comentaba con el productor una vez vista la primera vez que me gustaría comprobar la reacción de adolescentes, el mensaje sobre todo debe calar en ellos.
Lo que opina Ana:

Documental que reflexiona sobre las relaciones humanas, sobre nuestra condición de seres sociales. Las sabias palabras de José Mujica, ex presidente uruguayo, son una reflexión humanista sobre la condición humana.

Se estructura siguiendo las vidas de gentes muy diferentes, todas afectadas por el sistema, unos escapando de la miseria, tratando de entrar en Europa para mejorar sus vidas; otros en Madrid, sufriendo el acoso del sistema, desahuciados y comprendiendo que su fuerza está en la colaboración, en el grupo y por último, una pareja de ejecutivos japoneses que sufren el vacío de una vida sin alicientes, alienadora. Las cartas están echadas, cada espectador debe pensar en cómo poder ganar la partida. 

Las furias. Dir. Miguel del Arco

Miguel del Arco es una figura del teatro (director reconocido) que se ha metido a rodar su primera película. No ha escatimado en el elenco, hay primerísimas figuras del cine y del teatro español, y él, sobrado, se ha lanzado a lo grande, a hacer una tragedia, que lo aparenta pero no lo es, a usar a Shakespeare como fondo y a la familia como forma. Los actores están más que bien (me gustó mucho la más joven, Macarena Sanz). Ocurre que la tragedia amenaza pero no llega, ¿Todo este dramón con toques medio cómicos para terminar en la escena de la playa? No me parece a mi que haya medido bien los tiempos y las escenas, el guión y su desarrollo. Y eso que ya la familia es disparatada, pero pasas; ahora bien, esos dramas de patio de colegio se tienen que tratar como lo que son y no darle ese envoltorio de tragedia griega.
Lo que opina Ana:

Pretenciosa, grandilocuente. Lo único que la salva es el fantástico plantel de actores que consiguen que disfrutemos con sus interpretaciones.

María (y los demás). Dirª Nely Reguera

Asistimos al preestreno y a mi no me gustó. Ha recibido buenas críticas, reconociendo a una directora con base y futuro.

La película descansa en Bárbara Lennie, los demás personajes están a otro nivel. A mi me parece una historia demasiado medida, muy atada. Actúan los personajes con su papel muy delimitado, tú de esto, tú de lo otro, no hay evolución en ellos.

La película se ve. Tiene la ventaja de que no pretende más de lo que vemos. Contarnos una historia de una mujer que llega a la treintena, refugiada en la casa de su padre, a la que se le va a acabar ese equilibrio, a la que no le salen las cosas afectivas (qué escena de sexo más desastrosamente rodada) y busca un lugar como escritora. Ocurre en una Galicia donde no llueve nunca.
Lo que opina Ana:

Esta vez Emilio había tenido “suerte” y nos tocaron entradas para el preestreno. La verdad, es que si no la hubiéramos visto, no nos habríamos perdido nada. A mí siempre me gusta recrearme con mis paisajes profundos, los de la tierra afincada en el recuerdo y la niñez, volver a Galicia y sentir sus aromas y luces en la pantalla, es siempre agradable, pero la historia no me interesa, los personajes tampoco, me deja fría y la olvido nada más salir del cine.

La llegada. Dir. Denis Villeneuve

Le daban cuatro estrellas en Metrópolis y Carlos Boyero, aunque necesitaba volver a verla, la titulaba "extraña y poética". Yo no necesito volver a verla para pensar que es un churro mental, sin efectos especiales de relevancia, y lo peor, sin contenido que defender, sea poético, épico, dramático, trágico o cómico. Nada. No llega a ninguna parte. Hacía tiempo que no salía arrepentido de ir a ver una película, pues ya llegó. Las críticas me engañaron.
Lo que opina Ana:
No sé si el cuento en el que está basada pueda tener interés literario, el resultado pasado a la pantalla, es un desastre. La ciencia ficción sin más, no resulta atractiva, el guión hace aguas por todos los lados, los personajes no tienen consistencia. De la filóloga, lo único que podría haberme interesado es su labor docente y me dejó con la miel en los labios cuando empezó su clase sobre la fonética portuguesa, tan diferente de la de las otras lenguas romances, sin darme la explicación a su planteamiento. Pura vanidad.

Sully de Clint Eastwood

Lo que opina Ana:

Clint Eastwood, en su línea de ensalzar las heroicidades de los EEUU, elige llevar a la pantalla la increíble historia del Airbus que el 15 de  enero del 2009 tuvo que hacer un amerizaje en el Hudson, al poco de haber despegado del vecino aeropuerto de La Guardia.  Consigue contar la historia  con ritmo, recurriendo a los flasbacks para mezclar los tiempos del relato, el  de la tensión producida por la investigación que acusa al piloto de haber tomado la decisión errónea, ya que si hubiera regresado al aeropuerto, habría tenido el tiempo necesario para aterrizar sin el inmenso riesgo corrido por el amerizaje en el río y el propio relato de la odisea en el aire tras chocar con una bandada de pájaros. Tom Hanks encarna al héroe, impregnando a su personaje de matices. No es muy recomendable para ver antes de posibles vuelos, intentaré no tenerla muy presente en mi próximo viaje a La Gomera.

Emilio: el apoyo del director al nuevo presidente de los EE:UU actúo como freno a la hora de decidirme a ir a verla.

De todas las críticas leídas, la peor con diferencia es la de Carlos Boyero, que la considera un paso más en la imparable caída del director en la insustancialidad. Las demás críticas han sido casi todas muy elogiosas, cinco estrellas en Metrópolis, y en el Cultural, Carlos Reviriego menciona la excelencia refiriéndose a ella. Desde luego pasas un rato entretendio, enterándote de una historia ue casi habíamos olvidado.

Podríamos decir que es la deconstrucción de un suceso, como un puzzle, hasta que al final encaja la última pieza. Clint Eastwood ha perdido eso sí el toque seco y tiende al melodrama. Pero sabe contar la historia del avión Airbus 320 y de su tripulación. No es lo más acertado ir a verla si los aviones te ponen nervioso.

El ciudadano ilustre de Mariano Cohn y Gastón Duprat

Lo que opina Ana:

Película crítica y mordaz, en la que destacan su impecable guión y las actuaciones, todas bien medidas y algunas brillantes, como la del  protagonista  y sus principales seguidores, desde el alcalde, al viejo amigo que guarda rencores como si fueran esencias, o el pintor cacique. El ritmo va in crescendo, parte con  un toque cómico que al avanzar va a ir congelando nuestra sonrisa ante una realidad que acaba siendo más feroz de lo que aparentaba. 
Emilio: una comedia negra como la noche en la que parece resolverse la situación, la tensa situación en Salas, pueblecito argentino, pueblo del premio nobel de literatura Montovani. Un literato engreído y muchas cuentas que saldar. Parece un cuento del libro de Juan Pablo Meneses "Una vuelta al Tercer Mundo", pero con un sesgo más agresivo. Parece que lo que se dirime es el enfrentamiento entre Europa y el Tercer Mundo. El emigrado es un europeo asimilado ya, aunque proceda del otro lado, al que se le ocurre la peregrina idea de que en su pueblo natal´, Salas, lo quieren y admiran. Poco a poco este buen hombre, lleno de falsa humildad, caerá de bruces ante la realidad bruta y primigenia, todo ello contado con un toque sarcástico, casi de estirpe quijotesca.

Dead Slow Ahead. Dir. Mauro Herce

Sólo en la Cineteca, y sólo dos fines de semana, y en la sala Borau, de setenta butaquitas (de lo pequeñas que son). Y no estaba llena, menos de la mitad.

Documental o ficción que está repleto de galardones, pero que requiere una predisposición extra. Las imágenes son hipnóticas, el barco se mueve lentamente, carga su mercancía (trigo, pero parece otra cosa, mineral) y la cámara va de fuera a dentro, nos enseña paisajes propios de la nada y las luminarias extrañas de las ciudades nocturnas. Luego ya se sumerge en el interior y ni siquiera cuando nos dicen por los altavoces que está entrando agua a raudales, la vida se altera. En una llamada telefónica a un familiar un marinero confiesa que no saben dónde va pero que siguen avanzando. ¿Será una metáfora de algo? Cine muy especial. 

La historia de Jan. Dir. Bernardo Moll

Los cines Verdi invitan a algunos profesores a ver varias películas, una de ellas es la que comento. Está hecha con el sentimiento paternal a flor de piel. La madre y el padre de Jan nos cuentan su historia con valentía y pasión. Es posible que pequen un poco de egocentrismo, pero es comprensible. Es su historia y está bien contada. ¡Suerte Jan!

Yo, Daniel Blake. Dir. Kean Loach

La pregunta es ¿cuántas películas se estrenan en el circuito comercial que tengan una intención de denuncia social tan clara como esta? Pues, casi ninguna.

Es cine social y político en estado puro. Cine de concienzación, cine de ira, cine de cerrar los puños. En Inglaterra, aquí mismo.

Es posible que sea previsible, pero toda la historia muestra la dura realidad que, desgraciadamente, sólo mueve a los que la sufren o a los allegados, los demás miramos hacia otro lado, y así nos va.

Gracias Kean Loach por seguir luchando.
Lo que opina Ana:

Vuelve a filmar Ken Loach una película conmovedora y exactamente medida. No deja ningún cabo suelto, engarza su historia con un ritmo directo y claro. Presenta una realidad angustiosa entrando en la vida de unas gentes que el sistema, por diversas razones, quiere dejar afuera. Critica la deshumanización de las empresas que gestionan las ayudas sociales en Inglaterra, presentando a unas gentes desalmadas que parece que trabajan con números en vez de con personas. Denuncia efectiva y que te deja huella.

Verano en Brooklyn. Dir. Ira Sachs

Película de asuntos cotidianos. Me asusté al leer la hoja informativa de los Golem porque me pareció que el director quería hace un rodaje de cartón piedra. Luego afortunadamente no es así, la película sin grandes aspavientos, y sin grandes actuaciones se deja ver. Discurre de una forma natural, planteando un situación conflictiva de tipo contractual, el alquiler de un local, de la que nada entienden los adolescentes de ambas partes. Me gusta que al final quede planteada las diferencias de clase, el blanco anglosajón propietario y la inmigrante latinoamericana, el chico que logra sus sueños y el que se queda fuera.

Que Dios nos perdone. Dir. Rodrigo Sorogoyen

Los directores españoles se están especializando en los thriller. Este es duro, de ambiente policíaco, con todos los ingredientes: asesino en serie tarado psicológicamente, policías no menos traumatizados, enfrentamientos profesionales, personalidades muy marcadas y vidas conflictivas. Marco geográfico: Madrid. Buena interpretación en general (con magníficos actores y actrices de reparto) Hay tensión, muerte y venganza. Una buena película.
Lo que opina Ana:

Estupendo thriller, desarrollado con un ritmo muy medido y siguiendo las líneas de un guión  perfecto. Para completar ese trío de ases, están las brillantes actuaciones, la del inspector  Alfaro, en manos de un Roberto Álamo espectacular, es merecedora de un Goya  que espero se lleve. Da gusto  encontrarse con películas como ésta que te hacen olvidar los berrinches pasados por las que se quedan en puro artificio.

España en dos trincheras. La Guerra Civil en color. Dir. Francesc Escribano y Lluis Carrizo

El documental dura 90 minutos, la novedad es que está coloreado. Es correcto en su contenido y perfectamente visible. Arranca con Alfonso XIII, recorre la República en unos trazos y se centra, claro, en la Guerra Civil. Podríamos decir que es lo que aprende un alumno de 2º de Bachillerato, un poco más extenso y con la fuerza de las imágenes. No termina en la Guerra, nos lleva brevemente al franquismo, incluso ya de viejo el Dictador.

No la proyectan más que en los Verdi y no creo que dure mucho. Lástima.

Después de nosotros. Dir. Joachim Lafosse

La película no se anda con rodeos y desde la primera imagen te plantea un drama familiar, la separación de un matrimonio con dos hijas pequeñas (tal vez demasiado pequeñas para esos padres), que se ve obligado a convivir bajo el mismo techo por razones económicas.

Casi todos los momentos son de recriminaciones, donde se mezclan los condicionantes de clase y posición económica. El dilema rico-pobre. Piensas cómo va a seguir si ya está todo planteado. La virtud del director es mostrarnos el paso de los días y los vaivenes de las emociones, de tal manera que deseas que se soluciones por favor, como sea; es decir, el director sabe interesarte en la historia. Casi toda está rodada en una bonita casa, que se ha convertido en el centro de disputa. Las niñas, sin tomar el protagonismo, son imprescindibles para entender esta dolorosa ruptura. Bien dirigida, bien secuenciada, bien interpretada, pero dura. Decir que en francés se titula "L'economie du couple"; ya se sabe lo que les gusta a los distribuidores cambiar los títulos originales.

Elle. Dir. Paul Verhoeven

Cuatro estrellas en la Guía del Ocio, cuatro estrellas en Metrópolis. Una de las cinco películas con mejores críticas que hay actualmente en cartelera. Pero a mi no me gusta este tipo de películas. Aunque tengan un leve toque hitchcocktiano, en cuanto a lo que lleva oculto un comportamiento que genera mucho suspense.

Me produce malestar lo gratuito de la tensión. El que el personaje de Isabel Huppert sea amoral (lo dice el propio director) no me condiciona. Todas las relaciones están podridas y sin embargo no sacas ninguna conclusión final. Tal vez sea esto lo que pretendía el director.

Fuego en el mar. Dir. Gianfranco Rosi

Me sorprendió el planteamiento tan opuesto entre lo que viven los vecinos de Lampedusa, con el niño Samuele de protagonista (con qué facilidad y naturalidad se expresa ante la cámara) y el drama de los refugiados. Dos mundos que, aunque estén muy cercanos, no se tocan. Sólo el médico comparte ambas realidades y sólo por una breve noticia en la radio local sobre un naufragio sabemos que saben los vecinos lo que ocurre en su isla. ¿Qué quiere el director? ¿Mostrarnos que el drama mortal de la emigración no conmueve ni a los que viven más a su lado? ¿Cómo actuamos nosotros mismos? No sé. Me dejó con un sentimiento raro. Me hizo pensar. Recibió el Oso de oro en Berlín. Tampoco sé cómo entenderlo. No sé muy bien,asimismo, qué significa la figura de el submarinista raro que aparece en la película. En fin, sala llena y gente llegando casi media hora tarde. Eso, qué le vamos a hacer, tampoco lo entiendo.
No supe ver la metáfora del ojo vago del niño, después leyendo la crítica de Carlos Reviriego en El Cultural, reconozco que es ese ojo que no quiere ver lo mismo que pasa con los refugiados para los habitantes de Lampedusa, y para la mayoría de nosotros.

Captain Fantastic. Dir. Matt Ross

Me alegro de haber visto esta película, que casi tenía desechada (por recibir críticas muy dispares). Tiene muchos excesos, que ya comienzan desde la primera toma de un bosque y un solazo que se cuela que casi parece de principiante, le sigue una secuencia de una caza primitiva tan exagerada que te asusta y piensas que pronto te vas a levantar y marcharte. Pero luego vas conociendo más a esta familia y su vivencias y oyes citar la República de Platón, ves como festejan a Noam Chomsky y argumentar sobre el fascismo y el comunismo y la cosa toma otro cariz. A mi no me interesa tanto preguntarme si el padre hace bien o no al educar así a sus hijos, sino el modelo de contestación social y la conciencia de explotación que sus hijos están aprendiendo. Es muy utilizable para debatir entre jóvenes y oír sus pareceres. Pese a todos los defectos que tiene, que son muchos, es algo diferente, estos personajes están entre la teoría roussoniana del buen salvaje y la defensa del individualismo americano. De cine fórum.
Lo que opina Ana:

Utópica y entretenida, es lo bueno que tiene el cine que puede recrear mundos impensables en el real y jugar a su antojo con los personajes, creando una familia de superdotados a los que les va muy bien aislados del mundanal ruido. Hay que dejarse llevar y disfrutar de los paisajes y el viaje, la filosofía que está detrás te deja buen sabor de boca. 

Un monstruo viene a verme. Dir. Juan Antonio Bayona

Las películas de Bayona siempre están en el límite de lo emocional, sus personajes o aparecen traumatizados, o algo les ocurre que los coloca en situaciones extremas. El protagonista de "A monster call" no le pueden ir peor las cosas. Pero en este caso las emociones que va a experimentar son más complejas de lo que algún espectador puede esperar, y tal vez ahí se desenganche el gran público y la película no tenga el exitazo de otras suyas anteriores. Esa parte precisamente de su personalidad, el inconsciente, las pesadillas y los sueños, los cuentos de la infancia y sus enseñanzas es lo más interesante para mi, por mostrar la complejidad de esta mente atormentada y por ser lo más arriesgado de la película. No me importó verla. Como siempre, los efectos especiales a lo grande.

La Reconquista. Dir. Jonás Trueba

Jonás Trueba hace un cine especial muy vinculado al cine francés del estilo de Rohmer, sin la aspiración de reflejar comportamientos, más bien trabaja con los sentimientos.

Hace sus guiones concienzudamente, aunque parezcan fortuitos e improvisados, con un vuelo poético y literario que a veces convierte algunas escenas en relatos cursis. En esta película dice que lo ha medido todo, que todo tenía que encajar según el riguroso plan previsto; y sin embargo, la alarga demasiado en determinadas secuencias, la del bar chino del principio, la del concierto, la de los chicos quinceañeros al final, incluso.

Es una película triste. Muestra lo irrealizable de los sueños primitivos, el fracaso de los amores soñados, la incapacidad de hacer retroceder el tiempo, los sentimientos sin curación.

Descubrí al cantante Rafael Barrio. Suena bien. La película se ve, es honesta, muestra lo que quiere el director sin trampas. Madrid es protagonista total.
Lo que opina Ana:

La película sigue el estilo que caracteriza a su director y guionista, mucha palabra, planos descriptivos de los personajes, aparente falta de un guión cerrado, da la impresión de que el guión se va escribiendo a medida que avanza el  rodaje. Sus personajes representan las tribulaciones de sus coetáneos, gentes en la primera treintena con unas relaciones propias, aún así no es exclusiva, todos podemos caber en sus pensamientos y entender sus sentires, en el fondo late una disertación sobre el paso del tiempo y los cambios que produce en las relaciones amorosas, algo que no es privativo de ninguna generación, si no una  realidad universal.  Jonás Trueba escoge además sus lugares de Madrid, la Latina, la zona baja del Viaducto, Malasaña, como escenario repetitivo y sentimental por el que se mueven sus actores. A mí me gusta este ritmo “francés” en el que parece no pasar nada, pero pasa. 

Sin embargo, la película es demasiado larga y a veces se adormece, y no entiendes cómo va a ponerle fin y cuánto tardará en hacerlo. Podríamos decir que está dividida en tres tiempos y que los dos últimos encajan un poco forzados.

Me enteré por Carmen de la Flor que el actor protagonista, Francesco Carril con el que ya había trabajado en su anterior película, “Los Ilusos”, es hijo de su compañera de italiano Chiara Baglini, ¡así hablaba el mozo italiano en la película anterior!

El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares. Dir. Tim Burton

Los críticos han alabado la vuelta del mejor Tim Burton. Es una película entretenida, con su toque gore y siniestro, tal vez un poco simplona en su trama, aunque entremos y salgamos de escenarios mediante esos bucles que usan para detener el tiempo o repetirlo indefinidamente. Todo lo que tiene que ver con los efectos especiales está muy conseguido y alcanza momentos brillantes en los episodios del navío hundido. Me pareció leer al final en los títulos de crédito que la película había dado trabajo a quince mil personas. Puede ser. Barata no ha debido ser. Y la gente sigue bajándose fraudulentamente películas. No aman el cine. Es preferible aguantar pesados en la sala (como nos tocó a nosotros al principio) que hundir este arte mayor.
Lo que opina Ana:

Tim Burton ataca de nuevo, sus, fantasías mezclan el terror y la esperanza, recrea universos contrastados en los que los malos son  terriblemente malos y los buenos a veces no saben ni que lo son.  Es un cuento muy entretenido, en el que a veces hay que pegar respingos en el asiento. Muy buenas actuaciones.

Historia de una pasión. Dir. Terence Davies

Seguramente es una de las mejores películas que hay en la cartelera, otra cosa es que sea para todo el mundo. Hay dos consideraciones que hacer. Por un lado la que corresponde a la persona retratada, Emily Dickinson, que es difícilmente superable, con una Cynthia Nixon probable ganadora del próximo Oscar a la mejor interpretación. Dice el director que enseguida pensó en ella para ese papel, y los críticos que puede hacer interpretando lo que quiera. Está muy bien acompañada y eso le sirve para destacar aún más. La otra consideración es la película en si. El director se toma el tiempo que haga falta para que la historia de esta mujer vaya calando en el espectador. La cámara casi es una espectadora impasible, leves movimientos, planos fijos. Todo queda en manos de los personajes. La acción es verbal. El verbo afilado, afligido, familiar, incomprendido y reivindicativo de Emily Dickinson. Retrato de una familia que siendo profundamente liberal no dejaba de defender los valores del puritanismo protestante, no en lo religioso, sino en el propio comportamiento.

Sabiendo que es algo densa, con el peso de la historia y de la literatura, deberían ir a verla. Mientras aparecen los títulos de crédito se oye "The Unanswered Question" de Charles Ives, despojada de las trompetas disonantes originales. Final perfecto.
Lo que opina Ana:

Extraordinaria dirección artística, la recreación de la época y las atmósferas que se retratan nos transportan al Massachussets de mediados del XIX. Puritanismo frente a liberalismo, tradición frente a apertura , y en medio de ello la figura de esta mujer innovadora, librepensadora, abierta en la noche a la creación literaria y constreñida durante el día a una realidad que no le gusta y que le produce angustias. 

Neruda. Dir. Pablo Larraín

Neruda no es una película para todos los públicos, tampoco lo era "El club". Es un cine que pide al espectador una visión no pasiva. Metrópolis le da cinco estrellas, lo máximo. Es posible. Neruda está cargada de literatura, de imágenes poderosas, de planos y contraplanos, de narraciones paralelas y confluyentes en torno a la omnipresente figura de Pablo Neruda, nada mitificado pero aupado a una dimensión que no nos figurábamos desde España. En Chile,en esos años finales de los cuarenta, es casi un dios, báquico y mundano, popular y temido por ello. Sin ser el argumento central, la dimensión política siempre está presente. Él es, sea a su manera, un comunista. Cine interesante. Es un privilegio poder verlo.
Lo que opina Ana:

Película de minorías, cuidada en cada una de sus tomas y estructurada jugando con la realidad, mezclando literatura e historia .

Tomando como base la persecución del senador comunista Pablo Neruda al comienzo de la Guerra Fría, en un Chile reacio a la expansión de los ideales comunistas, se fabula una especie de thriller en el que el policía encargado de su captura, el narrador de la historia, baila entre dos aguas, a veces parece querer ser real, como lo son la mayoría de los otros personajes, y a veces se desvanece en medio de su cuerpo literario, para acabar convertido en un irreal espectro, en una ensoñación literaria.

Spain in a day. Dirª Isabel Coixet

Llegamos tarde, unos minutos, porque creíamos que empezaba a las 6, 15 y era a las 6,10. Rabia me da. Sólo había una sesión. Veremos lo que dura.

Es una obra magna de montaje, a lo que hay que unir la calidad de las imágenes y lo interesante de las historias que se cuentan, que cuentan esos cientos, miles de voluntarios que el 24 de octubre de 2015, desde todos los puntos del globo casi, nos abrieron la pantalla a su vida, sus cuitas, sus deseos y alegrías. Para anclar las historias las agrupa en bloques, que van en parte unidas al transcurrir horario del día, y repite la intervención de un grupo de personas que dan bien ante la cámara y que cuando nos hablan nos engancha su minuto y medio de celebridad. Interesante, entretenida y sorprendente. ¡Cuántos cineastas anónimos hay en España y qué bien lo hacen! La música de Alberto Iglesias sobresaliente.
Lo que opina Ana:

Con la rabia de habernos perdido el comienzo de la película por despiste, comenzamos a verla con desasosiego; hubo que olvidarse de ese mal comienzo para dejarse llevar por el montaje de todos esos vídeos caseros, engranándolos de manera que fueran teniendo un estilo narrativo, en el que juega un gran papel  la banda sonora de Alberto Iglesias. Es una experiencia curiosa, cercana, cooperativa y que logra plasmar aspectos de nuestra realidad. De entre todos esos vídeos, me quedo con la imagen de un pequeñín que apenas se mantiene en pie, pero que está hipnotizado por un rayo de luz que entra en el cuarto de baño y que él quiere agarrar.

Sing Street de John Carney

Lo que opina Ana:

Fresca, romántica, crítica, conmovedora. Un musical trazado a través de una historia muy bien hilvanada que va tomando los parámetros de un cuento. Además de todo esto es un retrato, una radiografía de la sociedad  irlandesa de los 80. En los días sin bruma, claros, diáfanos, desde Dublín puede atisbarse la costa galesa, tan sólo 45 k separan ambas orillas, un abismo es lo que teóricamente separa la calidad de vida de sus gentes, el sueño de una vida mejor  actúa como un imán poderoso, los valientes se atreverán a lanzarse al abismo.

Todo esto aderezado con mucha y a veces muy buena música, no en vano es la historia de una banda de adolescentes.

Emilio: puede que las cinco estrellas de Metrópolis sean exageradas, y la afirmación de Alberto Luchini de ser una indiscutible candidata a mejor película del año, también, pero sí es una película resultona, que se ve bien, que tiene una banda original estupenda y que los personajes que retrata son curiosos y rocambolescos. Después lo fijo: Irlanda igual a música y a desarraigo, a deseo de huir; ambientado en los ochenta, con poca gaita y mucha guitarra eléctrica, y de fondo el drama de los matrimonios fracasados, de los sueños rotos y del clero represor. Pero en un tono no agresivo, por eso sales con una sonrisa en los labios, porque los protagonistas sí encuentran una salida.

El hombre de las mil caras. Dir. Alberto Rodríguez

Alberto Rodríguez es un director con unas dotes impresionantes. Sabe construir historias poderosas, manejar grandes equipos, ambientar en exteriores en localizaciones dispares, componer personajes complejos. En esta película hay dos asuntos a considerar, uno en cuanto al modelo narrativo y el otro en cuanto al personaje principal. Alberto Rodríguez elige que uno de los actores sea el narrador, el que cuenta la historia, el testigo ("el piloto", José Coronado). Con esta decisión la película tiene una estructura doble, como si fuera un documental, un reportaje y dramatizando otra parte. Hay que decir que el engranaje está bien hecho, muestra de ello es que las dos horas que dura se pasan rápido.

Eduard Fernández hace un Paesa memorable. Ahora bien, ¿qué imagen queda al final? Pues casi como el de una víctima que en las cloacas del Estado, esta vez le toca ganar. Peor, por patético, queda Roldán, igual que por soberbio, Belloch. ¿Eso está bien? ¿Debemos convertir ahora a Paesa en un personaje a reivindicar? Éste es el otro asunto al que me refería al principio.

Película recomendable, desde luego.
Lo que opina Ana:
Una impresionantte actuación de Eduard Fernández, sólo por verlo vale la pena haber filmado esta gran película.
Se trata de un film con presupuesto, hay muchas y caras tomas de exteriores que dan veracidad a una historia que quizás para alguien que desconozca el caso y la figura de Paesa, pueda resultar un tanto confusa. Los que sí sabemos de qué se nos está hablando, podemos reconocer la dimensión de los entresijos de la política escondida, la que recurre a figuras pardas para que hagan los trabajos sucios. Para aquellos que desconozcan a los personajes, Alberto Rodríguez consigue contarles una historia de espías y corruptos con gran elegancia y un ritmo que no decae en ningún momento.

Los hombres libres de Jones. Dir. Gary Ross

El personaje, New Knight, y la rebelión que encabezó en el condado de Jones, en Misisipi, durante la guerra de Secesión Americana, merecían una película mejor. No le puedes dar la sola estrella que le da Metrópolis porque el hecho de abordar este asunto y a su protagonista ya merecen tres (la Guía del Ocio). Le falta ritmo, es lenta, le sobra metraje, hay episodios perfectamente resumibles (muchos del pantano) y para mi sobreactúa Matthew McConaughey.

Han criticado algunos el salto temporal que se produce en algunos momentos, llevándonos a un juzgado en los años sesenta del pasado siglo, donde se juzga la nulidad de un matrimonio mixto entre un hombre de un remoto parentesco negro y una mujer blanca. Aunque el relato épico de la Guerra de Secesión encaja mal con el cine de juicios, tiene un sentido narrativo, porque el hombre que se quiere casar es familiar lejano de New Knight y porque muestra cómo la discriminación social un siglo después de acabar la Guerra que abolía la esclavitud seguía en vigor. No es una gran película. Es una película valiosa.
Lo que opina Ana:
Interesante personaje histórico que se desaprovecha en esta película, lo que podría haber sido un gran film épico, se queda en un esbozo de testimonio. Aún así, me alegro de que el director se haya atrevido a enfrentar este tema y haya querido ir más allá del momento histórico, en plena guerra de Secesión Americana, para llegar a plantear las urdidas telarañas del racismo en la sociedad americana, imposibles de erradicar, cuando parece haberse hecho una limpieza, los hilos vuelven a aparecer al menor descuido.
Matthew McConaughey da la talla y carga sobre sus espaldas la fuerza de la película, es convincente, a pesar de que el guión es, a veces, errático, el mensaje llega. Como película para ver en clase con los alumnos, es válida.

Tarde para la ira. Dir. Raúl Arévalo

Es una buena noticia que se haya colocado enseguida en el primer lugar de las valoraciones de los críticos. Esperemos que funcione el boca oído y que vaya a verla mucha gente. El día en que fui la sala estaba llena.

Cabe preguntarse por qué ha situado la estética y el ambiente entre los años setenta y ochenta (el grano y la demencia de los años setenta y el cine quinqui de los ochenta, escribe Carlos Reviriego en El Cultural), cuando lo que narra, un atraco y las consecuencias posteriores, podría haberlo situado ahora mismo. Tal vez se sienta Arévalo más a gusto en esos años del siglo XX por cuestión generacional.

Es raro que un actor haga algo contundente y sólido como director; en este caso el Raúl Arévalo  ha cuidado con mimo la ambientación, la caracterización de los personajes y el guión y le ha salido una obra primera encomiable. Dura, descreída y sin lugar para la paz de espíritu. Todos han destacado la escena del gimnasio, con un Manolo Solo magnífico. Ruth Díaz, como en general todos los actores, también brilla especialmente.
Lo que opina Ana:
Sorprendente entrada de Raúl Arévalo en el mundo de la dirección. Se ha atrevido con una película de suspense muy bien medida. Sus actores, compañeros y, seguro, amigos, responden a este reto de debutante regalándonos grandes interpretaciones. Emilio comentaba que es una pena que el gran Antonio de la Torre esté encasillado en un tipo de papel que aquí repite, sin embargo, es el que le toca y ¿a quién mejor que a él podría haber recurrido para interpretarlo?
El ritmo se acelera, te mantiene en tensión creciente hasta el último momento. Consigue retratar la profunda fractura social que existe entre los barrios de arrabal, donde se desarrolla la mayor parte de la película, y lo que podría ser la vida acomodad de las áreas urbanas más cuidadas y atractivas.

La espera. Dir. Piero Messina

Ana, Lía y Carmen la vieron cuando el festival de cine italiano y les gustó mucho. Ahora, varios meses después, se estrena comercialmente.

No es una película para cualquiera por su lentitud, por las elipsis, por los sobreentendidos. A mi eso no me importa, al contrario, es cine. Sí me molestan escenas innecesarias y contraproducentes (la colchoneta rosa revoloteando en el patio de la villa), apariciones demasiado casuales (la de los dos jóvenes viajeros en el lago) y significados forzados (el hijo en la bañera). En fin, que yo no salí tan arrebatadora conmovido. Me gustan las dos actrices (Juliette Binoche y Lou de Laâge) y el profundo dolor que refleja la madre, que al retener a la novia mantiene con vida al hijo. Las paisajes de Sicilia son duros como la historia y lástima que las imágenes de la Semana Santa con sus procesiones no estén más desarrolladas, son potentes y llenas de sentido.
Lo que opina Ana:
En contraposición a lo que opina Emilio, aquí dejo mis reflexiones de cuando la vi en el festival de cine italiano de Madrid del 2015.

Magnífica película que consigue enganchar al público sin ningún recurso efectista, enseñando el juego desde el comienzo, las cartas están siempre boca arriba, no hay trampa ni cartón. Con una historia que comienza acabada, parece imposible que se pueda ir creando expectativas, desvelando realidades de las que el público es cómplice y que sólo están veladas para la joven protagonista. El director  nos hace ver más que a ella, nos lleva por delante, nos convierte en cómplices de su relato y nos muestra cómo plantearle la verdad a la única que la desconoce. Lo hace con un ritmo muy medido, utilizando la luz con maestría, creando claroscuros cambiantes, como los sentimientos, y acompañando su relato con  momentos musicales imborrables, como  cuando suena  “Waiting for the miracle” de Leonard Cohen  durante la escena del baile. Una joya.

Kubo y las dos cuerdas mágicas. Dir. Travis Knight

La vimos en los cines Conde Duque de Alberto Aguilera, que se han asociado a los Verdi para proyectar películas en VOSE. La sala 1 tiene dos defectos, que las filas están muy juntas y que las butacas no son muy cómodas, algunas crujen un poco.

Tuvimos mala suerte con los espectadores, muchos llegaron tarde, un grupo de dos mujeres con niños dieron la nota, llegaron tarde, haciendo ruido, se les cayeron las palomitas y se cambiaron de sitio. De premio.

La película. A ratos es brillantísima. No tiene el aspecto siniestro de los "Mundos de Coraline", aunque el hecho de que la historia sea una venganza familiar y que el protagonista sea tuerto y tenga que defender el ojo que le queda, le da un toque diferente. El papel que juega el origami en la histoira es de lo más original y sorprendente. Sueño, magia y realidad se confunden enlazándose y configurando la historia. Y el plantel que da voz a los protagonistas es de primera. Sin dudarlo, versión original subtitulada.
Lo que opina Ana:

Estupendo cuento ambientado en un legendario Japón en el que conviven las fuerzas del bien y las del mal. Un niño es salvado por su madre de las fuerzas del mal, lo que les lleva a vivir aislados y a que ésta le transmita sus recuerdos a través de historias legendarias que hablan de su padre, un valiente samurái, de su familia materna, su cruel abuelo que le arrancó un ojo cuando era un recién nacido y  sus malvadas tías que siguen al acecho y de las que hay que ocultarse, pues buscan dejar al niño ciego. Todas estas historias no tienen final, su madre las suspende porque la memoria se le desvanece. El niño se convertirá en un atractivo cuentacuentos que deja con la boca abierta a todos los que lo escuchan. Hasta que un día se convierta en el protagonista de todos sus cuentos, viviendo aventuras sorprendentes que le llevarán a buscar un final en el que siempre impere el bien sobre las fuerzas del mal.

Pura fábula contada con un despliegue de medios técnicos que consiguen crear una atmósfera onírica que hay que ver en versión original para poder disfrutar de las voces de sus actores, especialmente la de Charlize Theron como Mona y Matthew McConaughey como escarabajo.

Diez años y divorciada. Dirª Khadija Al-Salami

La directora vivió esta experiencia dramática, de alguna manera la película es autobiográfica. Como testimonio es muy recomendable (y mucho más para chicos y chicas de la ESO). Al principio te parece folclórica y costumbrista, con paisajes un poco acartonados de rebuscados. Además la directora te va ocultando información que irá apareciendo más adelante. La película coge vuelo cuando se presenta crudamente el drama: una niña casada a los diez años, obligada por su padre.

Hay cosas que chocan un poco, por ejemplo el papel del juez. No debe haber muchos como él en el mundo islámico, y menos en un país que te imaginas tan cerrado como Yemen.
Lo que opina Ana:

Una película que habría que ver obligatoriamente en todas las escuelas del mundo.  Comienza un poco errática, pero la directora sabe reconducirla, apuntalando todas las visiones fragmentadas de la narración  para acabar ensamblándolas en un relato claro y nunca maniqueo. Lo que en un principio podría parecer un pseudo documental sobre las montañas del Yemen y sus ritos ancestrales, acaba siendo una desgarradora historia de una realidad anclada en la Edad Media aunque completamente viva a comienzos del siglo XXI. Tiene un tinte autobiográfico, la narradora sabe lo que cuenta y eso se percibe y se transmite con una gran fuerza.

Café Society. Dir. Woody Allen

No será un hito en su larga filmografía, pero tampoco formará parte de las peores. Vuelve a su mundo, el jazz, los judíos, el amor frustrado, las mentiras sentimentales, Nueva York, los años treinta del siglo XX, el cine y su mundo. Escribe Diego Salgado en la Guía del Ocio (tres estrellas; en Metrópolis, cuatro) que abusa de la voz en off, entre otras quejas. Tiene razón, pero al menos el guión tiene sentido y hay algunos momentos de humor conseguidos. No obliga a los personajes a hacer y decir cosas estrafalarias. La máquina de hacer cine funciona, aunque al ralentí. Los protagonistas tampoco dan el tono de película grande. Cine lleno.
Lo que opina Ana:

Llega la entrega anual de Woody Allen, con estreno en muchas salas y aforos completos. Esta vez es un regreso a los orígenes, busca Woody su alter ego en Jessy Eisenberg que caracteriza a Bobby , el joven judío protagonista de la historia ambientada en todo el glamour de los años 30. Es un regreso al Nueva York  adorado de sus películas y a su universo judío, contrapuesto al soleado y más extraño mundo de Hollywwod.

Consigue  una comedia romántica con momentos graciosos, en su estilo, una más pero no de las peores. Lo mejor ,la familia judía del  protagonista, especialmente su madre, su cuñado y su hermano el gánster.

Los caballeros blancos. Dir. Joachin Lafosse

Al principio te dicen que está basada en hechos reales y al final que es una adaptación libre de un libro que relata el caso de la ONG llamada "El Arca de Zoé", que terminó en un escándalo en 2007. No es lo mismo. En lo principal si se atiene a los hechos no puede ser libremente, debe ser rigurosamente y eso es importante para dar credibilidad a lo que ves. Por ejemplo, yo del final dudo si es inventado o no, y me incomoda.

Tardas en entrar porque te parece un poco artificial todo, las discusiones entre ellos, la relación con los intermediarios, la misma situación allí (Chad) y su cometido. Luego vas entrando. El director quiere darle un ritmo de thriller y no siempre lo consigue.

Aparte de los fundamentos morales de los creadores de estas ONGs (el director no plantea el dilema en términos buenos-malos, deja que tú decidas), el asunto de fondo es la permisividad del Estado en su control. Podríamos decir, la dejación en organismos privados, aunque sea ONG, de un asunto como la adopción. En Metrópoli le daban cuatro estrellas. Yo creo que tres está bien.
Lo que opina Ana:

La película está inspirada en la ONG francesa El arca de Zoé , cuyas acciones destaparon hace unos años un negocio lucrativo oculto por una máscara de acción humanitaria. Así, con la apariencia de un documental, la historia se va hilvanando sin hacer juicios de valor, dejándonos el papel de jueces a los espectadores. Se narra con lejanía, observando, sin prejuzgar, sin buscar las simpatías o los afectos hacia los protagonistas, busca la reflexión individual sin marcar ningún camino.

El caso Fischer. Dir. Edward Zwick

Seguimos con las traducciones libres. La película se titula "Pawn Sacrifice".

No pude olvidar la obra de teatro "Reikiavik" de Juan Mayorga, que vi en primavera, acompañando a alumnos de 4º de la ESO y 1º de Bachillerato. La obra de Mayorga es mucho más atrevida y valiente que esta película, pero esta película habría sido necesaria para entender mejor la obra de teatro, porque Mayorga multiplica los espacios y los personajes, el tiempo y el sentido de los sucesos y es difícil colocar todo en su sitio. La película es lineal, llega hasta 1972 y se inicia en 1951, cuando Fischer es un niño. A mi me hubiera gustado que la información del final sobre fondo negro que nos cuenta el ostracismo y la persecución que sufre el personaje que antes era ensalzado y alabado tuviera más espacio. 

No creo que Tobey Maguire sea el actor perfecto para interpretar a Fischer. Desde luego, cae más simpático Spassky (que está sin desarrollar). Espero que un director del tipo Mayorga nos cuente esa otra vida de Fischer después de Reikiavik o la de Spassky.

Pastel de pera con lavanda de Eric Besnard

Lo que opina Ana:

Durante los primeros cinco minutos estuvimos a un trís de cambiar de sala, le dije a Emilio que esperáramos un poco a ver si la película se centraba y nos conducía a una historia visible, afortunadamente fue así; lo que parecían blanduras excesivas y topicazos fueron dando cuerpo a una historia amorosa especial. Sigue la estructura de un cuento y acaba mostrando unos personajes bien perfilados, especialmente el del “príncipe”. Poco ayuda al éxito de taquilla  el incomprensible título elegido en España, como en tantas otras ocasiones, se han decidido por uno de cosecha propia, totalmente inadecuado y que nada tiene que ver con el  del equipo creador de la película. Así, frente a Le goût des merveilles original, las salas españolas han decidido ofrecernos ¡Pastel de pera con lavanda ¡
Emilio: la traducción al español  ya es un desafío. Tenía un día poético el distribuidor. La ves pero estás a punto de rendirte varias veces. No es que el personaje con el síndrome de Asperger condicione el desarrollo de la historia; no, el problema es que su pareja dramática, la bellísima Virginie Efira, que hace de agricultora no da el tipo (el guionista, que es el director también, tiene parte de culpa). Películas románticas, películas de verano.

Human de Yann Arthus-Bertrand

Lo que opina Ana:

Se trata de un proyecto utópico, el de acercarse a miles de individuos a lo largo del planeta para tratar de encontrar respuestas a las preguntas básicas de la humanidad y con ellas presentarnos la realidad de que un mundo mejor es posible ya que en esencia el hombre es bueno, sólo hay que darle la oportunidad de demostrarlo. Se trata de un extraño documental en el que se da la palabra a gente en general  pobre, cargada de sabiduría popular. Sirve como estudio antropológico, viene a demostrar que en esencia somos todos iguales, tenemos los mismos miedos y las mismas alegrías, aunque la desigualdad haga que existan abismos de injusticia convertidos en simas abisales.

El desarrollo argumental se hace a través de tres elementos, el primero es el de dar voz a los que no la tienen, los protagonistas de esta película son desconocidos, a excepción del presidente uruguayo, José Mújica, siempre cercano a los desposeídos. Así, se van intercalando cientos de retratos, siempre en primerísimos planos, la mayoría toma la palabra que se las ha ofrecido y expresa sus sentires. El segundo elemento es el de conectar esas individualidades con maravillosas imágenes del planeta, en el que a veces aparecen colectivos humanos, cuando lo hacen suelen ser multitudes apiñadas con gran plasticidad , el tercer elemento conductor es la música, que siempre acompaña a los espectaculares paisajes, es su voz frente a la de los retratos que tienen la suya propia.

La fotografía es magnética, todo está medido, cada retrato, cada imagen. A mí me molesta a veces, no en los retratos,  que la óptica sea demasiado cerrada, que no me deje ver  lo que hay detrás, me produce cierta claustrofobia, me ahogan algunas de sus visiones, quizá lo pretenda. La música también me estorba en algunos momentos.

Llena de belleza, pero es demasiado larga, le falta centrarse, divaga demasiado. El mensaje está enviado, a nosotros nos queda la tarea de meditar sobre lo que nos acaban de contar.

Emilio: escribían en la Guía del Ocio que si no hubiera un Arthus-Bertrand habría que inventarlo. Es un director con una amplía carrera de documentalista (por ejemplo "Terra"). Recomiendo la película y espero que dure en la cartelera, aunque sea en una sola sesión en un solo cine, como ahora.
Las imágenes son todas impresionantes. Paisajes y hombres en espacios diversos. No queda más que estar atentos a esa sorprendente gama de colores, de texturas, de geometrías. En definitiva la naturaleza y la vida. La otra parte de la película son los testimonios. Personas de todos los continentes en un primerísimo plano sobre fondo negro se dirigen a nosotros contándonos parte de su vida o de las circunstancias en las que viven. En esto Arthus-Bertrand peca de ambicioso. Son muchas cosas las que se ponen en cuestión, Creo que habría que delimitar un campo de reflexión más cerrado y profundizar en él. Pero es una opinión. Lo dicho, no se la pierdan.

Regreso a casa. Dir. Zhang Yimou

Cine lleno de gente no habitual, que chismorreaba al principio, se recordaban unos a otros apagar el móvil y aplaudieron al final. Bueno, durante la película no dieron guerra.

En Metrópoli le dan cuatro estrellas, en la Guía del Ocio tres (en ambos casos sobre cinco). En el País celebraban que el director volviera al cine de su primera época.

Es una película bien hecha (estrenada en Cannes en 2014; llega con dos años de retraso), otra cosa es su ritmo lento, sobre todo en la segunda parte, cuando el marido de la protagonista regresa del campo de "rehabilitación" al acabar la Revolución Cultural. Tiene ese toque de denuncia histórica. Pero sobre todo, más en la segunda parte, y como mensaje de la película en general, destacan con un fin moralizante el amor y la comprensión. Para reforzar esos sentimientos se acentúa la vertiente melodramática, y ahí puede haberse pasado un poco Zhang Yimou. Su actriz de referencia, Gong Li, desempeña muy bien ese papel.
Lo que opina Ana:

Historia intimista de un amor inquebrantable, cargado de ternura, contemplado desde el  otro lado de la mente perturbada de la protagonista, incapaz de reconocer a su amado. La película tiene dos partes, bien conectadas, una primera en que se narra la separación familiar y la dedicación de la madre a su hija, rota bruscamente por un intento de fuga del padre y una segunda que narrará el regreso del cautivo, es entonces cuando la historia de amor se adueña del film y a mí me viene a la mente la canción de Cecilia que habla del ramillete de violetas, la película tiene ese sabor  a un amor total  y no reconocido. Quizá pueda pecar de un poco dulzona, yo se lo perdono, consigue conmoverme.

Bella y perdida. Dir. Pietro Marcello

No es una película propiamente dicha, es parte documental y parte ficción. El personaje real principal, Tommaso Cestrone, el enamorado vigilante, guardián y cuidador del palacio de Carditello fallece, pero es él, ya muerto, el que guía el desarrollo posterior de la película, al dictar un deseo a Pulcinella. No se puede comprender todo, a fin de cuentas el viaje desde el sur, Carditello, al norte, Tuscia, lo hace un personaje con máscara, Pulcinella, para salvar de la muerte a la cría de un búfalo que habla, Sarchiapone. Aceptando esto se puede ir a ver la película tranquilamente. Hay que salirse de los cánones establecidos.
Lo que opina Ana:

Extraño documental, onírico y alegórico, sobre la degradación del Sur, en Italia. Su título de “bella y perdida” resume con acierto la situación de la Campania. Al comienzo se presentan los personajes, pocos y con una función muy específica en el relato, como en un cuento. Habrá dos pastores, el bueno y el no tanto, aunque sin llegar a ser villano, un pequeño búfalo que habla y Pulcinella, el mediador con los muertos. Con estos mimbres se va a construir una historia que revelará la heroicidad de Tommaso Cestrone, un apuesto y valeroso campesino que se enfrenta solo a la omnipresente Camorra, para defender el real sitio borbónico de Carditello, desvalijado y saqueado con toda impunidad. Además de ser el ángel defensor del palacio, es un animalista que defiende  especialmente a los búfalos y que encarga a Pulcinella la salvación de un pequeño macho condenado a la muerte. Así, mezclando realidad y ficción, se hará un crudo repaso a la degradada situación del Sur.

Sunset song. Dir. Terence Davies

Le daban un 9 nada menos en las Favoritas de Teo (lo que yo te diga). Creo que en Metrópolis eran tres estrellas, más cercana a mi propia opinión.

Película correcta, basada en una obra literaria que refleja la vida rural de la Escocia que transita entre finales del XIX y comienzos del XX (llega hasta la 1ª Guerra Mundial). Es un canto a la tierra, un profundo sentimiento de vínculo al paisaje, a las raíces de una geografía. Me recordaba en esto a la famosa Tara de lo que "El viento se llevó". Es lenta en su desarrollo, muy cuidada la ambientación y creo que a la protagonista, la modelo Agnes Deyn, le falta un poco de fuerza para encarar a un complejo personaje, el que más renuncia en esta ruda historia.
Lo que opina Ana:

Excesivo metraje para una película preciosista en sus encuadres, muy medida, con la música como uno más de los protagonistas, como podemos percibir ya en su título. Sin embargo, a pesar de ese ritmo lento ligado al  medio rural  de comienzos del siglo XX en el que se enmarca, consigue ir creciendo y captando nuestro interés. Lo que no consigue es dar vuelo al libro en el que se basa, lo que hace es interpretarlo en imágenes, pero sigue demasiado pegado a su letra, acentuándolo con la elección de una voz en off narradora, que expresa los pensamientos de la protagonista. La ambientación y recreación de época es magnífica, dentro de la tradición fílmica británica. Te quedas con ganas de leer la novela, algo que agradecerle al director.

La clase de esgrima. Dir Klaus Häro

Otra película de ajuste de cuentas de los países bálticos, en este caso  de Estonia, como "1944", comentada en julio, (aunque el director es finlandés), con el régimen soviético de Moscú. La época es el final del estalinismo. La purgas todavía presentes. El miedo es el clima en el que se vive provocado por las desapariciones y los apresamientos. La obediencia al régimen debe ser ciega y total.

Denunciar está muy bien, pero mejor si se hace con una buena película, y esta no lo es. Sabes lo que va a pasar, todo es previsible. Situaciones forzadas y melodramas de sobremesa televisiva. ¡Qué no!, que el cine requiere además de una buena historia, saber contarla.
Lo que opina Ana:

Viendo esta película, sosita y académica, entrevés los fantasmas de muchos países de la Europa del Este ocupados por los soviéticos, aquí te quedas sólo con la visión de la ocupación, nunca se contrapone a la liberación del poder nazi. Sea como fuere, la realidad es que la imposición del nuevo régimen stalinista supuso grandes tragedias privadas y colectivas. Digo que se entrevé porque ese es el escenario en el que se desarrolla la película, para centrarse en una historia particular de un hombre que sólo aspira a vivir como una persona normal, intentándolo como profesor de esgrima en una alejada escuela estonia. Le falta fuerza, definición de los caracteres, resulta ñoña, blandita.

The Duque of Burgundy. Dir. Peter Strickland

Otra película de temática lesbiana, pero completamente peculiar. Ni se plantea este asunto como reivindicación. Estamos en una sociedad exclusivamente de mujeres, científicas relacionas con la biología, y las relaciones entre ellas son algo consustancial a ese tipo de sociedad. Lo peculiar a lo que me refería antes es una fuerte tendencia sadomasoquista en la pareja protagonista.

Cuidadísima ambientación, toda rodada en Hungría, atmósferas recargadas y referencias al mundo de la naturaleza (mariposas, polillas...). No hay que imaginar nada pasional ni escenas escabrosas. Imágenes veladas, tomas distantes, encuadres reducidos. Toda una galería de recursos cinematográficos de este director inglés. Se ha destacado la interpretación de Sidse Babett Knudsen. ¡Qué diferente de la que tiene en "El juez"!
Lo que opina Ana:

Puro espectáculo visual para una historia repetitiva de rituales sadomasoquistas entre una pareja lésbica. Es atemporal, con una atmósfera neogótica en la que sólo falta el espíritu del marqués de Sade deambulando entre las ninfas. No hay cabida para ningún personaje masculino, es un universo de mujeres eruditas en el ámbito de las mariposas y con unas tendencias sexuales que llegan a ser obsesivas.

La mejor manera de verla es dejándose llevar por la fuerza de las imágenes, disfrutar de sus composiciones y sus alegorías, sin pedir nada más, como si un discípulo de Buñuel estuviera recreando sus universos oníricos.