When you´re strange de Tom Dicilo

Lo que opina Ana:
Un buen documental sobre el fenómeno de masas que supuso la aparición de los Doors, haciendo un buen retrato de los 60 y los 70 y de todo el movimiento contracultural de la juventud occidental.
El director utiliza imágenes de archivo y también a un único personaje de ficción que, en mi opinión, habría sido mejor no utilizar, es una especie de hilo conductor simbólico que no sirve más que para confundir. La música domina, como debe ser, la película. No se hacen juicios de valor, se exponen unos hechos, se presentan unos personajes, y al espectador le queda la parte de sentir a su manera lo que le están contando. Yo personalmente salí muy apenada por la basura en la que se acabó convirtiendo la vida de Jim Morrison por su abuso de las drogas, apenada, no escandalizada en un plan moralista. Emilio, en cambio, salió feliz después de haber disfrutado de un espectáculo de música con mayúsculas, lo demás parecía no haberle afectado.

Emilio: Buen documental, buena música y un tipo rarísimo: Jim Morrison. Al principio parecían todos unos aficionados ocasionales, destinados a recorrer un corto camino en el repleto mundo de los grupos musicales, pero cuando los ves actuar en directo te das cuenta de que tienen una profesionalidad que les permite hacer canciones magníficas y sostener las improvisaciones de Jim Morrison, cuya carrera como vocalista es todavía más rara, porque no lo había hecho nunca antes. Hay un personaje en el comienzo y final de la película que viene a ser un alter ego del propio protagonista. Es un capricho del director,y como en todo lo demás lo hace bien, se le puede perdonar. Y la música, siempre la música, aunque algunos se quemen en ella.

Todas las canciones hablan de mí de Jonás Trueba

Lo que opina Ana:
Una ópera prima sin lugar a dudas, pero sin la frescura que podría redimirla de todos los defectos que la acompañan. La cámara se mueve rodando en primerísimos planos que preteneden crear un ambiente intimista y lo único que consiguen es agobiar al espectador que llega a enfadarse de estar tan encerrado entre portales, suelos y arbustos espesos que no le permiten ver más que lo obvio. El guión parece recitado, también le falta libertad, está encorsetado como las imágenes que son las de un aprendiz que se esfurza por obtener una buena nota demostrando que se sabe muy bien la lección. Sirve de crónica de una nueva juventud postuniversitaria a la que no ha afectado la crisis y que nos revela una mentalidad muy abierta en cuanto a las relaciones de pareja.

Emilio: Javier Ocaña en El País valora sobre todo lo positivo de la película y la califica de "insólita propuesta". Pues no sé. Si es novedosa sería en utilizar secuencias donde la presencia física de un personaje se hace realidad cuando en la mente de quien está pensando en ella solo es una presencia mental. O sea, están hablando de una persona, la chica suele ser, y aparece ella en el mismo plano, como si interviniera en la escena, sin que los demás personajes se den cuenta de ello.

Por lo demás, a mi me parece que le falta fuste, dimensión de película que marque una época. No creo que llegue a ser lo que fue "Ópera Prima" de su padre. Hay cosas manidas y personajes antiguos, queriendo ser modernos, como ese amigo del protagonista que dice mil veces "follar". El Ayuntamiento de Madrid debería agradecer al director que enseñe un Madrid al estilo Woody Allen con Nueva York. De los personajes me gusta más, en todo, incluyendo su interpretación, la chica, Andrea (Bárbara Lennie)

Balada triste de trompeta de Álex de la Iglesia

Lo que opina Ana:
Sin duda Álex de la Iglesia es un hombre de cine, un creador de imágenes que compone planos arriesgados y atmósferas oníricas, pero en esta ocasión la película se le ha ido de las manos y es una pena, porque hay en ella momentos de gran cine. Toda la recreación del mundo circense es magnífica, hay magia, fuerza, historias y personajes que ,desgraciadamente, sólo se perfilan y acaban por perderse entre la maraña de un guión desnortado.

Emilio: cuando veamos el Valle de los Caídos ya no será igual. Se sentaron dos señoras a nuestro lado y hablaban antes de la película de la parroquia a la que habían ido a misa por la mañana, era domingo. Al final, ya con las luces encendidas, afirmaban convencidas que el cine español era una mierda. ¿Dónde se habían informado?

Carlos Boyero es un crítico de amores y desamores rotundos, y esta película le ha caído bien, en el lado del amor: "...volcan abarrotado de talento, subversión y alma". Yo no veo tanta perfección. Sí veo el volcán, pero que tan pronto explota por un lado como por otro, no sabes que nuevo conejo se sacará de la chistera. En la primera parte vas encajando situaciones e historias disparatadas, pero la última media hora ya se sale el agua del cazo, y se derrama. No puede uno colocar una detrás de otra todas las ocurrencias y referencias cinéfilas que hay, un freno es indispensable, y Alex de la Iglesia va cuenta abajo y sin frenos. No le para nada. Sale Franco, sale Carrero Blanco, hay coincidencias inverosímiles, y el final del drama es cine de los años treinta, claroscuros, tomas dificilísimas, la Cruz de los Caídos convertida en el Word Trade Center de King Kong.

Chloe de Atom Egoyan

Lo que opina Ana:
Un enredo erótico para gente adinerada y guapa aburrida con su rutina. Lo mejor, la casa de los protagonistas, un recreo arquitectónico. Lo peor, el no saber cómo salir del enredo para llegar a un happy end que ridiculiza y banaliza todo lo que pudiera haber llegado a tener de transgresor el argumento de la película.

Emilio: la película tiene un lado arriesgado, que es el más interesante: la relación entre Chloe (la prostituta refinada que interpreta Amanda Seyfried) y quien la contrata, la mujer que se cree engañada por su marido (Julianne Moore), pero no dura mucho, el director prefiere retroceder al estatus familiar clasista, solo queda flotando la insinuación del recogepelo de la última toma. Hay varias cosas que fallan, la más evidente es la relación familiar, sobre todo del hijo con la madre, y la otra, la facilidad con la Chloe entra en la vida de esta acomodada familia canadiense.

Cyrus de Jay Duplass y Mark Duplass

Lo que opina Ana:
Entretenida comedia con un buen guión y una buena interpretación que se deja ver, pero que también se olvida pronto.

Emilio: comedia no es, y eso que al final se arregla. La puga entre un hijo permanentemente refugiado en el seno materno, pese a su edad, y el pretendiente de la madre, es el trasunto de esta película, que está correctamente contada e interpretada, en un tono medio en todo: dramatismo, emoción y pasión.

Bon appétit de David Pinillos

Lo que opina Ana:
Desde la primera toma sabes que te has equivocado, que estás ante una mala película, la siguiente hora y media en la sala sólo contribuirá a reforzar esta impresión. El guión se tambalea y entra forzado en muchos momentos, ¿a qué viene ese viaje hasta Bilbao?Todo es esperpéntico, las conversaciones con la madre, el encuentro con la novia, el pasteloso panorama de la playa con lluvia...Se ve que hay que contentar a los países que han financiado la película, de ahí que haya que pasarse un ratito por Munich, otro por Bilbao, buscando para ello pretextos sin sentido, especialmente para la escapada vasca y no rodar de un tirón en Zurich.
A Unax Ugalde le queda grande su papel, le faltan registros expresivos, Nora Tschiner se lo come, interpretativamente hablando, y Giulio Berruti sirve para alegrarnos la vista cada vez que aparece, inmensamente guapo, en la pantalla.

Emilio: David Pinillos es un montador reconocido, creo que también es profesor de alguna escuela de cine. Esta es su primera película. El problema está en el guión, pasan cosas muy pronto y demasiado deprisa. Carlos Boyero viéndola, tenía sensación de buen cine. Tal vez porque no hay riesgos, es correcta y está rodada con profesionalidad, pero ya el plano general de Zurich con el que comienza la película y los movimientos de la cámara, nos dan a entender un cine de a,b,c, de manual. La salida a Bilbao es un torpedo en la línea de flotación de la película, no viene a cuento y la cena en la casa de Daniel (Unax Ugalde) es una sarta de topicazos. A mi me gustan las historias románticas, pero esta no me atrapó, y me gustó más la chica Hanna (Nora Tshirner) que el chico Daniel.

Entre lobos de Gerardo Olivares.

Lo que opina Ana:
Lo más hermoso de la película es la Sierra de Cardeña. Tras un invierno de lluvias incesantes el campo aparece rabiosamente verde, el bosque mediterráneo brilla y en él se rueda un buen documental de naturaleza, pero no una buena película. Le falta garra, le falta emoción, es demasiado plano el relato. El niño protagonista está bien escogido y sus mejores momentos los compone junto a Sancho Gracia, sus escenas en común son lo mejor de la película.

Emilio: Entrelobos es una película difícil de realizar, contiene premisas arriesgadas: el protagonista es un niño, los animales son fundamentales, y, además, salvajes. Gerardo Olivares se ve que está deslumbrado por la historia y comete errores de principiante: en el comienzo la frase "Una historia verdadera"; eso tal vez se puede colocar antes de los títulos de crédito, con el texto explicativo del niño y sus circunstancias. El final también es prescindible, muy prescindible, con la vuelta de este chico ya como un hombre mayor y el grito del lobo, y el lobo aparece, sin importar el tiempo transcurrido. Esos excesos, primeros planos montados de los lobos, no impiden que la película sea emocionante y nos muestre un paisaje increible. El repertorio de animales es otro aliciente: buitre leonado, águila imperial, búho real... y lobos, pero parece que fueron las cabras las más problemáticas.

Poesía de Lee Chang-dong

Lo que opina Ana:
Una cándida abuelita que maleduca al nieto con el que convive, se encuentra de pronto en un callejón sin salida, atrapada, con nuevas certezas que no le gustan y busca en la poesía su expiación. El guión, premiado en Cannes, se enreda a veces, con lo que sales con dudas, algo confundida, pero sin que te importe demasiado pues tampoco has llegado a sentir gran emoción, ni a encariñarte con los personajes.

Emilio: la trayectoria vital de esta señora, siempre elegántemente vestida, es difícil de comprender. Se tocan varios asuntos, el incipiente Alzheimer, su trabajo como asistente de ancianos discapacitados, su entrega a la poesía y al círculo variopinto de poetas aficionados y la relación con su nieto, un autista sin diagnosticar. No sabemos qué hace allí este chico, ni por qué ella tiene que asumir el papel de culpable en la tragedia con la que se abre la película; por lo que, a pesar de premios y calificaciones aceptables, me alejé, me perdí y...me dormí.

Tamara Drewe de Stephan Frears.

Lo que opina Ana:
Comedia ligera con la que pasar un buen rato sin más. Es un canto a una campiña británica idealizada, en la que la lluvia nunca cae.

Emilio: Si la película no la firmara Stephan Frears habría pasado sin pena ni gloria. Retrato de una comunidad de escritores, egocéntrica, caprichosa y sexualmente inestable, que vive en un pueblecito idílico de la campiña inglesa, al que llega una antigua vecina, físicamente imponente ,Tamara Drewe (Gemma Arterton), y bastante liberada. A partir de aquí se sucenden distintos episodios, que van liando la trama, a veces demasiado. Al final, el director decide acabar las historias de un brochazo, haciendo los arreglos necesarios para guardar un escéptico buen sabor de boca. Poco más.

18 comidas de Jorge Coira.

Lo que opina Ana:
Una serie de personajes se van cruzando a lo largo de un día pautado por el ritmo de las tres comidas principales. El acto de comer se impone como hilo conductor, como telón de fondo. La jornada comienza con seis desayunos a través de los cuales vamos conociendo a los personajes, continúa con sus seis comidas y termina con las seis cenas. En esas microhistorias hay momentos transcendentes en los que aparece la búsqueda del amor, la llegada de la muerte, el desamor o la salida del armario de una parje de gays tratada con fantástico humor.
No todas las historias tienen la misma fuerza, no en todas te ríes con la misma intensidad, pero en general es una comedia con muchos aciertos y contada con un ritmo muy bien medido en el que el director ha jugado con la improvisación, dando rienda suelta al talento de sus actores. Se refleja muy bien la realidad lingüística en Santiago, la convivencia pacífica entre el gallego y el castellano. Muy recomendable.

Emilio: esta película puede que sea como "Opera prima" de Trueba, por la frescura y el romanticismo que tiene querer que todo acabe bien. Con tantas historias es natural que haya altos y bajos, momentos chispeantes y otros forzados, pero en conjunto se ve con agrado, con una sonrisa en la cara y con el deseo de que a estos personajes no les vaya mal del todo. Además en Santiago hace sol.

La mosquitera de Agustì Vila. Dir. Agustí Vila.

Lo que opina Ana:
Película de festival, va arrasando allá por donde pasa con su irreverente presentación de la familia. Juega con el absurdo y bajo él esconde a sus personajes que en el fondo son bastante mezquinos, salvo la asistenta, una bellísima inmigrante que acepta resignada su papel en la función pero sin disfrazarlo, siendo consciente de sus actos. La crítica habla de una evidente influencia de Buñuel que sí puede percibirse en algunos planteamientos, especialmente en la comida familiar con la que termina.

Emilio: Película de premios y salas vacías. Bien rodada, con grandes actores, y en algunas escenas bastante subida de tono (la pulsión sexual siempre es un motivo de escape y de remordimiento). No me atrevo a afirmar la totalidad de la frase de Jordi Costa: "...el resultado es tan afortunado como insólito". Lo último desde luego.

Copia certificada de Abbas Kiarostami

Lo que opina Ana:
¡Mira que había jurado no volver a ver ninguna otra película de Kiarostami después de aquella de los cerezos en la que un motociclista se pasaba todo el metraje subiendo las curvas de una colina! recuerdo haber leído por entonces un comentario de Vicente Molina sobre la pesadez del cine asiático avalado y consagrado en los festivales europeos, pensé que cuánta razón tenía y que yo no volvería a aburrirme con ninguna otra de sus películas; pero atraída esta vez por el cambio de horizonte y por una historia de pareja que anunciaban como universal, volví a picar. Lo único grande en la película es Juliette Binoche y el entorno toscano por el que se mueve, lo demás es indigerible, ni siquiera me resultó atractivo el aliciente políglota de la cinta.

Emilio: Carlos Boyero la vio en Cannes y aguantó; aquí en Madrid, ya no pudo. David Bernal en On Madrid escribe que es una bellísima película, aunque algo petulante. Hay muchos y sabios recursos cinematográficos: planos múltiples, lenguaje en diferentes tiempos verbales, que elimina los flash-back y una Juliette Binoche espléndida, pero todo eso no aguanta la pasividad de su pareja, la mezcla insustancial de idiomas, el escaso efecto dramático in crescendo y la verborrea sin fin. Todo conduce, a pesar de la bella Italia, a una digestión pesada.

Carancho de Pablo Trapero

Lo que opina Ana:
Dura, violenta, triste, el director presenta a unos personajes cansados de sus vidas, pero dispuestos a un cambio cuando el amor les brinda una oportunidad inesperada. Es una crónica negra en la que el espectador se sube a esa ambulancia que en el servicio de noche recorre las calles de la ciudad y en la que la doctora de guardia asiste a los atropellados con una rutinaria profesionalidad. El ritmo es lento, cansino, como lo son sus personajes hasta que comienzan a adquirir más matices, a sentir con más fuerza y a tener esperanzas a pesar de saberse condenados.

Emilio: Es una película intensa, con pocos respiros, es un ir y venir, un estar de un lado a otro, del accidente al hospital, del hospital al tanatorio. La realidad que refleja es tremenda. Pero hay demasiadas situaciones extremas, quedas saturado (el final, todo el desenlace, es un un ejemplo del deseo del director de golpear nuestra atención. Escribe Javier Ocaña "...los últimos dos minutos de la película te dejan literalmente seco"). Los dos actores están magníficos, a mi incluso me gustó mas Martina Gusman en su papel de Luján, que Ricardo Darín en el de Sosa.

The town,ciudad de ladrones de Ben Affeck

Lo que opina Ana:
Charlestown es un barrio de Boston madriguera de peligrosas bandas de delincuentes. De ahí arrancará esta historia que mezcla cine de polis y cacos con una original historia de amor. Hay grandes dosis de acción exagerada, persecuciones imposibles y tiroteos desmedidos, pero el espectador sabe que está en el cine, donde todo es posible y además desea que triunfe la parte épica que acompaña al protagonista, que consiga su objetivo porque se lo merece y que logre impartir su propia justicia.

Emilio: te parece extraño que una ciudad de nombre tan respetable tenga estos barrios, con estas bandas de ladrones tan instaladas y persistentes.

Dicen de Ben Affleck que es mejor director que actor. A mi me recuerda a Clint Eastwood, pero sin ese toque elegante y sobrio del maestro, ni con el trasfondo que hace que sus películas sirvan para algo más que para pasar un rato de entretenimiento. Las escenas de acción están bien rodadas, el guión es equilibrado y verosímil. En definitiva, una película interesante, con buenos actores, especialmente el malo Jem (Jeremy Renner, aquel artificiero loco de "En tierra hostil").

Pa Negre. Dir. Agustí Villaronga

Tiene suerte el director porque, en general, esta película ha recibido bastantes buenas críticas: en ON Madrid "la mejor española en lo que va de año". Jordi Costa en el País, "película de avasalladora riqueza. Es un dramón rural estilo Valle Inclán, con señores todo poderosos, alcaldes fascistas y un pueblo temeroso. La guerra civil aquí es un pretexto, a veces desagradable; porque esto podía haber sucedido igual o peor en la época de la gerra de Marruecos o en el Trienio Liberal, nos da igual. Hay unos personajes que tienen que ser los poderosos, otros sus valedores, otros sus esbirros y entre medias un crimen. Podría haber sido otra cosa, mejor construida y menos predecibe; así, cuando ocurre algo nuevo te parece una excentricidad. El guión no ayuda mucho, seguramente por culpa de la propia novela.

Lo que opina Ana:
Lo único que salvo es la atmósfera, la recreación de los espacios, esas imágenes de un pueblo de montaña sumido en la niebla, el interior del bosque, el efecto de la "magdalena" de Proust que pueden provocar alguna imágenes. Lo demás lo resumo como infumable, el guión se pierde en vericuetos y contorsiones que no conducen más que al hastío, quiere contar tantas cosas que se pierde.

La red social. Dir. David Fincher

Red Social es una película ambiciosa y bien hecha. Es además valiente, porque no se pliega ante el poderoso (Mark Zuckerberg, un joven de 26 años al que se le estima una fortuna de 7000 millones de dólares), ni ante una institución sobresaliente, la mejor universidad del mundo, según los ranking de calidad, Harvard (pobres chicas allí).

La película comienza con una conversación a toda máquina entre un chico y una chica, en un pub de la universidad. Casi no da tiempo a seguir y comprender ese diálogo, pero el director y el guionista (Aaron Sorkin) han querido que sea un momento esencial. La misma chica aparece en la escena final, pero esta vez está en la pantalla de un ordenador, esperando el creador de Facebook que le deje ser su amigo. Es muy interesante esta película y seguramente tiene muchos puntos de vista diferentes. El éxito, la amistad, las connotaciones de clase, el concepto de genio, y así podríamos ir aumentando los asuntos que dan juego en esta historia.
Lo que opina Ana:
Aunque uno comprende lo lejos que está de dominar el inglés, no puede por menos que quedarse apabullado con el metralleo del comienzo, ¡qué velocidad en los discursos!. Aún así la película se sigue bien, está bien planteada y consigue un tono bastante neutro; no retrata al protagonista con simpatía, pero tampoco con clara animadversión, simplemente como a un tipo con pocas habilidades sociales ,con mucho talento informático y bastantes resentimientos de clase, él está en Harvard exclusivamente por sus capacidades, pero no disfruta de los privilegios de los que lo están por sus apellidos.
Me gustó entrar en Harvard, ver su ambiente, cómo son y se relacionan entre sí los estudiantes actuales, el papel de las mujeres, tan desinhibidas, jugando en un tú a tú con los comportamientos masculinos, pero manteniendo aparentemente el papel de objetos de deseo aunque sea por deseo propio. Es un buen retrato del interior de uno de los centros rectores de la inteligencia mundial, donde viven individuos que no son ajenos a los comportamientos del mundo exterior.

Exit through the gift shop. Dir. Banksy

Esta película de título impronunciable es un documental que te sorprende hasta el final. En principio el tema puede ser no muy interesante, los grafiteros-artistas vistos en su ambiente, pero de una forma misteriosa y mágica el reportero se convierte en protagonista y el artista grafitero principal y más famoso pasa a ser el director del documental. Durante esta transformación transitan los personajes que dedican su vida a cubrir cualquier superficie útil en alegato artístico. Parece que Tierry Guetta, que cámara en ristre había grabado horas y horas de estas aventuras artísticas, sucumbe a la tentación de la fama cuando él mismo cree alcanzar el grado de artista, mientras Banksy, que cuelga su obra en la National Gallery, resiste y permanece fuera del mercado y en el anonimato. Interesante.
Lo que opina Ana:
Una película surgida del azar donde el director acaba convirtiéndose en protagonista y la estrella en director. Es un extraño documental sobre el arte urbano, los grafitis y sus diferentes manifestaciones, conseguido gracias a la locura de Thierry Guetta, un extraño personaje que se convierte en un filmador compulsivo del submundo de estos artistas a los que sabe cómo ganar su confianza y a los que acaba queriendo imitar. La gran cuestión subyacente al metraje es la del valor del arte ¿podemos realmente confinarlo a convertirse en mero objeto decorativo que se venda en las tiendas de regalos? ¿Puede el dinero comprarlo todo? Parece que en el caso de Banksy, quien sí es un verdadero artista, siguen prevaleciendo aspectos mucho más importantes.

Machete. Dir. Robert Rodriguez

Todavía esta en la cartelera, lo cual no es poco, tratándose de una película minoritaria (cuando la fui a ver éramos cuatro personas, dos de ellas empleados del cine). La violencia, que abunda generosamente: balaseras, cuerpos troceados, trompicones y mamporros, es una anécdota (un poco pesada a veces); lo interesante es ver desenvolverse en este mundo a senadores, currantes, policías y mafiosos, pendientes de una frontera, unos para pasarla, otros para sacarle provecho económico-gansteril.

Robert Rodríguez es irreverente a tope, en todos los aspectos, pero tiene algo que contar: la inmigración vista por un mexicano. El plantel de mujeres, todas relevantes en la trama, es difícil de superar, espectaculares. En fin, un rato un poco movidito. No está mal.

Buried. Dir. Rodrigo Cortés

Vas un poco asustado al cine, pensando que tal vez tengas que salir antes del final. Ana lo pasó peor que yo (tiene claustrofobia). A los quince minutos crees que ya está todo dicho, que de ahí no se mueve nadie, que es un asunto cerrado, y, sin embargo, faltan 75 minutos, que no son repetición de lo anterior, a pesar de tener casi los mismos elementos dramáticos que al principio. Con unos elementos tan escasos y determinados cualquier novedad,por pequeña que sea, es todo un mundo, una ventana que permite continuar soñando que vas a salir del hoyo, o al menos no vas a terminar fácilmente tu existencia. La lucha por la supervivencia está reflejada en el último y más dramático episodio.

Pocas veces un móvil ha dado tanto juego, con un director listo que no desaprovecha ningún recurso, pero sin falsear la situación, y un único actor, un "Stradivarius", dice Rodrigo Cortés que es Ryan Reynolds. Dos pegas menores, el travelling ascendente cenital del ataúd, que no rompe el estilo, pero que lo lleva al límite de lo permitido, y lo que yo creo que es lo peor, la canción country al final con los títulos de crédito. Aunque la haya compuesto el propio director, ¿a qué viene? No encaja (y no me hace falta entender la letra).

Lo que opina Ana:

Me costó decidirme a verla, me daban escalofríos sólo de pensar en el escenario que me esperaba, pero pudieron más las buenas críticas que mi claustrofobia. Tengo que reconocer que me costó mantenerme quieta en la butaca, di más respingos que una pulga y al final se me pasó la hora y media en un soplo. Maravilla pensar cómo Rodrigo Cortés ha conseguido realizar esta dificilísima película que cuenta con un único personaje encerrado en un ataúd esperando el milagro que no llega. Lo consigue con escasísimos recursos y un actor extraordinario, Ryan Reynolds. Un logro digno del mejor Hitchcock.

Bicicleta, manzana, cuchara. Dir. Carles Bosch

Inevitablemente esta película te recuerda a la de Albert Solé "Bucarest la memoria perdida", el emocionante documental que le hizo Albert a su padre Jordi Solé Tura. En "Bicicleta..." afortunadamente el director, Carles Bosch puede contar con el protagonista, Pasqual Maragall antes de que la enfermedad no se lo permita. Ha sido valiente Maragall, porque se expone mucho; puede ser que ese comportamiento esté dentro de su ya conocido gusto por llamar la atención, pero esto es diferente, es muy íntimo. También su familia queda expuesta, y en este ámbito se alza una inteligentísima Diana Garrigosa, mujer de Maragall. El documental, si bien no llega, ni yo creo que lo pretende, tan hondo desde el punto de vista sentimental como "Bucarest", persigue un fin muy loabe: servir de avanzadilla en la difusión de la enfermedad de Alzheimer y mostrar la necesidad de investigar para acabar con ella. No sé por qué a Arcadi Espada le molestan estas cosas (edición digital de un periódico de derechas).

Lo que opina Ana:

Documental sobre el alzheimer a través del seguimiento de la enfermedad en pasqual Maragall. Acierta con el tono, nunca se pasa de la raya, no cae ni en la sensiblería, ni en el recurso a lo morboso. Y lo más importante, cumple con su función de concienciarnos de la importancia de combatir esta plaga y de conseguir el respeto para los enfermos y sus familias. Tiene este fin didáctico, por ello conmueve menos que el emotivo homenaje a un padre perdido que era el canto de la película "Bucarest, la memoria perdida" de Albert Solé.

Todo lo que tú quieras. Dir. Achero Mañas

Escribe Jordi Costa que esta película es "un trabajo que desafía al espectador". A mi el desafío no me parece ni osadía, ni aventura, ni riesgo. Formalmente le gustan los encuadres inverosímiles (la mujer agonizando en el banco del parque), como si en eso también tuviera que llamar la atención; la cámara, el director, se nota demasiado su presencia, su punto de vista (el travelling circular del final alrededor de la figura del padre y de la hija). En cuanto al fondo, creo que someterse a la dictadura de una niña, hasta llegar a obligar al padre a ser y vestir como una madre es una pasada. Porque si Mañas quiere hacer una película sobre el transformismo o el travestismo, que la haga, pero sin utilizar pretextos. Y, después, hay mucha sal gorda; un ejemplo, la actuación de José Luis Gómez (Alex) en el club. Hace lo que critica, rescatar el machismo más trasnochado. En fin, una lástima.

Lo que opina Ana:

Desastrosa de principio a fin, un quiero y no puedo. Lo que más me impresionó es la poca oferta de trabajo que deben de tener nuestros actores como para que José Luis Gómez se preste a participar en este bodrio. La niñita te carga y el padre parece un gilipollas integral.

Las vidas posibles de Mr. Nobody. Dir. Jaco Van Dormael

Es una película interesante, que he tardado bastante tiempo en ver. Tiene una complejidad algo gratuita que hace que no entiendas determinadas escenas, por ej. cuando el protagonista aparece con jersey a cuadros en habitaciones iguales y decoradas con los cuadros del jersey, o cuando sueña que le pegan un tiro en una bañera. O el papel del agua y no saber nadar, tal vez metáfora de la estancia en el vientre materno. Otro planteamiento discutible es comenzar el relato en un ámbito situado en un futuro de ciencia ficción, muy diferente al mundo de las vidas que podría haber tenido Mr. Nobody.

Dejando a un lado la intervención en el tiempo lineal para alterarlo (eso tiene en común con Origen), lo más relevante de la película, aparte del "virtuosismo formal" como destaca Jordi Costa, son las historias de amor y el cuidado que tiene el director en mostrarnos los sentimientos de cada una de estas historias, usando un ambiente y unos tonos propios para cada una. El amor de Nemo y Anna, desde la adolescencia a la edad adulta, es una preciosa historia, sólo por verla merece la pena ir al cine.

Lo que opina Ana:

Con paralelismos con "El curioso caso de Benjamin Button", esta película futurista retrocede hasta nuestros tiempos para contarnos las múltiples opciones de vida que podría haber elegido el último de los humanos mortales, cualquiera de las historias que nos desvela habría podido ser factible. todo pende de un hilo, nuestras elecciones pueden transformar nuestro destino si es que realmente este existe, ¿o es que el destino radica en nuestra libertad de elección? por detrás de todo este planteamiento moral y filosófico se individualizan tres historias, los tres amores de un niño que en su duermevela final ha sido capaz de llegar a hacer realidad; de esas tres historias brilla con fuerza la de Anna, una bellísima historia de amor.

La vida privada de Pippa Lee. Dir. Rebecca Miller

Una película que aguanta en la cartelera y no se sabe muy bien por qué, seguramente por el tirón de los actores, con Keanu Reeves como principal aliciente. La directora también ha escrito la novela del mismo título, pero lo que en literatura hace que con las palabras puedas comprender una situación o un estado de ánimo, en el cine, las imágenes te piden otro desarrollo. En la película, lo tumultuoso y azaroso que pretende esconder la misteriosa vida de la protagonista queda reflejado más bien como una locura juvenil burguesa. Y el final, con la supuesta redención de Pippa Lee, resulta artificial y forzado.

Lo que opina Ana:

Descompensada en su relato, esa mujer tan dulce y elegante guarda demasiados secretos difíciles de creer; rescatada del abismo por un hombre mucho mayor se regenera y aburguesa de tal manera que hace desaparecer cualquier vestigio del pasado, pero las cosas no son tan idílicas como aparentan. La historia está demasiado encorsetada y termina con un final feliz difícilmente entendible, una madre y una hija que no se comunican, milagrosamente se convierten en "compinches". Le falta dramatismo, complejidad en la creación de los personajes, le sobran dulzura y buenas maneras.

Submarino. Dir. Thomas Vinterberg

La salas Golem se están especializando en un cine duro, poco contemplativo. Esta película de uno de los directores de Dogma es normal desde el punto de vista narrativo, es decir, no contiene propuestas vanguardistas llamativas,simplemente en un momento la historia de un hermano se para y vuelve para atrás el tiempo, para coger al otro hermano, hasta hacerles coincidir.

Todos o casi todos los personajes están más allá de la línea de nuestras vidas. Su existencia está al límite de la supervivencia, física y psíquica. Su drama comienza de niños y se arrastra luego para siempre. Traumas irreversibles. El ambiente es frío, tanto meteorológico, como emocional. Da escalofríos ver a esa gente caminar por las calles siempre grises de esa ciudad nórdica. Nada de alegría, ni el sol, porque no se ve. A pesar de todo, la película no nos deja hundidos en la miseria, un rayo de esperanza se abre y deseamos que la vida les dé una oportunidad a esas personas.

Cine minoritario y eso a pesar de que, como escribe Jordi Costa, es una película "más que notable".

Bright Star. Dir. Jane Campion

Según Javier Ocaña es una "joya del romanticismo, una joya del cine". Viene muy bien para descubrir o recordar al poeta John Keats. Peca un poco de empalagosa, por el deseo de la directora de cuidar al máximo ambientes, tonos y colores, tanto de la naturaleza como de los interiores. No hay ninguna toma que no tenga un estudio detallado de estos aspectos, y en algunas imágenes se logra una belleza pareja a la de los versos de Keats. Me gustó la figura de Fanny Brawne, la amada de Keats; me gusta la determinación y la independencia que muestra, el trato displicente y superior que tiene con los hombres, curioso en esa época de inicio del siglo XIX; también me resulta curiosa la liberalidad y la comprensión de su madre.

Keats queda en un escalafón inferior, no es capaz de trasmitir los sentimientos desgarradores que merece esta historia canon del romanticismo: pasión y desdicha.

Lo que opina Ana:

Romanticismo a raudales, ambientación cuidadísima y una historia triste y pasional como pocas. La directora se acerca bruscamente a sus personajes para luego ir puliéndolos y llenándolos de vida. Consigue contar con acierto la tristísima historia de un amor imposible entre el joven poeta inglés John Keats y su vecina Fanny Brawne y que te la lleve grabada para siempre en tu corazón.

The Girlfriend experience. Dir. Steven Soderbergh

Según Javier Ocaña esta es la mejor película de Soderbergh, dentro de lo que denomina "ala vanguardista" de su filmografía. Este director tiene en su haber muchísimas películas, bastante diferentes; por ejemplo, las dos dedicadas al Che, o las dos de Ocean's (Eleven y Twelve). Esta es como un documental hecho a varias voces (un retrato sociológico y económico) sobre la crisis, vista desde el punto de vista de una "acompañante". La verdad, no lleva mala vida esta chica, si pasas lo de ser prostituta como ella lo es, por dinero y por posición. El lado amargo queda reducido a una mala crítica en internet de un cabroncete y a la competencia que supone poder perder tu puesto. Es como una versión empresarial de la prostitución libre. Te quedas un poco frío, aunque desde luego conoces situaciones reservadas a élites económicas. Poca crítica. Lo cuenta y ya está.

Lo que opina Ana:

Sin ningún interés, confusa, experimental en la peor de sus acepciones, desenfoques forzados, saltos y ditirambos narrativos que no vienen al caso, confusa moralina, una historia prescindible.

Origen. Dir. Christopher Nolan

El director ha diseñado una puesta en escena complejísima y visualmente muy sofisticada para algo muy simple: sembrar una idea en el cerebro de un individuo, pero no a través de la persuasión y la dialéctica, sino, como un jardinero, sembrándola, entrando en el subconciente durante el sueño. Como el subconciente se defiende de esta intromisión, la película es muy violenta, pero sin agredir al espectador.

Jordi Costa escribe que es una propuesta cinematográfica situada en las antípodas del consumo rápido y fácil. Y sin embargo, está teniendo mucho éxito de público en España. Tal vez el culpable sea di Caprio. Tal vez sea la película que quiere la juventud que asimila bien esos varios niveles de realidad, como si fuera un juego de ordenador.

Yo la vi dejándome llevar, son dos hora y media, pero me parece mucho envoltorio para lo que contiene.

Lo que opina Ana:

Apabullante película de ciencia ficción en la que te sumerges de lleno desde la primera escena y de la que sales confuso, sin discernir realmente en qué mundo te has metido, ¿es todo un sueño?, ¿se ha logrado volver a la realidad? El ritmo es trepidante, la escenografía grandiosa, la idea brillante, la de adentrarse en el mundo de los sueños y controlarlos para conseguir cualquier fin, pero el final es inquietante y confuso, quizás es eso lo que quiere su creador, a mí me habría gustado más claridad expositiva.

The secret of Kells. Dir. Tomm Moore y Nora Twomey

Esta historia de dibujos animados tiene dos inconvenientes: hacer protagonista a un niño ( no debería ser raro en una cinta de dibujos, pero aquí choca un poco) y el segundo, que la estética de ruedecitas girando para introducirnos en las visiones de lo que fue o de lo que será, es un poco torpona.

Por lo demás, el que la forma del dibujo sea primitiva no importa, le confiere más verosimilitud con el siglo y la época.

El bosque, lugar mágico y peligroso (donde vive Aisling, pequeña y poderosa ada), permite introducir las viejas leyendas y mitos irlandeses. Dentro, en el monasterio, sin embargo, lo cristiano es secundario; igual en el magnífico manuscrito, el verdadero protagonista de la película, que está visto no del lado del mensaje (los envangelios), sino de la iluminación, que es lo que lo convierte en un tesoro.

Interesante película. Cuando vuelva a Irlanda iré al Trinity College a ver el manuscrito de Kells.

Lo que opina Ana:

Con una animación casi plana se van recreando los difíciles tiempos de las invasiones vikingas en la Irlanda cristiana de los monasterios rurales, tiempos en los que se iluminaba el Libro de Kells, una de las joyas miniadas de la Alta edad Media. La historia es a veces confusa, no llega a dominar el tono entre lo infantil y lo maduro, pero aún así acaba atrapándote, haciéndote sentir temor ante la oscuridad y la amenaza de una guerra devastadora.

Toy Story 3. Dir. Lee Unkrich

Estamos ante un peliculón; el que sea en tres dimensiones es una anécdota, porque no lo necesita, dada la fuerza de la historia y de los personajes y lo bien desarrollada que está. Además, el final tiene un toque español cuando a Buzz lo resetean y "Hay una amigo en mí" suena aflamencado (para notar esto hay que verla en versión original). Así pues, al cine, sin límite de edad. Cada uno la verá a su manera.

No hay que decir que las críticas son de cinco estrellas y que Toy Story 3 está la primera de las mejores.

El fondo ideológico es políticamente correcto: compañerismo, ayuda mutua, no abandonar nunca una tarea y perdón para los malos. Si añadieran un mensaje un poco más vitriólico, sería total.

Lo que opina Ana:

Magnífica de principio a fin, una historia para cualquier edad aunque quizá la apreciemos aún más los adultos. No tiene ni un solo fallo, es perfecta. Las escenas entre Ken y Barbie son antológicas, así como las de la transformación de Woody en su versión hispana, convertido en un latin lover pasional y flamenco.

Conocerás al hombre de tus sueños. Dir. Woody Allen

La frase de Shakespeare con la que se inicia la película resume la filosofía de esta pesimista película de Woody Allen: "La vida es un cuento narrado por un idiota, lleno de sonido y furia, que no significa nada".
Si en el Sueño de Casandra retrataba la maldad, aquí los personajes nos muestran sus miserias. Ninguno sale bien parado, a todos se les notan los arañazos de la vida, y para curarlos hacen lo que se les ocurre y aguantan como pueden, con otras heridas y más engaños. Esto es esta aparente comedia, excelentemente narrada, con la mezcla justa para cada historia. El título, tanto en inglés como en español, es tontorrón e inmemorizable.

Lo que opina Ana:

Tras varios intentos fallidos de ver otra película acabamos en la sala viendo la última de Woody Allen, no es que se tratara de un último recurso a la deseperada, por supuesto que estaba en nuestra agenda, pero parecía que no era el día que le correspondía. Aún así siempre te sientas pensando que vas a encontrarte con una buena historia, que quizás te rías y que quizás la historia siga creciendo cuando ya hayas dejado de verla. Y así fue, mi primera impresión fue la de haber visto otra obrita menor, bien contada, bien interpretada. Con la lejanía de los días le voy encontrando más aciertos, más ironía y acidez a la aparentemente frívola presentación de sus personajes; hay mucha amargura en la visión de las relaciones humanas, las más cercanas, las que parecen más firmes y necesarias, se tambalean en la cuerda floja. Es un film muy pesimista en el que sólo se da un respiro a los más ilusos; los demás personajes acaban corrompidos por sus propios egoismos.

María y yo. Dir.Félix Fernández de Castro

Una película pequeña, un documental, con excelentes críticas y reducido a una sola sala de cine en Madrid.
Las vacaciones y otros momentos de la niña autista María y familia, su padre sobre todo, el dibujante Miguel Gallardo, pero también su madre, su abuelo y otros amigos.
El documental, que tal vez se haga un poquito largo, está salpicado de excelentes frases: "Ir por ahí con María es como ir con Madonna, las miradas de todo el mundo se detienen en ella..." "El cerebro de María es como un universo de ruido y confusión, como si estuviera permanentemente delante de
veinte televisores que emiten veinte canales distintos". "María es como una isla en medio del océano a la que sólo se puede acceder cuando baja la marea".
Los dibujos de su padre añaden otra dimensión, que se agradece. Lo mejor es la voluntad de superaración que plasma la historia, de no hacer de lo diferente algo excluyente. Hace falta fuerza y tesón, desde luego.

Lo que opina Ana:

Después de un largo ayuno de cine tras la vuelta de Boston y las Negras, Emilio había preparado como reencuentro con las salas la visión de este documental sobre las relaciones de una chica autista y su padre, el dibujante de cómics Miguel Gallardo.

La historia está bien contada, nos acerca a una realidad que es dura y extraña para los que no estamos cerca de ella. No tiene más pretensiones que contar la historia de María y lo hace con eficacia.

Madres e hijas. Dir. Rodrigo García

Se ve bien esta película de Rodrigo García. Pero si te paras un poco y piensas, te das cuenta que podría promocionarla la Conferencia Episcopal; eso sí, admitiendo una prácticas sexuales fáciles y desinhibidas. Lo del fondo religioso es porque haciendo gala varios personajes de su ateismo, es una monja católica la intermediaria entre la angustia y la felicidad; y también lo digo porque el mensaje final es esperanzador, esta esperanza se basa en el poder de la sangre, transmitido por un sino procreador de abuelos a nietos, pese a los dramas y sacrificios que haya que hacer.

Las historias están bien contadas, con un dominio perfecto de las elipsis y en mucho del metraje con un guión estupendo, al ritmo adecuado, sin forzar las coincidencias del azar. Claro, esto no siempre es así, sobre todo al final de estas tres historias (¿por qué no se atreve a contar una sola?), que al coincidir en un solo punto, pierden la naturalidad en la que han ido desarrollándose. Creo que es la película suya que mas me ha gustado.

Lo que opina Ana:

Otra historia encadenada en la que cada pieza está bien situada, con un guión impecable (la única pega, el recurso al reencuentro entre los padres de la protagonista, totalmente innecesario) y una interpretaciones brillantes, ¡cómo está Naomi Watts! pero no es la única, Annette Bening, su madre en la pantalla, borda los múltiples matices de su papel. Es aconsejable ir pertrechado con un paquete de pañuelos en el bolso.

La chica del tren. Dir. André Téchiné

Casi toda la narración transcurre sin sobresaltos, de una manera natural, pese a las situaciones que viven los protagonistas, que dejan ver el fracaso de unas vidas que no encuentran o no han encontrado su sitio. Lo que más te despista y aleja de la historia central , la de esta chica llamada Jeanne (Emilie Deguerre) y su madre Louise (Catherine Deneuve) es incluir a la familia del abogado judio y todos sus problemas matrimoniales y paterno-filiales. Por lo demás, la película se ve bien, pero, como suele decir C. Boyero, no dejará huella.

Air doll. Dir. Hirokazu Kore-Eda

Jordi Costa se deshace en elogios (El País, 18 de junio), comparándola en maestría a Still Walking. En Metrópoli, Alberto Luchini valora especialmente la puesta en escena y la labor de la actriz coreana Du-Na Bae.

A mi no me entusiasmó, ni la comparo a la cadenciosa, lenta y milimétrica Still Walking. Ya de partida tienes que hacer una concesión a la fantasía, al admitir que una muñeca hinchable cobre vida, doble vida, la del día, a su aire, y la de la noche, otra vez muñeca (aunque con sentimientos) hinclable que compare lecho con un hombre solitario. Es verdad que admitido esto, la historia progresa a los lugares de las preguntas existenciales: quién soy, de dónde vengo, a dónde voy, y que la respuesta conduce a un callejón sin salida. Lo peor es querer hacer universal el sentimiento de soledad, contándonos muy breve y fragmentariamente las angustias de otros personjes.

Vincere. Dir. Marco Bellochio

Es tan aparatosa que tienes que hacerte a ese estilo grandilocuente y efectista. Imágenes que buscan quedarse en la retina. No me gusta este tipo de cine, pero reconozco que en el caso de Vincere, el director aborda la historia con determinación; la pequeña historia, la de la amante Ida Dalser; y la gran historia, la de la llegada del fascismo a Italia, de la mano de la figura bufa de un dictador que no era de mentira, Mussolini. En esta parte, las imágenes de la época que se utilizan, aunque muy cortas, son tremendamente elocuentes. Película útil para proyectar en las clases de los institutos.

Lo que opina Ana:

Le pierde al director el ritmo grandilocuente, todo es desmesurado, desde el hilo narrativo que avanza dando saltos confusos, hasta el planteamiento de planos y encuadres. A veces consigue un efectismo dramático y bello, pero en la mayoría de los casos, el relato es demasiado artificioso. Lo mejor, las imágenes reales de época, ver al auténtico Benito Mussolini y su negra Italia, pone los pelos de punta.

The cove. Dir. Louie Psihoyos

Sales del cine pensando que deberías ser vegetariano, que los japoneses son unos criminales ( y más cuando te enteras que han prohibido su estreno) y que los delfines de los delfinarios no son tan felices como parecen.

La emoción de conseguir desvelar el misterio que los protagonistas conocen, pero que nadie ha visto, les excita, es el peligro, y lo logran, y nosotros gracias a ellos sabemos lo que nunca hubiéramos imaginado. ¡Vaya con los japos!

Lo que opina Ana:

Estremecedor documental sobre la brutalidad humana. En Japón, triste protagonista de los macabros asesinatos de delfines, la película está prohibida. Parece mentira que conociéndose esta realidad no se ponga coto inmediato a tamaña barbarie.

El pequeño Nicólás. Dir. Laurent Tirard

Es una película que se ve bien, con una sonrisa en los labios, que tiene un desarrollo argumental bien estructurado y que acaba la fábula con un mensaje procreador: tener hermanitos es bueno.

Me gusta como actúa el padre de Nicolás (Maxime Godart), pero sobre todo mi preferido es Clotario, el niño despistado, mal estudiante y perpetuo habitante del rincón de los castigos.

Lo que opina Ana:

Una buena adaptación del universo literario del petit Nicolas, quizá el actor protagonista sea el que esté peor elegido. Se pasa un buen rato en el cine.

Io sono l'amore. Dir. Luca Guardagnino

Me salí un poco antes del final. En este caso me gustaría que Javier Ocaña me pagara la entrada. Fui por él y no comparto nada sus halagos (soberbia, sorprendente, moderna, arriesgada). Puede que en el aspecto formal tenga ese carácter de riesgo, por la fusión de algunos planos, las elipsis, la pretendida sinfonía de cuerpos desnudos y los ciclos de la naturaleza. Pero el problema es el guión, la historia, que se ve y se siente como algo artificial, sin progresión, sin lógica narrativa.

Lo que opina Ana:

Un bodrio. Fui animada por las críticas y con ganas de ver y escuchar cine en italiano; la aguanté hasta el final, cosa que no hizo Emilio, quien me dejó entre aquellos escenarios disparatados. Es pretenciosa en su rodaje y en su mensaje, pero se queda sólo en eso, pues no llega a nada más que a provocar el hartazgo.

La cámara parece tener un solo ojo que se cierra y persigue unas imágenes opresivas, sin aire ni espacio; no te dejan ver la historia que se vuelve fragmentaria. Es como si el narrador no supiera lo que tiene que contar y fuera dando pinceladas sueltas, al final todo resulta ridículo, pues se quieren plantear grandes temas, esencialmente el del amor, sin conseguirlo. Lo único que me interesó es la desmenuzada puesta en escena del interior de una colmena burguesa en el Milán actual.

Kiss-Ass. Dir. Matthew Vaughan

Dicen que es un nuevo Tarantino, yo añadiría con toques de la "Casa de las dagas voladoras", por aquello de los cuchillos y las piruetas, pero siempre con un toque medio cutre, medio de sorna, medio gamberro.

Aunque el joven Dave Lizewski/Kiss-Ass quiera ser un supermán con buen rollete, las recibe de todos los colores, pero aguanta hasta que llega la pareja mortífera para ayudarlo: Big Papi (Nicolas Cage) y su hija Hit-Girl.

En fin, se pasa un buen rato,no es sólo para enrollados de la historia de comic en la que se basa y estos superhéroes vestidos de submarinistas molan.

Two lovers. Dir. James Gray

Con dos años de retraso llega esta película, bien narrada y excelentemente rodada, con dos actrices estupendas, cada una en su papel: la atormentada y locamente atractiva Michelle Rausch (Gwyneth Paltrow) y la sugerente Sandra Cohen (Vinessa Shaw). Menos afortunado, quizá por falta de matices, me parece el protagonista Leonard Kraditor (Joaquin Phoenix). En cualquier caso, una película recomendable, que, en un giro inesperado, no termina en un desenlace fatal.

Lo que opina Ana:

Historias de amor y desamor, de encuentros, deseos, sentimientos fluctuantes que acaban por serenarse. La atracción fatal dejará paso a la apuesta por la tranquilidad y el protagonista sabrá aceptarlo, demostrando ser menos frágil de lo que nos había hecho creer; lo cierto es que le queda una buena baza como reemplazo de la que no pudo ser.

Fantástico Sr. Fox. Dir. Wes Anderson

Esta película tiene tres maravillas, no una: el cuento de partida de Roald Dahl, los dibujos de animación siguiendo el método stop-motion y las voces (estamos hablando de la versión original, con Geogre Cloony haciendo de Señor Fox, ¡qué tonos, qué matices!, y Meryl Streep, de Señora Fox, casi mejor que actuando). Si parece poco es que no les gusta el cine, o tienen un día raro (como Javier Ocaña, El País, 23/abril).

Lo que opina Ana:

Otro cuento de Roald Dahl llevado al cine; en esta ocasión por Wes Anderson ( del que habíamos visto con gusto su anteror película: "Viaje a Darjeeling") quien recurre a la animación y consigue recrear una atmósfera auténticamente de cuento. Dan vida a los muñecos animados protagonistas, las voces de George Clooney y Meryl Streep, sólo por oírlas vale la pena ir al cine.

Nausicaä del valle del viento. Dir. Hayao Miyazaki

Hemos tenido que esperar veinte años para ver esta pelicula en España, la primera que realizó Miyazaki. Pese al tiempo transcurrido el mensaje está totalmente al día: el hombre ha destruido su hábitat y sólo quedan refugios sometidos a mil peligros. En conjunto es un placer ver lo valiente que es la princesa Nausicaä (no sé por qué escogió el nombre de esta princesa feocia de la Odisea).

Lo que opina Ana:

La película que lanzó al estrellato a su director llega treinta y tantos años después a España y nos permite disfrutarla en la pantalla grande. La historia es simplona y poco trabada, pero la imagen extraordinaria, da gusto pasear por esos paisajes y adentrarse en un mundo de ficción tan bien ideado.

Alicia en el país de las maravillas. Dir. Tim Burton

Ha habido disilusión entre la crítica. En fin, yo la he visto con gusto, me ha parecido que el Pais de las Maravillas de Alicia es realmente alucinante.

Lo que opina Ana:

Estupenda adaptación de uno de los cuentos que nunca he podido soportar y esta vez sí. Tim Burton recrea espléndidamente ese mundo fantástico que hay bajo el árbol y nos lleva al mundo de la aventura sin fin. Excelentes efectos especiales y fusión entre los protagonistas de carne y hueso y los de animación.

Fish Tank. Dir. Andrea Arnold

Comparan esta película a las del Kean Loach más social y crítico. A mi me ha parecido forzada la elaboración del personaje principal. Demasiado bien está en el ambiente en el que vive, casi es una heroína, aunque se presente como un demonio. Un carácter como el suyo, con tantas tentaciones y tan poco de quien aprender algo bueno, hubiera debido terminar como el rosario de la aurora. No es así y puestos a no pasar un mal rato gratuito, lo agradezco.

Lo que opina Ana:

Al cine británico le gusta contar historias de marginales, escarbar en sus límites, denunciar las injusticias y en esta película lo hace una vez más. Crea una "heroína" potente, una adolescente que se rebela con las únicas armas que tiene a su alcance en el mundo depravado en el que le ha tocado vivir. Es su rabia, su mala leche la que le permite no aceptar su mundo, al menos durante el tiempo en que la acompañamos en la pantalla, pero la fragilidad sigue ahí y no deja espacio a la esperanza.

Océanos. Dir. Jacques Perrin y Jacques Cluzaud

No se limitan los directores de "Nómadas del viento" a enseñarnos una serie de imágenes espectaculares, quieren que estén dentro de una estructura conceptual más amplia, más ambiciosa, tanto histórica como geográfica. La responsabilidad del hombre es total. Este documental refleja el miedo al hombre. Su página web tiene aprovechamientos didácticos, porque esta película debería programarse en la ESO.

Lo que opina Ana:

Emocionante y bellísima película que debería ser de obligada visión para todos. Más de ocho años trabajaron en su filmación para conseguir adentrarnos en algunos paraísos submarinos y llevarnos del uno al otro confín del planeta acompañados por una banda sonora deliciosa. Tiene una fácil lección moralizante, tan simple y evidente, que parece mentira que nos la saltemos a diario. Somos el peor enemigo del Planeta, en nuestras manos está el dejar de serlo,o el arriesgarnos a desaparecer junto a las miles de especies que estamos aniquilando.

Ciudad de vida y muerte. Dir. Lu Chuan

Premiada en San Sebastián. Epopeya dramática de la barbarie humana. Tiene el propósito de perdurar, de trascendencia, de fresco histórico, de gran obra. No le cogí el tono, incluso me pareció que forzaba el aspecto trágico y desgarrador (que existió sin duda).

Lo que opina Ana:

Con pocos medios recrea el director el horror de la ocupación japonesa de Nanking durante la II Guerra Mundial; asistimos con él a la confusión entre vida y muerte, para muchos de los habitantes de la ciudad la muerte aparece como una liberación. Es una película que va radiografiando el interior de los sentimientos, puedes meterte en la piel de los personajes y sentir con ellos el miedo, el horror, la degradación moral, la resignación y el fin de las esperanzas, la desintegración de la esencia humana que algunos no pueden resistir. La película ha sido censurada en China por presentar a algunos japoneses como seres humanos, incapaces de aceptar su papel de verdugos.

Introduce la historia una larguísima escena en la que se describe la caída de la ciudad, a la manera de "Salvar al soldado Ryan". Los tiempos son siempre lentos, como no puede ser de otra manera, para transmitir la carga demoledora y la angustia que la ocupación japonesa provoca en la población civil. No hay rayos de luz, no hay esperanzas, nadie puede salir indemne. El relato de las violaciones masivas te deja sin aliento,´más aún cuando sabes que no se trata de una fabulación, sino del pálido reflejo de una historia aún más cruenta.

La isla interior. Dir. Dunia Ayuso y Felix Sabroso

A esta película la salvan los actores. La puesta en escena es rebuscada y a veces amanerada. Si fueran historias sueltas, cortos, tendrían más sentido que uniendo todos los tremendos traumas que tiene esta familia. Tanta tragedia pesa al final, te desentiendes.

Lo que opina Ana:

Se le escapa al director el tono, es demasiada la tensión dramática que quiere introducir y la historia acaba chirriando. Lo que sí es excepcional es la labor de los actores, todos ellos están soberbios, Alberto San Juan de premio.

El concierto. Dir. Radu Mihaileanu

Ha tenido un gran éxito en Francia y críticas favorables. No lo puedo entender. Me parece una película llena de cliclés rancios (de los judios, de los rusos, de los gitanos y sobre todo de los comunistas), chusca y de un humor grueso. Sentimental facilona y tonta. Menos mal que al final oímos el concierto para violín y orquesta de Tchaikosky.

Lo que opina Ana:

Comedia flojísima que juega con los recursos fáciles y utiliza esperpénticamente los tópicos y estereotipos, es zafia y simple; sólo la redime la música de Tchaikovsky que suena finalmente en el concierto, el espectador siente que merecía la pena haber aguantado para escucharla.

Soul Kitchen. Dir. Fatih Akin

Hemos descubierto en Fatih Akin una vena cómica impensable. Hasta la persistente hernia discal del protagonista Zinos (Adam Bousdouskos), que es el leitmotiv cómico de la película, se soporta bien, a pesar de su duración. Hay escenas de gran sensualidad (la camarera Anna, una morena de mil miradas y múltiples encantos, te atrae como una cobra). Recomendable sin dudarlo.

Lo que opina Ana:

En esta ocasión Fatih Akin ha abandonado sus tragedias para encaminarse por el sendero de la comedia y consigue divertirnos con unos enredos que a veces te hacen estallar en carcajadas. Tiene ritmo, un buen guión y está muy bien contada, muy aconsejable.

El escritor. Dir. Roman Polanski

Película muy intersante, muy bien hecha. Una versión libre e imaginativa de la vida política de Tony Blair. Comienza con un gran chaparrón y una música amenazante y acaba con todo un alarde, con algo que está sucediendo fuera de la toma. Tiene algo de efectista y se te ocurren finales muy distintos. Pero hasta ahí el desarrollo de la trama (la CIA siempre detrás de todo) ha sido constante y sólido, de un gran director. Por eso le dieron el Oso de Plata en Berlín.

Lo que opina Ana:

Polanski se atreve con un thriller político y lo desarrolla manteniendo la intriga y con un interés creciente, recreando muy bien los ambientes y manejando el duelo interpretativo entre los personajes, aunque a veces la historia se vuelve algo confusa. Sirve también como crítica feroz de la clase política británica reciente, el presidente podría ser un alter ego de Tony Blair y, desde luego, no sale nada bien parado.