El clan de Pablo Trapero

Lo que opina Ana:

Película dura que narra  como tras el fin de la dictadura en Argentina, continuaron las sucias maneras de la delincuencia y la corrupción. Llevan la película sobre sus hombros los dos protagonistas, Guillermo Francella, el despiadado padre de mirada gélida , de psicópata y Peter Lanzani, el atormentado hijo que nos hace sentir sus miedos, deseos y desesperación, ambos están magníficos.

La película se narra en diferentes tiempos, recurriendo a flashbacks que nos llevan y nos traen del pasado al presente, o a la inversa. Mantiene un ritmo narrativo ágil y que mantiene al espectador expectante, como debe ser.

Sufragistas. Dirª Sarah Gavron

Es una película necesaria que relata sin edulcorar la lucha a favor del voto femenino en Inglaterra, y además lo centra en una doble dificultad, la de ser mujer y la de ser mujer obrera.

Como es característico de las películas inglesas, la puesta en escena es brillante, refleja la época (primeros años del siglo XX) con precisión en todos los ámbitos, actrices y actores actúan de forma convincente, todos dan la sabiduría que poseen, aunque el papel sea pequeño, como el de Maryl Streep, y sin embargo la película se hace demasiado académica, le falta la pasión de la ira, de la rabia, el sentimiento. Es un buen trabajo, no una gran película. Eso sí, necesaria completamente.
Lo que opina Ana:

Película necesaria, de factura académica. Le falta pasión, relata sin olvidar ningún escenario, compone una atmósfera perfecta, típica del cine británico, cumple su objetivo de denuncia y homenaje, pero no te conmueve.

Langosta. Dir. Yorgos Lanthimos

Película muy curiosa en la que hay que dejarse llevar y entrar en el mundo que te plantea, una hipotética sociedad donde vivir en pareja es imprescindible, sino eres expulsado a un bosque en forma de animal, antes de ser capturado y eliminado. Frente a ese mundo oficial existe la alternativa, los ilegales, iguales de estrictos en sus normas, que defienden el vivir solitario como única forma social, te relacionas pero están prohibidos los sentimientos y el amor.

La voz en off, magnífica Rachel Weitz, va dando cuenta de la situación en la que vive el protagonista David (Colin Farrell) desde que ingresa en el hotel de los que han perdido su pareja hasta que llega a ella en el bosque.

Bien estructurada, tiene un buen guión y te va ofreciendo siempre algo nuevo que encaja en lo anterior. El final permite la polémica, las interpretaciones diferentes.

Tuvimos la mala suerte de estar al lado de dos abominables, ignorantes y parlanchinas que se preguntaban en alto qué hacían allí; esa misma pregunta me hacía yo.
Lo que opina Ana:

Guionista y director consiguen crear un mundo apocalíptico en el que los seres humanos  no tienen libre albedrío y están condenados a convertirse en animales si no viven emparejados. Es inquietante, recuerda a los universos de Aldous Huxley, donde siempre hay algún individuo que pretende escapar de su destino programado. Es una película para cinéfilos, aún así la sala estaba llena, algo malo para los que queríamos disfrutarla,  nos tocaron al lado dos petardas a las que no les gustaba, en vez de marcharse en silencio, dieron la murga hasta el final, incluidos los títulos de crédito.

Gran trabajo actoral. Collin Farrell borda su papel, para el que ha tenido que engordar muchos kilos, hasta el punto de casi estar irreconocible. 

Nadie quiere la noche. Dirª Isabel Coixet

La película de Isabel Coixet es arriesgada. Relata una aventura en condiciones extremas y hay que reconocerle que consigue trasmitir esa sensación de estar en el límite de la supervivencia. La expedición de Peary en la que se alcanzó el Polo Norte por primera vez (que en la película esta fechado en 1908 y en realidad sucedió en 1909, el 6 de abril) es el pretexto para presentarnos a su mujer, Josephine Peary (Juliette Binoche), y su carácter y determinación indomables frente a cualquier adversidad, con tal de estar al lado de su marido en esos momentos. Nieves perpetuas, ventiscas y tormentas cegadoras, fríos inhumanos y seguir, seguir hacia el norte. Esa es la primera parte, la que más han alabado los críticos. Luego la espera cuando ya  ha llegado la noche continua y el sol "duerme". Si fuera cierta la relación entre esta mujer aristocrática y engreída y la esquimal casi salvaje sería una historia increíble, sino lo fue, estamos en el cine, nos la imaginamos. En esta segunda parte son las relaciones humanas, el sacrificio y el reconocimiento de lo extraño lo que importa. Tal vez esté un poco forzado este contraste y no sea fácilmente asimilable encontrar en esas latitudes y en esas condiciones a una mujer tan exageradamente distinguida. Pero merece la pena ir al cine y reconocer el esfuerzo de Isabel Coixet.
Lo que opina Ana:

Después de la floja “Aprendiendo a conducir”, me costaba volver a ver una película de la Coixet, pero me alegro de haber vencido  mis recelos, esta vez ha conseguido volverme a emocionar con una historia sorprendente, en la que se mezclan la aventura y las emociones en medio de una naturaleza hostil y agresiva. Está basada en personajes reales, aunque no lo es la historia en sí misma, están cargadas las tintas, la relación entre esas dos mujeres no fue así en la realidad, pero como argumento de película es estupendo.

Josephine Peary, acomodada esposa del explorador del ártico Robert Peary, fue una adelantada a su época, realizando proezas que ninguna otra mujer occidental había llevado a cabo hasta entonces, la pasión por la aventura era la base de ese matrimonio amante de las heladas tierras del Norte, siempre en busca de alcanzar el Polo, hasta lograrlo.

La historia se centra en ella, en su espíritu aventurero y luego en el descubrimiento de la amante esquimal de su marido. Esos temas apasionados, son uno de los platos fuertes de la Coixet y sabe sacarles partido.

Un otoño sin Berlin. Dirª Lara Izaguirre

Siendo el primer largometraje, o eres un genio o te toca la varita mágica de la inspiración, que no parece el caso. Cuando leemos la declaración de la directora afirmando que no tenía claro ni el tema ni la trama antes de rodar, pienso que demasiado bien le ha quedado la película.
Dejar constancia del agradecimiento a los cines Verdi por invitar a los profesores a ver gratis unas cuantas películas. Ver cine siempre está bien.

El puente de los espías. Dir. Steven Spielberg

Las peliculas de Spielberg de contenido histórico son contundentes (esta dura 141 min.), le gusta desarrollarlas detalladamente (lo hacía también en "Lincoln"). Otra característica del cine de época de Spielberg es rescatar a individuos no conocidos por el gran público y convertirlos en héroes (por ejemplo en "Salvar al soldado Ryan"). Pues esas dos características se dan en esta película, ambientada en plena Guerra Fría, en una frenética guerra de espías y con el miedo a los ataques nucleares.

La figura del abogado James Donovan (Tom Hanks) sirve para ensalzar el patriotismo contracorriente, y colocar por encima de los intereses de la patria los principios legales en los que se sustenta una nación. Es la democracia, eso distingue a los EE. UU. de los regímenes totalitarios.

Spielberg no ahorra gastos. La ambientación está muy cuidada. Recrea el ambiente de Berlín Oriental coincidiendo con la construcción del muro (aunque se permite la licencia de llevarla al invierno, cuando fue en verano). Se ha dicho que es una película clásica, solo que en color. Personajes que no son de cartón piedra, que muestran matices (el espía malo, Rudolf Abel interpretado por Mark Rylance es magnífico), y un guión que aguanta todo este entramado (de los hemanos Coen). Buen momento para ir al cine.
Lo que opina Ana:

Una película de aire clásico, con un magnífico guión que nos hace disfrutar  de cada frase y nos conduce  hábilmente por los intrincados caminos del espionaje, algo muy de agradecer. Tom Hanks y Mark Rylance crean unos personajes  con carácter, también de tinte clásico. La ambientación está logradísima. La única pega que le pongo, es el excesivo patriotismo que rezuma el final, pero eso es también  el resultado de una mimetización de la película con el  tenso momento de la primera fase de la guerra fría, la penetra, se invade de ella y asume todas sus premisas.

L' attesa de Pietro Messina

Lo que opina Ana:

Magnífica película que consigue enganchar al público sin ningún recurso efectista, enseñando el juego desde el comienzo, las cartas están siempre boca arriba, no hay trampa ni cartón. Con una historia que comienza acabada, parece imposible que se pueda ir creando expectativas, desvelando realidades de las que el público es cómplice y que sólo están veladas para la joven protagonista. El director  nos hace ver más que a ella, nos lleva por delante, nos convierte en cómplices de su relato y nos muestra cómo plantearle la verdad a la única que la desconoce. Lo hace con un ritmo muy medido, utilizando la luz con maestría, creando claroscuros cambiantes, como los sentimientos, y acompañando su relato con  momentos musicales imborrables, como  cuando suena  “Waiting for the miracle” de Leonard Cohen  durante la escena del baile. Una joya.

Mia madre de Nanni Moretti

Lo que opina Ana:

Una película de sentimientos que no consigue transmitirlos, le falta fuerza. Me daba la sensación que Moretti nos estuviera contando alguna experiencia propia, pero alejándose, poniendo su personaje en manos de su hermana, la auténtica protagonista de la película. Al no relatar desde la piel, en primera persona, el efecto del relato es mucho más sordo y así queda marcada la película, con un tono sordo.

De vez en cuando intenta meterle un poco de chispa, otra de sus características, lo hace a través del personaje interpretado por John Turturro que aporta comicidad a un relato lánguido.

Defensa del latín y del oficio de maestro, eso siempre es un grado.

Emilio: formó parte del ciclo de cine italiano que se proyectó en los Cines Renoir.

Fuimos atraídos por el título y por el director. No me gustó mucho. Me parece que los asuntos que trata: la enfermedad de la madre, la hija directora y el hijo que se dedica a cuidar a su madre (Nanni Moretti) no encajan bien, y sobre todo le falta alma, sentimiento, dolor y amor. Parece que fuera una película de encargo.

Il racconto dei racconti de Matteo Garrone

Lo que opina Ana:

Recreación cuidadísima de un mundo fabuloso de reyes, princesas, ogros, hechiceros, saltimbanquis, todo el imaginario de los cuentos y leyendas tradicionales, en el que el bosque juega un papel  primordial.

Es la primera película que Matteo Garrone rueda en inglés, con actores de fama internacional, probablemente buscando un mercado muy amplio para su costoso proyecto.

La pega que le pongo es que resulta un poco larga, y que a veces se abusa de efectos innecesarios, aunque otras veces consigue unas composiciones bellísimas, como la del rejuvenecimiento de la vieja en medio del bosque, un renacimiento propio de Boticelli.

The Assassin, de Hou Hsiao-Hsien

Esta película se hace un poco larga (105 min.) y no entiendes bien lo que sucede. Se ha destacado el aspecto estético, pero incluso en eso la supera "The Grandmaster", de Wong Kar-Wai. La reconstrucción de escenarios, vestimentas y costumbres es algo que preocupa especialmente a este director, y no tanto los saltos y acrobacias del género "wuxia".

A pesar de todo, a mi me entretuvo, aunque fuera por los encuadres, colores (empieza en blanco y negro) y composición de coreografías, pero de ahí a recibir el premio a la mejor dirección en Cannes 2015 me parece exagerado. Lo que sí está claro es que no hay lugar más distante del que refleja la película, la China del siglo IX, que la China del siglo XXI. Los chinos de hoy, los que conocemos, parecen australopitecus al lado de sus antepasados.
Lo que opina Ana:

Un bodrio de película, con pretensiones esteticistas. Una historia confusa, sin ritmo, llena de concesiones preciosistas, empalagosas, aunque algunos de los planos paisajísticos podrían servir para una buena exposición fotográfica. Me dormí bastante rato arropada por el calorcito de la sala. No me perdí nada.

Grandma, de Paul Weitz

Grandma, abuela en inglés, es la historia de una abuela un poco especial, no principalmente por su elección sexual, también por su carácter bronco y directo. Es una película familiar, no para ir todos juntitos, sino porque está centrada en las relaciones familiares por vía femenina: nieta, abuela, madre. Y de paso sirve para repasar unas cuantas cosas, el afecto, la comprensión y la enseñanza suprema, la independencia. Pero no es una película feminista ni tan radical como escribe Javier Ocaña. Además hay que agradecerle al director que llegue hasta el final en su planteamiento original. Se ve y está bien contada.
Lo que opina Ana:

Una road movie muy especial, protagonizada por una abuela y su nieta adolescente. Les falta tiempo, necesitan apremiantemente dinero, la abuela desempolva su viejo haiga y se lanza en su búsqueda.

Nos presentarán una galería de personajes que ayudarán a hilvanar la historia, iremos conociendo especialmente a la abuela, su pasado, ya que  de la nieta lo que importa es su futuro, ayudarla a resolverlo.

Tiene frescura, ritmo y unos personajes bien compuestos.

Sicario, de Denis Velleneuve

Sicario, cuatro estrellas en Metrópoli, tiene un problema de credibilidad, una buena realización y personajes bien definidos. La falta de credibilidad se debe a que nunca hemos visto un FBI tan bueno e inocente, parecen una ONG. La agente Kate Macer (Emily Blunt) está en manos de mandos gubernamentales que la embarcan en una guerra sucia contra los cárteles de la droga, y ella descubre, aterrorizada, unos métodos y unos procedimientos que se saltan todas las legalidades. Eso en alguien del FBI suena raro, y más si es un mando. Por lo demás la película tiene ritmo, deja manchado a todo el mundo y plantea un final en el que un mal sustituye a otro mal, nada de falsas utopías.

Benicio del Toro (Alejandro en la película) encarna, con su inexpresividad típica, ese personaje que sin ser nada, lo controla todo. Seguramente no se aburrirán.
Lo que opina Ana:

Como muchas películas del género, deja bastantes aspectos confusos, los personajes son huidizos  y la trama se complica  sin llegar a aclararse. Introduce varios planos narrativos, saltando la permeable frontera del desierto que separa la terrible realidad de Ciudad Juárez, del silencio violento del desierto ya en territorio comanche. Lo que mejor hace es presentar las duras condiciones de vida que imponen los cárteles despiadados en las tierras de frontera, pero no se detiene en ello, apremiada por un guión que quiere acción, nos lleva a un relato que para mí se queda cojo.

Mistress América, de Noah Baumbach

Escribe Jordi Costa que más que una película de Noah Baumbach es de Greta Gerwig, la protagonista y coguionista. Ya la vimos en "Francis Ha" y me pareció un poco desquiciada. Es esta pequé de ingenuo y de mala información: tres y cuatro estrellas de calificación, frases admirativas para el director, pero no me fui del cine, hace tiempo que no lo hago, de milagro. En mi familia todos opinamos igual. No volver a tropezar en la misma piedra.
Lo que opina Ana:

Me pasé gran parte de los 84’ de su metraje durmiendo, sin remordimiento alguno, salvo por el coste de la entrada. Alguna vez me despertaron mis propios ronquidos. Con esto lo digo todo.

Rams (el valle de los carneros) de Grímur Hákonarson

Lo que opina Ana:

Historia pausada, intimista, cerrada en el  espacio, con poco horizonte, la cámara contempla interiores y cuando sale al exterior, la vista no se abre en panorámicas  que creen la ilusión de otro mundo más amplio. En este sentido el director nos encierra en ese valle inhóspito en el que la población está envejecida y ligada a las ovejas. Creada la atmósfera, con lentitud irá desvelando la historia de dos hermanos enfrentados, pero ligados para siempre por unos lazos que ni el silencio puede cortar.

Yo recordaba la visión etnográfica sobre un modo de vida en vías de extinción que nos presentaba la película “El perro mongol”, aquella dura vida esteparia quedaba compensada por la esperanza, la luz que aportaba la niña. Aquí  no la hay, todo es desolación, la muerte acecha a los carneros y a los humanos.

Emilio: película de festivales, escribe en tono crítico Jordi Costa (ganó la Espiga de Oro a la mejor película en la Seminci de Valladolid de este año).

Al final se convierte en una epopeya de incierto desenlace para salvar la herencia genética, la tradición, casi la antigua sangre de una familia, representada por un rebaño de ovejas. En este acto heroico se deshace la maldición bíblica, de Caín y Abel. Hasta ese momento postrero el desarrollo es lento como el transcurrir de los días en esos inhóspitos parajes. Pero a mi me gustan estos temas agropecuarios.

Dheepan de Jacques Audiard

Lo que opina Ana:

Audiard vuelve a apostar por los marginados, siempre en busca de héroes fuera del sistema. En esta ocasión no consigue hallar la medida justa, se le va la mano. La parte intimista, los sentimientos de los personajes son el punto fuerte de la película, la guerra externa, el círculo en el que les hace vivir resulta desmedido en su narración.

El final es desbaratado, un súper hombre, un titán capaz de salir ileso en un fuego cruzado entre bandas asesinas, y el happy end de que sólo cruzando el canal existe un mundo idílico de acogida, es intragable, por mucho que desees lo mejor para los protagonistas.

La banlieu vista a sólo unos días de la gran masacre parisina del 13 de noviembre, ayuda a comprender por qué se pueden generar viveros de terroristas en el interior de un país como Francia.

Eso sí, la película despierta el interés por conocer qué sucedió en Sri Lanka, una guerra olvidada.

Emilio: ganó la Palma de Oro a la mejor película en Cannes 2015. Como en "Un profeta", y en menor medida en "De óxido y hueso", el cine de Audiard es exagerado, desarrolla tramas casi imposibles. De alguna manera son historias redentoras, se parte de situaciones casi en el abismo para llegar a la salvación, al éxito, bien sea profesional, emocional o incluso criminal. En este caso es un guerrillero tamil el protagonista (el actor que lo encarna ha vivido en persona esas situaciones). A través de una narración bien articulada y usando en ciertos momentos composiciones expresionistas, flash back recurrentes (la cabeza de un elefante emergiendo entre la maleza de la selva ), vemos como un antiguo guerrillero de Sri Lanka se establece en un suburbio de París lleno de delincuentes, y en él, su mujer y su hija, ambas falsas, utilizadas solo para poder entrar en Europa, logran sobrevivir en unas condiciones hostiles.

Me entretiene, pero me parece tan difícil de creer lo que cuenta que sales con cara de incredulidad. Y recibir por esto la Palma de Oro creo que es demasiado.

Una pastelería en Tokio. Dirª Naomi Kawase

Las películas que recuerdo de esta directora, comparten un toque espiritual relacionado con la naturaleza. El significado del viento, los árboles, las flores, las piedras, la luna...que hablan y te proporcionan mensajes que debes escuchar. Cuanto más te separes de esta comunicación, más amargura te proporcionará el vivir. En "Aguas tranquilas" quien no encontraba su lugar era el chico adolescente; aquí, el pastelero. Hay personas que te enseñan y te guían a conocer este lenguaje, que te muestran con sus actos y palabras el camino a seguir, en este caso es una señora mayor, Tokue, y el medio de ejercer su magisterio armónico y respetuoso es la cocina, la pastelería, en un diminuto puesto de dorayakis.

Hay cosas un poco desconectadas: la historia de la joven estudiante a la que se hace coincidir con los protagonistas; también un exceso de sentimentalismo (Roberto Piorno en Guía del Ocio) en el tramo final. En Metrópoli (4 estrellas) la consideran una obra modesta en comparación con la "grandiosa" Aguas Tranquilas.

Con ese espíritu zen, el florecer de los cerezos y el aroma de los dorayakis la película tiene asegurado el éxito.
Lo que opina Ana:

Planos psicológicos dan el tono de la película, los personajes son íntimos, reconcentrados en sus vidas, cargados y marcados por un sino infeliz, aunque la anciana consiga transmitir un halo de aire fresco, un amor hacia las alegrías pequeñas que son las que nos hacen sentirnos felices. El encuentro entre tres generaciones sin vínculos familiares, pero conectadas por unas vidas solitarias será el hilo conductor de esta historia-cuento enmarcada por el  sonido del viento que mueve las copas de unos árboles hermosos como una sinfonía poética, la directora vuelve a colocar a la naturaleza en un papel protagonista, endulzando los pesares de los protagonistas y marcando sus destinos.

Descriptiva, sensorial, poética, pero le falta fuerza.

The Propaganda Game. Dir. Ávaro Longoria

Lo más sorprendente de este documental es que no sabes si lo que estás viendo es real o pura ficción. Es decir, si cuando vemos a un grupo de coreanos del norte no los ha puesto allí la propaganda para que nosotros observemos una vida pacífica, alegre, armoniosa y feliz; si cuando asistes a una misa católica, no son figurantes; si cuando visitas la única que casa que te dejar ven por dentro, para profesores, no es un piso montado exclusivamente para que admires el nivel de vida que alcanzan gracias al Estado comunista estos profesionales. ¿Por qué no quieren abrir la nevera? ¿Será solo de pega?

Una pregunta se repite el productor y director durante todo el tiempo ¿de dónde sale el dinero? Vemos grandes avenidas, edificios propagandísticos mastodónticos en honor de la dinastía Kin. Construcciones según el antiguo realismo socialista, altos bloques geométricos. Sólo puedes ir donde te llevan, ¿y lo demás?

Pero por otro lado, el documental muestra que los vecinos de Corea y sus más declarados enemigos tienen mucho más peligro nuclear que la propia Corea, y parece que mires a donde mires a todos les interesa la existencia de este régimen.

Creo, por hacer una crítica, que la estructura de lo narrado podía ser más concreta y limitada a un guión establecido, y así las múltiples intervenciones opinando sobre este "Estado ermitaño" encajarían mejor. Una parte importante de lo que vemos se lo debemos a ese español que trabaja al servicio de los Kin (ahora como antes alabando el régimen del padre Kin-Jong-il y del hijo Kin-Jong-un) Alejandro Cao de Benós. No sabes si es un títere, un tonto o un pillo listillo. ¡Qué personaje¡
Lo que opina Ana:

No pueden verse documentales en la última sesión, esa era la afirmación de Emilio al salir del cine. El documental no engaña, desde el principio presenta las condiciones en que pudo ser filmado, siempre con escoltas, dirigidos, observando lo que les dejaban ser observado. Como resultado, aparecen ciudadanos felices, aparentemente sin problemas, defensores de su sistema y su líder, lo que encierra esta visión mediatizada podría  desvelarse respondiendo a las numerosas preguntas sin respuesta que se hace el director, ¿qué hay más allá de la propaganda? El personaje de Alejandro Cao de Benós es una muestra más de un estado encubridor y falsamente feliz.

Le sobra metraje, se vuelve repetitiva en sus tesis. 

Truman. Dir. Cesc Gay

La buena crítica de Boyero terminó de disipar mis dudas (tres estrellas en Metrópoli). Trata material sensible, donde la contención, lo sugerido es mejor que lo dicho, que lo evidente; donde tienes que meterte en situación sin que se note: un enfermo despidiéndose de su amigo, el último adiós. La buena interpretación de R. Darín y J. Cámara (concha de plata para ambos en S. Sebastián) mantiene a flote la película, pero la cuestión está en el guión, y en estos casos tiene que ser una joya. Al final pierde la nota, en la cena, al confesar el protagonista su proyecto en el momento del derrumbe físico, y en la escena de cama. No creo que ninguna de las dos secuencias sea necesaria. Sí me gustó sin embargo de despedida, en el aeropuerto. Difícil asunto este del tono, pese al humor negro, que podría ser más corrosivo, trufado de buenos sentimientos. La mayoría de los secundarios son muy conocidos, y mantienen el tipo en su papel (bueno, el hijo, regular). En fin, eso.
Lo que opina Ana:

Llegaba precedida por el éxito de sus dos protagonistas en el festival de San Sebastián, donde se llevaron ex aequo la concha de plata al mejor actor. Ellos salvan la película, que se acaba dejando deslizar por senderos engañosos que le restan solvencia. La visita a Ámsterdam, buscando la despedida del hijo es grotesca, especialmente por la mala interpretación del  hijo (Oriol Pla), pero el rocambole llegará al final con la excesiva e innecesaria escena de cama, son excesos que nada aportan al desarrollo dramático, según mi punto de vista, es todo lo contrario.

Victoria. Dir. Sebastián Schipper

Ha ganado todos los premios Lola (los Goya alemanes). Es una demostración de poderío: en una sola toma de 138 minutos. ¿Para qué? Dice el director que para sentir de verdad la adrenalina que supone robar un banco. Así, eso. Puede que exija un esfuerzo tremendo (el director lo compara con un maratón), pero la historia necesita alguna justificación, sobre todo la de su protagonista (la española Laía Costa-Victoria-). No es fácil creerse que una chica que está trabajando en una cafetería en Berlín, recién llegada, pianista estupenda, se meta en este berenjenal. Primero liándose con esa panda de delincuentes, cuando ella parece que no ha roto un plato en su vida, luego en el robo de un banco, y para terminar de cambiar de personalidad, tomando ella misma la iniciativa. Hay saltos argumentales que te bloquean para seguir el desarrollo de la historia, en "Victoria" me ha pasado de forma meridiana. Jordi Costa escribe que es una proeza admirable, pero digna de mejor causa. En Metrópoli, creo, menospreciaban "Birdman" en comparación con ésta.
Lo que opina Ana:

Me dan exactamente igual los virtuosismos técnicos, su plano secuencia y todos los adornos que se quiera añadir, la película es un sinsentido, los personajes no son creíbles, ¿qué hace esa virtuosa del piano madrileña convirtiéndose en una heroína de una banda de gánsteres de poca monta? Se me hace eterna, no veo el momento de ponerle fin a tanto dislate, pero afortunadamente llega y escapo a respirar el aire de una noche templada.

Amama. Dir Asier Altuna

Una película en euskera. Es duro de oír el euskera sin estar acostumbrado. Es una película poética y espiritual, encarnada en la figura de la abuela "Amama", un personaje mitad bruja, mitad fantasma, porque no habla en ningún momento, y sin embargo es como si ella hubiera diseñado el mundo de las generaciones futuras, señalando al heredero, al vago y a la rebelde, lo demás, como Calvino, se manifestará solo.

El bosque es el lugar del misterio y de las raíces. Los árboles representan la antigüedad que perdura, cortar un árbol, cortar un haya, es retirarle la confianza a un ser querido. Lo fundamental es el pulso generacional entre la hija y el padre, con la presencia de la madre sumisa que al final se rebela para mantener la unidad familiar. La figura del padre es la del hacedor y transmisor de valores, el del trabajo el primero. 

Te quedas un poco al margen, pero te introduce en un ambiente, el del caserío, que no está mal conocer.
Lo que opina Ana:

A medias entre una visión etnográfica sacada de un manual de Caro Baroja y un relato ligado a las experiencias personales de quien nos lo está narrando. Le falta poética, poder de sugestión, a mí no me atrapa, sus personajes no me tocan ninguna fibra sensible, me dejan indiferentes y con ello su historia.

Slow West. Dir John Maclean

Tiene un punto de partida raro, extraño, que choca. Un chico imberbe llega desde Escocia y se mete él solito en el salvaje oeste, con forajidos e indios, y no le pasa nada. Aparece milagrosamente un protector que a lo largo de la película irá revelando su personalidad entre inmisericorde cazarrecompensas y hermano mayor de este buen chico.

La historia se va desarrollando y como en todo western, en el viaje están los peligros, los encuentros, los personajes y la muerte siempre acechando. El recuerdo de un amor en Escocia le mueve a este joven a realizar este loco itinerario. Está tan indefenso que te parece un exotismo que a la segunda toma no tenga dos balas en el cuerpo. Este exotismo argumental se completa con la geografía del recorrido, árida, verde y la pradera final. Sabemos que se rodó en Nueva Zelanda. A Ana le gustó, le pareció un cuento.
Lo que opina Ana:

Da gusto que los directores se atrevan a seguir cultivando los géneros clásicos, siempre queda lugar para una nueva mirada en ese inmenso mundo de aventuras que es el western. En esta ocasión la épica del lejano oeste tiene un componente crítico, se cuestiona el exterminio de los indios, y el papel de las recompensas para avivar la codicia. Una doble historia contada a través de flashbacks, en la que el amor actúa de guía y acaba atrapado en la violencia más feroz. El paisaje es, como en todas las obras del género, uno de los grandes protagonistas; en esta ocasión utilizando exteriores neozelandeses para recrear las montañas de Oregón. La fotografía tiene un tratamiento romántico, es muy expresiva, va preparando los cambiantes estados de ánimo según la mirada de quien nos esté relatando cada escena, cuando se recuerda lo ocurrido en Escocia, se torna más crepuscular para abrirse a un mundo más luminoso en la inmensa soledad  de las praderas americanas. Realismo y fábula se dan la mano hasta destrozarse en un final sangriento con aspecto y narrativa de cuento gótico.

Yo, Él y Raquel. Dir. Alfonso Gómez Rejón

Esta película es difícil por varias razones, la primera encontrar el tono, si es demasiado cómica olvida el tema de fondo, si es demasiado lacrimógena, abusa del espectador y se convierte en otra cosa, en un dramón melodramático. Por lo tanto, ese es el primer riesgo, y lo supera. Da una de humor y otra de dura realidad, pero siempre, aunque no estemos viendo nada agradable, tiene ese toque de media sonrisa. El segundo riesgo es que está contada en primera persona y el punto de vista es fundamental. Elije verbalizar todas sus experiencias. No mostrarlas de un modo distante y dándolas por pasadas. Presente, pasado e incluso futuro (aunque sea falso) se mezclan en un guión que es uno de los pilares de la película. Puede que esté cargado el aspecto ingénuo del protagonista, su indefinición vital. También que la fauna del Instituto resulte bastante inventada y que el profesor de Historia, tatuado y que comparte sopa y despacho con los alumnos, no tenga cabida en los institutos españoles, pero dentro de lo narrado no desentona. El director texano de apellido español sale con éxito de tanto riesgo. ¡Qué funcione el boca oído!, como pedían en Metrópoli.
Lo que opina Ana:

Película de instituto que se aleja de los clichés al uso. Es una historia triste, suavizada con un continuo e inteligente sentido del humor, a la vez que un homenaje al viejo cine europeo de autor. No cae en la sensiblería y llega a emocionar sin recursos tramposos. Buen guión y actores creíbles, junto a una estética indie.

Taxi-Teherán, de Jafar Panahi

Que una película que dura poco más de una hora y que, sobre todo, está rodada desde el interior de un coche de forma casi artesanal, utilizando una cámara puesta en el salpicadero, la cámara del móvil y otra que tiene una máquina de fotos que usa una sobrina del director-taxista, una niña de poco más de 10 años, tenga cinco estrellas en Metrópoli y en la Guía del Ocio y que haya obtenido el Oso de Oro en Berlín 2015 es bastante sorprendente. Una razón extra cinematográfica puede ser la del cineasta oprimido: no puede salir del país, no puede rodar películas, y para saltarse estas prohibiciones hace de taxista y graba y filma a sus pasajeros. Alguna vez se sale del taxi y el escenario se abre y vemos desde alguna de esas cámaras algo de la vida exterior. Historias cotidianas que reflejan aspectos de la sociedad iraní y asuntos siempre interesantes y atrevidos (religión, derechos humanos, cine y libertad, valores oficiales...)Es un cineasta maniatado pero vivo. Lo de las cinco estrellas, que cada cual piense lo que quiera.
Lo que opina Ana:

El cine llevado a su esencia, un guión, una cámara y unos personajes que nos narran la historia, no hay nada más, este director condenado a no hacer cine, escapa a su condena con los medios más rudimentarios, no hay artificio, pero es capaz de contarnos su historia, de adentrarnos en el corazón de Teherán, y presentarnos un alegato contra la opresión a través de los diálogos de sus personajes. Me alegro que se llevara el oso de oro en Berlín.

Marte. Dir. Ridley Scott

Escribe Alberto Fijo en Fila 7 que Ridley Scott es un excelente vendedor de historias. Si entendemos que sabe construir relatos, estoy de acuerdo.

Un metraje de 141 minutos no es cualquier cosa, y no sientes el cansancio. La graduación clímax-anticlímax-clímax final está perfectamente medida. Me gustó más la de Quarón, "Gravity", pero Marte me parece muy interesante también. Parten de un mismo punto: una acción rutinaria en el espacio que se complica. Tienen ambas el humor como elemento desmitificador, allí era con Cloony, aquí con Matt Damon. Y terminan con el esfuerzo último, mayúsculo, de intentar salvarse. El aspecto científico parece que está cuidado (algunos ponen en duda la existencia de esas tormentas tan violentas en Marte), y es más fácil de seguir en este aspecto que la inverosímil "Interstellar", protagonizada por Matthew McConaughey. Critico el hecho de que la aventura personal pase a ser de dominio mundial y se monte el circo mediático, son concesiones al gran público. La película vale la pena, desde luego.
Lo que opina Ana:

Épica y aventura en el planeta Marte, Ridley Scott regresa al cine de ciencia ficción para enfrentarnos a la odisea de un astronauta perdido en la soledad de Marte. Mantiene el ritmo sin recurrir a alardes técnicos, Mat Damon lleva la carga de la película y compone un personaje creíble. Sobran algunas concesiones al gran público, falta tensión por no haber lucha entre buenos y malos, todos se posicionan al lado del bien, lo que resta dramatismo a la trama.

Lejos de los hombres, de David Oelhoffen

El tema de la película proviene del relato de Camus, "el Invitado" ("el huésped", según Jordi Costa), pero otra cosa es, con los cambios y adaptaciones que se hayan hecho, llevarla al cine. Tienes que contar con actores que den el tono a los personajes, situaciones creíbles, relato bien estructurado y emoción. Aquí lo que predomina es el mensaje (un hombre que quiere permanecer en paz, no puede aislarse de la violencia tribal, civil, descolonizadora), no la forma de contarlo. Tal vez por esa dicotomía las puntuaciones han sido tan opuestas, cuatro estrellas en Metrópolis, dos en la Guía del Ocio. Yo me quedo más con esta última.
Lo que opina Ana:

Un quiero y no puedo, cargada de “buenismos” se convierte en una parodia del buen cine, parece el relato de un principiante que no consigue dar fuerza dramática a unos protagonistas que deambulan por un mal western en las montañas argelinas. Me pareció un dislate, no me gustó el tratamiento del paisaje, ni sus continuas cursilerías. Para remate final, no podía faltar un burdel, cualquier parecido con los de las cantinas del Oeste ofende al espectador. Los actores no hacen más que poner caritas, no hay quien la salve. Únicamente me queda acercarme a Camus y disfrutar de su literatura.

El Club, de Pablo Larraín

Contando con los problemas de audición característicos de algunas películas latinoamericanas (por el sonido al natural, y por no entender el acento), las imágenes, las situaciones, los ambientes, el color, la luz, todo forma una unidad. Decía en una entrevista el director que él consideraba su película como algo espiritual, místico. Efectivamente, las denuncias de los pecados que han llevado a estos cuatro curas y a una monja a este retiro forzoso van formando un vía crucis, que alcanza su momento de redención al final, cuando un cura lleva por las calles de ese pueblo como si fuera por el huerto de los olivos al crucificado, y culminando la crucifixión  un atardecer de un rojo violento en el horizonte.

Ninguno de ellos se arrepiente de sus pecados, oran, conviven apartados; temen que la iglesia les abandone ¿Qué denuncia te queda? ¿La del pobre diablo vagabundo que desde niño estuvo desequilibrado por los abusos sufridos? Al final lo que vemos es que son humanos, aunque ellos crean que es la gracia divina la que guía sus actos. No me extraña que haya causado una gran impresión, dentro y fuera de Chile.
Lo que opina Ana:

La crítica la había presentado como una gran película, sin duda tiene muchas virtudes, pero a mí no me parece extraordinaria.

Buenas interpretaciones, soberbia la de Antonia Zegers, aunque es una pena que el chileno se vuelva a veces en sus bocas  tan incomprensible como un idioma desconocido que clama por  subtítulos para poder seguirlo íntegramente.

Buen guión también, con una estructura correcta, aunque al final pierda parte de su claridad  argumental.

Lo mejor, junto a algunos de sus actores, es la creación de una atmósfera gélida y opresora que consigue relatar una realidad oscura y oculta que te escupe a la cara y te produce escalofríos.

Edén de Mia Hansen-Love

Después de ver esta película de más de dos horas te preguntas ¿qué interés tiene esta historia para mi? La de DJs que en la década de los 90 iban poniendo sus mezclas en garitos periféricos hasta que alcanzaron fama. Hicieron dinero, lo gastaron, se relacionaban con todo el mundo medio underground, pero poco a poco pasó su época como su juventud (aunque la apariencia del protagonista no cambia en esos veinte años, sigue siendo igual de joven). Vamos viendo a estos personajes al tiempo que suena la música garaje, que no es desagradable, música tecno, disco, sin complicaciones. Lo que te preguntas es si el final, ya llegada la decadencia, tiene algún fondo, alguna interpretación. El protagonista lee un poema tumbado en su cama, y así queda concluido ese periplo vital convertido en vacío, el vacío del tiempo pasado y perdido.
Lo que opina Ana:

Se me hace larga, no me interesa lo que me cuenta, la aguanto sin disfrutarla.

B Director David Ilundain

Procede de una obra de teatro y tal vez sea en ese marco donde más ganen las emociones y sensaciones que provoca este documental, película, testimonio, como se quiera llamar.

Actores convincentes en sus papeles. No hace falta presentación alguna, te metes de lleno en el juicio. La declaración de Bárcenas es un terremoto y en España no se ha movido casi nada. La corrupción como médula espinal, el favoritismo, los sobresueldos, las contabilidades no declaradas. Toda una arquitectura podrida, pero todavía en pie, y quizás no caiga. 

La sorpresa fue encontrarnos entre los espectadores al propio juez de la película, al auténtico, al juez Ruz ¿Qué habrá pensado de su papel? No nos atrevimos a preguntarle.

Esta película la deberían pasar por los centros educativos, por las escuelas de negocios y de ejecutivos. Se debería sentar a todos los diputados y senadores en sus butacas y que escribieran una redacción sobre ella.
Lo que opina Ana:

Documental teatralizado sobre la comparecencia de Bárcenas ante el juez Ruz. Lía nos acompañó a verla, su cara se transformó en una inmensa sonrisa al comprobar que entre los pocos asistentes a la proyección estaba el mismísimo juez Ruz, dispuesto a verse representado en la pantalla por Manolo Solo. No fue capaz, por timidez y respeto,  de expresar su alegría a Ruz.

La película continúa a una experiencia teatral en la que ya se había dramatizado la historia, consigue mantenernos interesados durante los 78 minutos de metraje, los cuales transcurren íntegramente entre las cuatro paredes de la sala de la Audiencia en la que comparece Bárcenas, no hay trucos efectistas, seguimos una sesión judicial que nos desvela que siempre la realidad puede superar a la ficción. 

Irrational Man. Dir. Woody Allen

Vamos a ver las películas de Woody Allen por fidelidad, porque forma parte de nuestra identidad cinematográfica. Vamos porque las ha hecho él. Pero no siempre obtienes la recompensa deseada; así es en este caso. Una película ligera sobre cosas trascendentes, tratadas de forma superficial, con un final que castiga la mala conducta y todo aderezado de filosofía de curso de verano.

¡Qué diferente es el papel encorsetado de Joaquín Phoenix comparado con el libérrimo de "Puro Vicio".

Otra vez será. Te esperamos Woody.
Lo que opina Ana:

Vuelve Woody con su entrega anual y esta vez no toca una buena película. Las críticas ya lo anunciaban, pero yo siempre le he sido fiel, así que compro mi entrada. Espero que en la próxima vuelva a brillar  su genio, habrá que esperar otro año.

Everest. Dir Baltasar Kormákur

Las dificultades que implica rodar escenas de escalada en el Everest en condiciones extremas las hace el director con brío (tal vez sobran dos vuelos rasantes idénticos de las cordadas camino de la cara sur del Everest), retratando con las mayores dosis de verosimilitud esas circunstancias. Se filmó en varios lugares (gran presupuesto), y las escenas de montaña se hicieron en los Alpes Italianos, y parte en estudio, en los míticos Cinecitta. Pero no notas nada de artificiosidad. El gentío de ser un sitio de moda a más de 5.000 metros y ya más arriba las dos cordadas que se disponen a hacer cumbre el 10 de mayo de 1996 ¿Cómo poder reflejar sucesos y conversaciones entre personas que murieron en la expedición? El director decide con la documentación que maneja cómo pudo suceder. Hay veces que sobra un poco de espectáculo, de tramoya de relleno, pero hay que admitir que no deriva en melodrama facilón, que se contiene, aunque podría haber sido más sobrio. Película entretenida e interesante que plantea el riesgo máximo como negocio, tratando de mantener en ello las mayores dosis de la pureza de la montaña, cosa difícil (me acuerdo ahora del excelente documental sobre Iñaki Ochoa de Olza, "Pura Vida". Era igual de apasionante, cayó también en la montaña y era un canto a esa locura que es subir hasta el límite de las fuerzas y de la resistencia humana).
Lo que opina Ana:

Desde el comienzo sabes que las cosas no van a ir bien, el guión y la dirección te van dando pistas sobre la fatalidad que acecha a los protagonistas, a pesar de ello a la historia le falta pasión, se queda un poco edulcorada aunque haya momentos en que yo no pueda mirar a la pantalla, sintiéndome  ante el abismo o congelándome entre esos vientos racheados. Hay cinco personajes que quedan bien delimitados y que sirven para hilvanar la historia, los demás parecen de relleno y no los distingues bien, con lo que pierden peso específico a pesar de ser parte de la expedición, lo que vuelve confusa la narración. 

Heimat, la otra tierra de Edgar Reitz

Lo que opina Ana:

Magnífica reconstrucción de una época a través de la historia de una familia alemana, son cuatro horas de metraje en blanco y negro, utilizando mínimas pinceladas de color para subrayar algunos momentos. Hay una ardua labor de investigación y documentación sobre la vida cotidiana en el ámbito rural de mediados del siglo XIX, auténtico trabajo etnográfico que permite poner en pie un mundo afortunadamente desaparecido, pero en el que entras de lleno, de manera que yo pensaba cómo iba a adaptarme a la vuelta al siglo XXI cuando acabara de verla. Sigo esta larguísima historia fascinada y disfrutando de cada una de sus secuencias. Me entero después de que se trata de la precuela de una  exitosa serie televisiva alemana, que no quiero perderme.
 Emilio: esta película es como un documental sobre la vida en un pueblo del reino de Prusia a mediados del siglo XIX. Aunque se cuentan varias historias de personajes concretos, lo que subyace es la sensación de pobreza extrema, de penuria y de explotación casi feudal de sus habitantes. La salida: la emigración, y en ese momento sólo se hablaba de Brasil. Es un proyecto de envergadura que requiere aguante (dura cuatro horas, con un pequeño descanso de cinco minutos), pero ha debido extenderse la noticia de su calidad porque la diminuta sala de los Cines Renoir Plaza de España estaba llena y tuvimos que sentarnos en la 1ª fila. Al final, en los títulos de crédito, aparece la lista de muchos museos, y es que la reconstrucción de vestimentas, herramientas y formas de vida es casi etnográfica. Te da pena que el utópico protagonista, Jacob, no pueda realizar su sueño. Nos gustaría saber qué ocurre después;eso se ve en Alemania, en una serie con el mismo nombre.

Los exiliados románticos. Dir. Jonás Trueba

Es un cine que recuerda un poco al de Rohmer, donde no pasa nada y la gente habla y habla. La película de Jonás tiene un toque más lúdico, aunque hay también conversaciones serias y un poco de transcendentalismo de más. Podría ser la película que representara a la juventud ya casi perdida del inicio de la nueva centuria, sin grandes aspiraciones y donde hasta la pasión amorosa está como amortiguada, está más en la teoría que en la piel.

Es cortita y se deja ver, pero se oye regular ( hay fragmentos de conversaciones que no se entienden).
Dicen el director y los actores que se han divertido y han hecho un viaje con el pretexto de rodar una película. La dedicatoria a los hijos nacidos en ese tiempo muestra que el  viaje ha dado sus frutos.
Lo que opina Ana:

Peliculita de jóvenes de generación Erasmus, abiertos a una Europa sin fronteras, que comparten amistades internacionales. Dos españoles, dos italianos, una suiza, un inglés… gentes a los que les importa la palabra, tanto que recuerdan a las películas francesas, donde pasa poco o nada, pero en las que te entretienes  viendo transcurrir el tiempo, en este caso corto , observando sus disquisiciones morales o simplemente vitales. Debieron pasarlo bien rodando esta película y eso se transmite al espectador.

Un día perfecto. Dir. Fernado León de Aranoa

Esta película podría ser mejor de lo que es. Un guión bien construido, una situación conflictiva, compleja y confusa que describir, actores convincentes...., hasta que entra la rusa en escena, Katya (Olga Kurilenko). Ahí se tuerce y entra en escena lo casposillo, machista, superficial y fuera de ambiente. Los críticos han destacado el humor dentro de la tragedia (en eso me recuerda a "Los lunes al sol"), pero ese humor se vuelve tosco y banal al entrar este personaje en escena, y no es culpa suya, y te preguntas ¿por qué? No lo sé.

La película termina con paradoja, manteniendo ese tono sarcástico y poniendo de relieve la difícil relación entre lo imaginado y lo real de las acciones humanitarias.
Lo que opina Ana:

La película tiene ritmo, sus imágenes narran bien el relato, te conducen al corazón  de la guerra, a su cotidianidad. Benicio del Toro y Tim Robbins componen bien sus personajes, ellos son creíbles, así como el intérprete, la joven cooperante francesa y el niño que busca a sus padres, ese quinteto no desentona, es una pena que patine con la aparición de Sergi López y especialmente de Olga Kurylenko, ambos rompen la coherencia del guión, están de más, no aportan nada a la historia, es más le hacen perder calidad, sobran. 

La vida en llamas. Dir. Manuel H. Martín

El cine Artistic Metropol es el único cine en Madrid capital que proyecta este documental.

Con imágenes potentes y a "pie de fuego" nos cuenta el trabajo de una unidad de la BRICA, el cuerpo de élite del INFOCA, que lucha contra el fuego en Andalucía. La base de operaciones de la unidad está en Aznalcóllar. Han hecho un trabajo de grabación que merece reconocimiento, utilizando medios técnicos especiales para poder filmar en situaciones difíciles y hacerlo con la mayor precisión y calidad posible. Pese a que adolece de algún exceso (el sentimentalismo de las novias, resaltando una y otra vez el peligro en le que viven sus novios; tampoco hace falta personificar en solo tres personas la labor de muchos; y, además, que hubiera sido conveniente una voz en off que nos ponga en situación, nos dé información sobre superficie quemada, las razones e intereses de esta destrucción, formas de prevenirlo...) es recomendable como material didáctico, porque sus tomas te llevan directamente a la realidad, ves lo que ocasiona un fuego y lo difícil y arriesgado que es sofocarlo.

Papusza, de Joanna Kos-Krauze y Krzystof Krauze

Es la película más interesante de la cartelera, después de la de Pixar y la de Amy.

Es una elegía del modo de vida de los gitanos centro europeos, polacos. Tomando como personaje a la poetisa Papusza (Bronislawa Wajs), vemos su nomadismo perpetuo, sus relaciones y costumbres, ritos y festejos. También las persecuciones sufridas durante la ocupación nazi, y el asentamiento definitivo en los años cincuenta bajo el comunismo. La historia es triste porque Papusza es la víctima, por romper el secreto de las leyes gitanas y atreverse, siendo mujer, a saber leer, escribir y versificar su mundo. Pero lo más sobresaliente con diferencia es el aspecto estético. Riguroso blanco y negro, bellísimas imágenes; luces y planos de una exigencia compositiva mayor. Por eso la han comparado con otra película polaca, Ida. Pero sólo en eso, Ida tiene mayor rango y calidad narrativa.
Lo que opina Ana:

Nos llega de Polonia otra joya en blanco y negro, una historia en la que brilla la fotografía como pieza clave de lo que nos van a contar. La película sigue un ritmo narrativo que va dando saltos del presente al pasado y que acaba hilvanando la biografía de una mujer nacida para hacer algo grande, una niña gitana a la que su madre quiso llamar “muñeca” pues eso es lo que significa su nombre Papusza. Yo tenía la sensación de estar viendo un western, siguiendo los pasos de los carromatos por las praderas americanas, pero se trataba de otra realidad nómada, la de los gitanos polacos a lo largo del siglo XX, hasta que el estado socialista detuvo su marcha y los realojó en penosas condiciones rompiendo sus tradiciones de músicos errantes y de pobladores de los bosques. Aunque el guión no es perfecto, sí lo es toda la parte plástica, es un deleite mirar cada una de las imágenes de esta historia.

El cartero de las noches blancas. Dir. Andrey Konchalovsky

Dos méritos tiene esta película (León de Plata al mejor director del festival de Venecia 2014). Presentarnos el espacio natural en torno al lago Kenozero, hoy parte del parque nacional Kenozyersky, situado al norte de Rusia, y que la mayoría de sus actores son sus propios habitantes, Eso tiene ventajas e incovenientes, el principal es la falta de tensión dramática. La película es plana, y eso la hace un poco larga. La historia en lo esencial ( aparte de la del cartero que reparte el correo en una lancha con motor, que le sirve para desplazarse a los poblados)es ver cómo viven estos rusos en el siglo XXI, pegados a la TV, bebiendo vodka y con la paga del estado. No llega a ser un canto melancólico de un modo de vida que se extingue, no tiene ese halo poético. Lo más grandioso es el lago.
Lo que opina Ana:

Una nueva película rusa que habla de un mundo rural, apartado, en el que sus habitantes parecen una especie en extinción, una población envejecida y maltratada por el consumo de vodka, única escapatoria ante una realidad poco alentadora. Tiene lugar en el norte, junto al lago Kenozero, donde no hay niños, la antigua escuela está en ruinas, no hay  aliento de futuro por lo que sus gentes se consumen y dejan pasar la vida recibiendo cada mes una pensión que les permite ahogar sus recuerdos con alcohol. Es una Rusia triste y gris. Los protagonistas son casi todos gentes de la región que debutan en el cine con esta película. El director se concentra en presentar el espacio, embellecido con imágenes pictóricas cuando describe el paisaje, pero repulsivo cuando se acerca a  las casas en las que malviven sus habitantes, a mí me retrotraía a las formas de vida de la Galicia rural de mi infancia, con pocas comodidades, escasa cultura y afortunadamente hoy desaparecida. Lo de menos es la historia, lo que importa es la atmósfera.

Ghadi, de Amin Dora

Todavía dan Ghadi en los cines Yelmo, nosotros la vimos el 2 de agosto en los Renoir, y pese a estar entre las mejores en cuanto a crítica, ya creía que no estaba en la cartelera. Es una película libanesa que tiene la peculiaridad de que uno de los papeles protagonistas lo hace un niño con síndrome Down. Es una fábula, un cuento, y como tal hay que verla. Cuenta que un niño que era para los vecinos de su barrio una especie de maleficio, gracias al amor y al ingenio de sus padres se convierte en lo contrario, en la encarnación de la bendición, los milagros y las esperanzas. Como escribía Alberto Bermejo en Metrópoli (cuatro estrellas), lo peor es la carga moralizante, el ejercicio de buenismo, que escribía Jordi Costa. Película para toda la familia, un poco simplona, pero con el encanto de que anima a creer en las virtudes, aunque escondidas, del ser humano.

El cumpleaños de Ariane. Dir. Robert Guédiguian

En francés se titula "Au Fil d'Ariane". Quizá tenga más sentido que el título en español.

El propio director quiere aclarar desde el mismo título que es una fantasía, podríamos decir que es un divertimento, una tontería. A destacar el desnudo gozoso de Lola Naymark.

Amy, de Asif Kapadia

Dura más de dos horas y en el primer metraje superaba las tres. Al final te parece como una tesis doctoral, larga y poco pesada. Asif Kapadia, el director, ha trabajado a fondo el tema, ha sacado imágenes de todo, bueno, malo y regular, referido a Amy, de todas las épocas de su vida (echo de menos escenas de ensayos, alguna vez tendría que ensayar con su banda). Aparecen todos los personajes principales que formaron parte de su vida, los padres, amigas, novios (novio con mayúsculas y luego marido), músicos, representantes...Cada uno se explica, vas haciendo una composición de lugar. No hay una voz en off que guíe su biografía, aunque eso no significa que el director, y también guionista, no sea el responsable de la imagen que sacamos del personaje, a fin de cuentas, él selecciona y ordena lo que vemos. No deja de ser todo un poco necrófilo, sabes lo que va a ocurrir, vas a comprobar cómo y cuándo se produce (por cierto, creo que después del desenlace, sobran las imágenes rememorativas). La película permite descubrir a una grandísima cantante que fue engullida por un álbum, "Black to Black " y un exitazo "Rehab". Se convirtió en una atracción de feria. Puede que ya estuviera predestinada. Pueden tantas cosas. Ganará bastantes premios este documental.
Lo que opina Ana:

La estrenaron un poco antes de mi partida para Seattle, tenía miedo de que no aguantara el verano, pero afortunadamente seguía en pantalla a mi regreso de las vacaciones.

Es un documental sobre la cantante realizado tras su trágica muerte, parece imposible que se haya podido reunir todo ese material, capaz  de relatar coherentemente su biografía, sin que ella deje de estar presente casi ni en un minuto del metraje. Es una historia dura, contada a través de las voces de sus  gentes más cercanas, amistades, novios, familia, managers y gente de la industria. Presenta a una Amy conflictiva, con un fuerte carácter, devoradora de emociones, inestable y ante todo una estrella del jazz. Resulta a veces confusa porque va pasando de un narrador a otro, y no es fácil  saber quién es quién, pero consigue reflejar lo que fue su vida, y sobre todo estremecerte con su voz y sus composiciones, era una estrella, un genio, que como otros muchos no supo vivir. Su padre y su marido cargan con la peor parte, impidiendo que Amy pudiera salir de su carrera hacia el abismo.

Aprendiendo a conducir de Isabel Coixet

Lo que opina Ana:

La vi con Lía, a la que le había vuelto a tocar invitaciones de preestreno. Ella se aburrió soberanamente, se le hizo eterna, yo la vi con mejores ojos aunque me pareció muy ligerita, estereotipada  y falta de profundidad. Demasiado previsible .

Del reves (Inside Out). Dir Pete Docter

Cine completamente lleno. Cine de animación, pero no para niños. ¿A partir de qué edad lo entenderán? Sería interesante comprobarlo.

Apabullante. No sé qué decir de ella. Pero, así, de repente, me vienen varias cosas, ¿por que la madre tiene un papel solo de tal y el padre tiene sus negocios y además hace de padre?

Es comprensible que si llega hasta los 12 años la construcción sentimental que vemos, la familia sea un punto de anclaje fundamental. Menos mal que el director ha ido a lo fácil y no ha escogido una familia rara, que las hay. Y otra cosa, me parece que las emociones que se pierden, la alegría y la melancolía, se pasan mucho tiempo ocupando la pantalla y dejan a la protagonista, la niña, un poco sola. En fin, es de las películas que estás esperando comentar con otros.
lo que opina Ana:

Ritmo, fantasía, imaginación, aunque a mí no me acaba de atrapar como a tantos otros a los que he escuchado hablar de ella.  Me magnetizan más las imágenes, las ideas, la explosión creativa, la escena en la que algunos de los protagonistas van pasando por las progresivas fases de la abstracción, hasta abandonar sus formas y convertirse en puras líneas, me parece espléndida.  No llego a conectar con la niña protagonista, pero paso un buen rato con las aventuras que viven sus emociones y con algunos de sus recuerdos. La película vino precedida por un corto sobre un volcán que me pareció delicioso, una bella historia de amor, que serviría para presentar los volcanes en clase. La lista de créditos al final, parecía la historia interminable, ¡lo que hay que mover para poner en marcha y realizar una película de animación!

Unos días para recordar (Bon rétablissement), Dir. Jean Becker

Preestreno. Estas sí son películas de relleno para el verano como dice Boyero. Cerró la Seminci de Valladolid, me imagino que por deferencia a su veterano director.Comedia con todos los tópicos, con un guión extravagante, que busca a toda costa el buen rollo. Menos mal que tiene algún golpe de humor propiciado por el protagonista Pierre, interpretado por Gerard Lavin, socarrón y poco amigable, pero bueno y generoso al final. Ambiente hospitalario muy concurrido.

Love &Mercy. Dir. Bill Pohlad

Este director llevaba quince años sin hacer una película, no sé qué le habrá motivado a embarcarse en esta, porque tampoco parte de un libro previo, aunque sí cuenta como uno de los guionistas al propio protagonista. Este protagonista es el genio de los Beach Boys, Brian Wilson, que vivió una vida atormentada de joven, en pleno éxito, con un padre autoritario, agresivo y manipulador, y ya de mayor, drogado, cayó en manos de un psiquiatra monstruoso. 

Al terminar pusieron la relación de canciones que habían sonado y se llenaron varias pantallas; sin embargo, no tienes la sensación de haber visto una película musical, asistes al proceso creativo, nunca suena un tema entero, ni tampoco aparecen los verdaderos Beach Boys; sólo, ya con los títulos de crédito, en un recuadro pequeño, vemos ala auténtico Brian Wilson, ya mayor, dando un concierto.

Descubrimos a alguien desconocido. Me gusta más la parte de joven, con Paul Dano representándolo, que la de adulto, con John Cusack. La vestimenta y la ambientación están muy cuidadas. No es una película fácil, tampoco redonda, pero sí interesante.

La mirada del silencio. Dir. Joshua Oppenheimer

Oppenheimer ha bajado a la Tierra. En su anterior documental sobre el mismo tema, el genocidio cometido por los militares y grupos afines contra los comunistas en Indonesia en 1965,"The Act of Killing", en el que en teoría nos presentaba a los verdugos, era todo tan surrealista que parecía un cuento fantástico: peces gigantes con la boca abierta de la que salían bailarinas, cánticos en paisajes idílicos de cascadas vestidos como oráculos...Ahora se ha abandonado esa vena y una víctima, hermano de uno de los asesinados, va como un Quijote recordando a los verdugos lo que hicieron por acción u omisión. Los asesinos, si viven, siguen justificándose, pero les molesta que se lo recuerden, dicen que es política, que es pasado, quieren que el olvido sepulte sus actos, pero Oppenheimer, a través de este hombre valiente, quiere hacerlos visibles.

El mundo sigue, de Fernando Fernán Gómez

Esta película se acabó en 1963 y se la tragó la censura. Ahora, restaurada, se estrena con excelentes críticas, pero sólo en trece salas de toda España (en Madrid nada más que en los Verdi). Hay que verla en su contexto dentro del neorrealismo italiano de finales de los cuarenta y cincuenta. Las actuaciones, todas excelentes, tienden a lo melodramático, sobre todo y por encima de todo las de las dos hermanas protagonistas. Fernando Fernán Gómez, el marido de una de ellas, es quien les da la réplica masculina. Tiene demasiados primeros planos en los momentos clave, tratando de reflejar su tensión interior, pero no hace falta que duren tanto. Hay momentos de gran cine, el flash back de la hermana mayor, Gemma Cuervo, mientras sube apresuradamente la escalera y su madre al oír el taconeo la recuerda en otros momentos de su vida, haciendo lo mismo, subiendo la escalera. Queda bien reflejada la vida de Madrid en esos primeros sesenta, aunque, salvo por el ajetreo que se ve en los bares, los coches que circulan por las calles y la vestimenta, podíamos estar en los cuarenta perfectamente: el oscurantismo y el atraso lo envuelven todo.

Era mucha carga la que tenía la película para que la censura la pasara en la larga noche del Franquismo.
Lo que opina Ana:

Extraordinaria película que vuelve a las pantallas 50 años después y que sigue manteniendo toda su fuerza narrativa. En su día fue ignorada, aunque uno se sorprende de que la censura le dejara ver la luz. Cuenta la historia de una familia castiza  del barrio de Maravillas, retratando una España casposa, y eso que se trata de Madrid, ¡cómo sería la realidad de los pueblos y las ciudades pequeñas!

Fernando Fernán Gómez desarrolla una historia cainita protagonizada por dos hermanas en vez de dos hermanos. Mueve a un impresionante plantel de actores, critica el profundo machismo existente, la inmoral relación entre sexos, los prejuicios, las envidias, los códigos de honor.

Utiliza recursos narrativos que juegan con los tiempos, la escalera de la casa se convierte en un viaje al pasado. La fotografía en blanco y negro retrata un Madrid pueblerino. Una joya que nadie debería perderse.