Quién te cantará de Carlos Vermut

Lo que opina Ana:

Película de dobles y desdobles, con una cuidada composición en la que prima la parte visual sobre el guión, la historia, los personajes no adquieren la grandeza de las imágenes, la plástica es mucho más potente que la literatura. Desde el principio arranca con tono de tragedia, ese tinte oscuro no desaparecerá nunca y nos atenazará durante todo el metraje. Se disfruta visualmente y te da rabia que no se complete con la misma rotundidad en cuanto al sostén literario, la historia falla a veces y con ella sus personajes.

Un día más con vida de Raúl de la Fuente y Damián Nenow

Lo que opina Ana:

Emocionante película animada sobre el libro del mismo título “Un día más con vida” de Kapucinski. Las imágenes tienen mucha fuerza, aunque predomina el dibujo animado, se combina con filmaciones reales de los mismos lugares para dar más autenticidad al relato, para alejarse de la ficción y hacernos ver que todo pasó allá en Angola. Algunos de los personajes que aparecen animados en la película y que sobreviven en la actualidad, también hablan en carne y hueso desde el presente para rememorar aquellos años, otros aparecen en grabaciones de la época, dando testimonio de que fueron reales. la película relata, siguiendo el libro, la fragmentación de Ángola en grupos rivales, la conversión del país en un escenario atroz de la Guerra Fría y rescata del olvido a los héroes y heroínas que Kapucinski encontró y admiró, destacando la figura de la jovencísima Carlota, que murió en el intento de convertir su país en un espacio de igualdad y justicia. Muy recomendable.

Black is Beltza de Fermin Muguruza

Lo que opina Ana:

Película de animación que nos lleva a mediados de los 60 del pasado siglo, para recorrer la convulsa situación de la Guerra Fría y el telón de fondo de la dictadura franquista en nuestro país, entramos en un recorrido histórico por los grandes hitos del momento visto a través de los ojos de un fotógrafo vasco francés que se lanza a participar en la defensa de los ideales revolucionarios contra el capitalismo. La historia es a veces confusa, simple en otras ocasiones, pero tiene una banda sonora y unos efectos animados que la engrandecen siempre, las reconstrucciones de las ciudades por las que pasa son espectaculares, desde Nueva York, a Argel, La Habana o Madrid. Recomendable.

Petra de Jaime Rosales

Lo que opina Ana:

Llega precedida de excelentes críticas, para mí excesivas. Emilio sale rebotado diciendo que no le ha gustado nada. En esta ocasión tenemos opiniones encontradas, a mí no me parece una obra maestra, pero la sigo con interés, me atrae el  modo de planificarla, sus saltos temporales a través de una secuenciación literaria, dividida en capítulos discontinuos, sin recurrir al flasback. No me importa que se recree en planos laterales que consiguen apaisar el relato y centrar el interés en los extremos para reconducir al escenario central a través de tomas del paisaje, muy presente en todo el metraje.

Rosales levanta una tragedia clásica, sin dioses ni héroes, con un coro de música disonante que quizá resulte un tanto pretenciosa, pero que a mí me mantiene interesada.  Los diálogos son a veces demasiado burdos, se pasan de naturales y el arte aparece en la película como un fantasma ridículo y un poco esperpéntico.

Viaje al cuarto de una madre de Celia Rico Clavellino

Lo que opina Ana:

Película intimista que escarba el alma de las protagonistas y lo hace sin ruido, con una enorme delicadeza y colocando la cámara en un espacio pequeño, marcando las cercanías y las distancias, la pena  y la alegría, con encuadres atrevidos que recuerdan a “La soledad” de Rosales. Es una historia menor, en la que  no suceden grandes cosas pero que retrata los sentimientos gracias a un magnífico trabajo interpretativo de Lola Dueñas y Anna Castillo. Gran debut de su directora en el largometraje.

Oreina (Ciervo) de Koldo Almandoz

Lo que opina Ana:

Demasiado pretenciosa, quiere ser un documental sobre la naturaleza vasca, marcar el ritmo del agua al caer y correr hacia el mar mientras nos muestra los animales que se esconden en el bosque, cercanos a los humanos, su amenaza. La vertebra en torno a Khalil, el joven magrebí que se busca la vida en esa sociedad en la que se ha criado y de la que conoce el idioma, pasa del euskera al español y al árabe sin problemas, pero para muchos sigue siendo un marginal con poco futuro. Sugiere demasiadas cosas que no llega a contar con ritmo, se hace pesada.

Cold War de Pawel Pawlikowski

Lo que opina Ana:

La esperaba como a las primeras lluvias tras un largo verano, quedé tan fascinada por “Ida” que mis expectativas estaban altísimas. La disfruté pero no me pareció una obra maestra como la emocionante historia de esa joven monja polaca que descubre su pasado. Como dice Emilio es más una película de escenas prodigiosas, en las que brilla la fotografía en blanco y negro, que una obra redonda. Tiene dos partes claramente definidas, la narración es más ágil en la primera parte en la que se presentan los personajes y su ambiente; la segunda parte cae en el  arrebato de la pasión y se vuelve más caótica y fragmentada.

El director la dedica a sus padres, quienes debieron de tener una relación amorosa tan apasionada como la de los personajes de su película, aunque con biografías muy diferentes.

La música nos acompaña durante toda la película, en algunos momentos podríamos considerarla como un musical apasionado.

Las descripciones del paisaje, de los sentimientos y de la época son conmovedoras.

Girl de Lukas Dhont

Lo que opina Ana:
Prodigiosa interpretación de Victor Polster en el papel protagonista de Lara, consigue crear un personaje totalmente creíble y lleno de matices. El director trata el tema de la transexualidad desde la óptica sufriente de una adolescente que lucha infatigablemente por cambiar su cuerpo y aceptarse a sí misma. Asistimos a su drama personal y nos conmueve deseando que consiga sus propósitos.

El Capitán de Robert Schwentze

Lo que opina Ana:

Me resultó muy difícil de ver, puro sadismo que no me interesaba. Reconozco que la realización y el recurso a un blanco y negro que nos aleja de la visión directa de la sangre son un acierto y que el director compone planos llenos de fuerza, así como que es capaz de perfilar la psicología de un grupo de psicópatas. Preferiría no haberla visto.

El viaje de Nisha de Iram Haq

Lo que opina Ana:

Otra vez una película sobre el choque cultural  que se produce entre las comunidades islámicas y las occidentales, se trata de un relato con claves autobiográficas que refleja el imposible entendimiento entre los dos mundos, cómo la tradición está por encima de todo y lo difícil que es para los hijos, especialmente las hijas, de esas familias emigradas  a Occidente. Una buena y dura reflexión sobre el tema.

Todos lo saben de Asghar Farhadi

Lo que opina Ana:

Director con renombre, reparto de lujo y en esta ocasión resultado fallido. Muchos lugares comunes y una historia que no se tiene en pie.

El reino de Rodrigo Sorogoyen

Lo que opina Ana:

Durísimo retrato de la corrupción entre la clase política española, da mucho miedo porque todo te lo crees. La película tiene un ritmo de infarto, el reparto es estupendo. Tendría que verse y analizarse desde las células de base hasta las esferas más altas de nuestras organizaciones políticas para llegar a adquirir el compromiso de decir basta ya, ni una más.

. The rider de Chloé Zhao

Lo que opina Ana:

Lo mejor de esta cuidada película es su ritmo narrativo y la descripción de sus personajes, como espectador observas un mundo lejano, cargado de testosterona  y lo haces desde el abismo demoledor de un accidente que trunca todas las esperanzas de quien sólo ha sido educado para vivir cabalgando.

El escándalo Ted Kennedy “Chappaquiddick” de John Curran

Lo que opina Ana:

Análisis documentado de la terrible noche en que mientras Neil Amstrong se dirigía a la luna, Ted Kennedy hundía, literalmente, sus posibilidades de convertirse en presidente de los EEUU. El director intenta acercarse a estos hechos de  manera objetiva, sin caer en el amarillismo, tratando de indagar en la psicología de los personajes. Arranca con un carácter documental, para ir adentrándose en un relato más introspectivo. La clase política y el sistema estadounidense  salen muy mal parados, la figura de Ted Kennedy hecha añicos.

La novia del desierto. Directoras Cecilia Atán y Valeria Pivato

Es una road movie, geográfica: desde Buenos Aires al oeste, a la región cuyana, a las montañas, a las estribaciones de los Andes, al desierto pedregoso, ventoso, pobre y bello, a San Juan. Pero también es emocional, la mujer que lo ha dado todo por otros a los que ha servido, se ve, cuando parece que ya está todo establecido, pasados los cincuenta, expulsada y despojada de ese mundo seguro; y es un viaje, asimismo, sentimental, porque descubre otro yo y puede, cuando por fin se atreve, establecer nuevas relaciones, impensables para ella antes de haber iniciado este trayecto. Todo presidido por la difunta Correa, aquella mujer que incluso muerta, su leche sirvió para amamantar a su bebé en estos mismos duros y difíciles parajes. 

Película llena de matices y sabiduría técnica: planos reflejados que dan idea de realidades distintas, encadenamientos de escenas, cortes precisos, que parecen bruscos como el paisaje pero suaves como la personalidad de la protagonista. Dos buenas directoras y una muy interesante película.
Lo que opina Ana:

Una historia sencilla contada con perfección. Una creación de personajes logradísima, Paulina García lo expresa todo sin necesidad de palabras, un prodigio de interpretación, muy bien acompañada por Claudio Rissi. 

En las estrellas. Dir. Zoe Berriatúa

Cine especial, pero lleno de cine, de amor al cine en todas sus facetas, a la historia del cine, a la imaginación. Los muy entendidos sabrán determinar los diferentes efectos especiales que emplea el director para contarnos esta historia, que tiene dos pilares, un padre (Luis Callejo) que ha perdido el pie en la tierra y sueña y delira entre tragos de alcohol; y su hijo (Jorge Andreu), que es su soporte, el que le escucha esas historias y esos proyectos irrealizables, sabiendo que sólo están en la mente de su padre. Estupendos los dos, pero más difícil todavía es que un niño dé tan bien el papel. Están rodeados de actores y actrices de talla. Un cuento muy bien contado, un director con un mundo especial y muchas dotes para hacer cine, para entretenernos y enternecernos. Muy recomendable.
Lo que opina Ana:

Maravilloso cuento que es un canto de amor al cine, no deja de sorprenderte desde el comienzo apocalíptico en un basurero y va in crescendo con cada nuevo giro del guión que va entrelazando la historia real de los personajes con el mundo de ensueños que teje el padre para su hijo. Magnífico dúo interpretativo de los dos protagonistas, bien arropados por un gran plantel de secundarios. Disfruté de cada segundo del metraje, no entendía su estreno en mitad del verano y relegada a una sala pequeña y con horario reducido.

Hotel Salvación. Dir. Shubhashish Bhutiani

El director debuta con esta película (además es el guionista). La puesta en escena es un poco ruda, planos que te producen una sensación de incomodidad por su antiestética, escenas sin progresión, hasta que poco a poco te acostumbras y vas entrando en la película. Tiene dos cosas a destacar: que pese al tema central que trata, la muerte, no tiene apenas momentos melodramáticos; y la otra, que no adorna nada, te muestra la India como es. Es como la ve un indio, no un occidental. Hay alguna fase un poco edulcorada (la relación entre el abuelo y la nieta), pero en general mantiene un tono sereno. Es como volver a la India, pero desde su lado, no desde el nuestro, que, a pesar de haber estado allí, nunca puedes comprender del todo lo que ellos viven y sienten. Interesante, a pesar de que se nota que el director es primerizo.
Lo que opina Ana:

Un viaje espiritual a Benarés contado por un indio, sin concesiones a las miradas occidentales. Hay muchas claves culturales de las que desconocemos los códigos, pero el mensaje es universal, el final de la vida, una despedida asumida sin tristezas y que hace despertar al hijo que va a perder a su padre, obligándole  a relativizar los aspectos mundanos y a buscar los sentimientos esenciales, lo que de verdad tiene valor.

El rehén. Dir. Brad Anderson

Lo que opina Ana:
Da gusto volver a encontrarse con Jon Hamm después de habernos dejado tan huérfanas al concluir “Mad Men”, ésta ya es una buena razón para ver la película que no defrauda, tiene ritmo, intriga, sabe mantener el interés de la audiencia, a pesar de que yo siempre acabo perdiéndome entre los  vericuetos de tanta aventura. Las líneas entre el bien y el mal se desdibujan, en medio del caos en el que se ha convertido Beirut en las décadas de los 70 y 80 del pasado siglo. Rodada en Marruecos, consigue plasmar la atmósfera del antes y el después de un Líbano atacado y dividido.
Lo que opina Emilio:
Película de espionaje al estilo Burne, pero con dos diferencias notables. El protagonista es un diplomático en estado emocional ruinoso, y, segundo, su implicación política es mucho mayor; es decir, el marco geográfico e histórico está mucho más delimitado y sus circunstancias, también. El lugar es Beirut, en dos momento, 1972 y 1982. Hay que agradecer que la película se comprometa y casi se convierta en un documental (no llega a eso). Los israelíes aparecen como la amenaza del Líbano, junto con otros muchos más grupos de todo tipo y condición. Son ellos los que controlan la zona, recurriendo a los medios y métodos  que sean necesarios (sean los que sean), hasta que se produjo la anhelada invasión que pretendían en 1982. Interesante.

Como nuestros padres. .Dirª Laís Bodanzky

Hay algo de cliché en esta película de género, pero no es maniquea. Viene a presentar las diferentes funciones que cumplen la mujer y el hombre en el hogar y en el entramado familiar y social. Hay otro asunto importante que es la fidelidad conyugal, enmarcado en una más general sobre la monogamia. Pero lo más relevante a mi parecer son las relaciones materno filiales, más en concreto madre-hija. No es como la otra película brasileña que acabamos de ver ("Siempre juntos"), un Brasil al borde de la pobreza, es una representación del Brasil burgués, instruido y asentado. Se nota que es una directora no sólo por el punto de vista, también porque alarga la película, tal vez demasiado, hasta que enseña todo lo que quiere que quede expuesto, incluso cuando ya la trama está casi agotada. Con las tres estrellas de Metrópolis yo creo que está bien puntuada.
Lo que opina Ana:

La directora se alarga en exceso para componer  una visión didáctica de un manual feminista aplicado a una familia de la burguesía intelectual brasileña. Para ello perfila con trazos gruesos a la mayoría de sus personajes, están muy descompensados y por ello resultan poco creíbles. Lo mejor de la película es la confrontación entre la protagonista y su madre.

Hereditary de Ari Aster

Lo que opina Ana:

Aclamada como gran película de terror psicológico, para mí consigue más que aterrorizar, inquietar; reconozco que crea un ambiente claustrofóbico que me recordaba en algunos momentos al de “Madre” de Aronofsky, eso es lo único que me sedujo en la película. Fui con Lía y Fer y al acabar sólo pensaba en si ellos serían capaces de explicármela. Las críticas la habían comparado con “La semilla del diablo” de Polansky ¡ya quisiera Aster!

Siempre juntos. Dir. Gustavo Pizzi

Esta película brasileña que obtuvo en el último festival de cine de Málaga el premio a la mejor película Iberoamericana es un ejemplo de buenismo, ante la pobreza, alegría. Pero, afortunadamente no sólo es esto, hay una voluntad estética que ves en esas tomas desenfocadas, en los encuadres difíciles, en las uniones de escenas diferentes con nexos en algún aspecto común. Aquí hay un buen director, o al menos alguien que tiene ideas y una buena montadora para hacer de esas imágenes una historia entretenida. La posible crítica social se queda en un plano muy secundario. No se quiere ahondar en nada. Una pega, que la actriz principal ocupa mucha cámara sin necesidad a veces, por ejemplo en el larguísimo plano final.
Lo que opina Ana:

Una historia familiar brasileña, en la que los profundos lazos sentimentales y la bravura de las mujeres permiten hacer  de la vida un espacio de felicidad, a pesar de todas las amarguras y penurias que están al acecho. Es una historia de sentimientos, de percepciones, en la que hay muchas ópticas y cada espectador puede acercarse a la que le resulte más próxima, a la de esa madre que se enfrenta al abandono  inesperado del hogar de su hijo mayor, a la de ese hijo que ve cómo se le abre un mundo de posibilidades y que está dispuesto a volar, a la de esa tía que saca el coraje necesario para enfrentarse al maltrato, a la de ese padre soñador e ingenuo que vive como si fuera la lechera del cuento…trabada la historia con buenas actuaciones, hay muchos primeros planos psicológicos y con unas imágenes que se difuminan a veces para llevarnos a otro lugar, pasamos de un momento de tensión, con una puerta  que se derrumba a un espacio de libertad, abierto y marino, a través de la magia del cine. Están muy bien introducidas las pequeñas historias que acompañan a la vida de la madre protagonista, la relación a su niñez como mucama casi esclava a través de la visita a la casa de la que fuera su ama o el triunfo de su graduación. Y yo me quedo con la imagen de desamparo del hijo segundo, el más desprotegido, gordo y aferrado a su trombón, el único que no aparenta en ningún momento ser feliz.

La revolución silenciosa. Dir. Lars Kraume

La estrenaron en el festival de cine alemán de junio y ahora ha pasado a las carteleras comerciales. Al comienzo se nos informa que está basada en hechos reales. A mi no me suele gustar mucho que me digan eso al principio, porque, de alguna manera, condiciona la visión posterior. Los hechos ocurren en 1956 en la parte oriental comunista de Berlín, cuando todavía no está levantado el muro, y coincidiendo con la revolución de Hungría, que es el efecto detonante de la historia. Se trata del acto valiente de un grupo de estudiantes en su último curso antes de graduarse de lo que sería la enseñanza secundaria, de hacer un minuto de silencio en honor de los húngaros revolucionarios en la hora del profesor de Historia. Este minuto desencadena una cuestión de Estado y un drama en el grupo de estudiantes y en sus familias. El problema es que el director no ha encontrado el tono, a veces parece un juego tontorrón, infantil casi. El nivel de vida de un minero,su mujer y sus hijos parece el de un burgués asentado. El personaje del tío de uno de los alumnos, un eremita ilustrado que vive solo en el bosque queda un poco ridículo. En fin, es interesante para conocer un acontecimiento, pero como desarrollo cinematográfico de una trama, regular.
Lo que opina Ana:

Interesante  episodio de la historia real de la República democrática alemana en los años anteriores a la construcción del muro; relata la protesta de los chicos de una clase que está a punto de acabar el bachillerato y obtener su título, al enterarse de lo que está ocurriendo en Hungría, el levantamiento popular contra los tanques soviéticos. El problema es que el director no ha conseguido más que un relato lineal, sin profundidad, sin carácter. Te interesa porque sabes que responde a hechos reales, pero no te conmueve, no consigue despegar.

Mary Shelley. Dirª Haifaa Al-Mansour

Hay que agradecer a la directora que nos dé a conocer a esta escritora y lo haga desde una postura en la que se la muestra enfrentada a la situación en la que vivían las mujeres entonces. Mary Shelley aparece como una mujer fuerte, decidida, valiente, pero también vulnerable, y con una vocación de escritora mantenida a toda costa. Es un ejemplo de empoderamiento femenino de la mujer burguesa. Es de agradecer también que su madre, Mary Wollstonecraft, aunque sin presencia, sea un personaje más, y relevante. Lo que pasa es que de puro formal, el vuelo que necesitaba el personaje de Mary Shelley no se alcanza. La directora de la "Bicicleta verde" no puede con esta historia. Hace algo que se ve bien (un poco larga, eso sí), pero sin genio. Recuerdo mejor la de Gonzalo Suárez "Remando al viento". (vista el 8 de agosto)
Lo que opina Ana:

Interesante biopic que no alcanza un gran vuelo, se hace un poco largo, está muy marcado por la música y la atmósfera, pero presenta la vida de una mujer excepcional y de un amor romántico que merecen ser mostrados. Entran ganas de profundizar en las vidas de todos los que aquí aparecen y especialmente en la de la madre de la protagonista.

Whitney, Dir. Kevin MacDonald

Es de las biografías en las que sus personajes están condenados a sucumbir en las llamas de su propio éxito: Amy Winehouse, el diseñador McQueen, María Callas incluso.  Me recuerda mucho a la vida de Amy Winehouse, por el entorno familiar, donde el padre se convierte en el empresario de la hija y hace uso y abuso de su dinero, por el éxito fulgurante, por las amistades peligrosas, por la atracción a las drogas. La diferencia más clara es que Whitney Houston dejo una hija, a la que arrastró en su deriva. Me parece un poco chismoso el director a veces en sus pesquisas, como si se tratara de esas series de TV  horribles que se dedican a investigar los vericuetos de un crimen. De todas formas, es interesante, no sólo por oír la voz magnífica de Whitney, también por ver las ceremonias religiosas que están en la base de muchas de estas cantantes negras, por lo menos antes.(vista el 7 de agosto)
Lo que opina Ana:

Biopic de Withney Houston, realizado como un documental sobre su vida realizado a través de entrevistas a familiares y amigos y utilizando imágenes de archivo. Además de escuchar de nuevo su voz imponente, sales del cine apenado por una vida despilfarrada y especialmente por el daño colateral sufrido por su hija.

Happy End. Dir. Michael Haneke

Tenía cuatro estrellas en Metrópolis; en El Cultual, sin embargo, opinaban que el director se repetía. Concursó en Cannes en 2018 y no obtuvo nada. Lo mejor que se puede decir es lo bien que cuenta lo que no se ve. Algunos críticos se han referido a que Heneke hace una crítica a la burguesía (la burguesía capitalista empresarial). No me parece lo más relevante, veo más interesante el reflejo de la descomposición de una familia donde ninguno cumple el papel que se le tenía asignado. La referencia a "Amor", su película anterior, me parece sacrílega, era tan intensa la emoción y el sentimiento de esa película que esta parece una caricatura a su lado. El uso de la pantalla de un móvil al inicio me desconcertó, y más teniendo en cuenta que los textos traducidos no se leían porque quedan en un fondo claro. La última escena, también desde un móvil, es como una síntesis de todo lo anterior:el desconcierto de Isabel Huppert lo dice todo. Esperaba más.(vista el 6 de agosto)
Lo que opina Ana:

Haneke indaga en los nuevos medios de comunicación, en el aislamiento que producen, en su inmediatez, en la falta de privacidad, al tiempo que disecciona la vida de una familia de la alta burguesía francesa a comienzos del siglo XXI. Lo que más me ha gustado es la introducción de los personajes, entrelazando sus historias, anunciándolas sin llegar a comprometerse con ellas, es el espectador el que tiene que deducir y componer, el director sólo sugiere.

La cámara de Claire. Dir. Hong Sang-soo

Este director coreano es bastante prolífico, al menos últimamente. El tema que aborda en sus películas recientes está relacionado con su propia vida personal, las rupturas y encuentros sentimentales. La actriz que suele participar en estos conflictos es Kim Min-hee, que también está implicada en su vida privada. Un ejercicio, dicen algunos críticos, de exorcismo. Puede que también de exhibicionismo. En cualquier caso, La cámara de Claire es más ligera que En la playa sola de noche. Aquí más bien parece un juego de relaciones ocasionales, aparentemente intrascendentes, con el asunto de fondo de la fidelidad/infidelidad. El personaje de Isabelle Huppert se encarga de actuar como una maga, hace fotos con una polaroid, se las regala a las personas que fotografía y les dice que su vida a partir de entonces ha cambiado, así de fácil. El personaje del director de cine es el más dañado, el más frágil. De él dice Claire (Huppert) que está buscando la muerte antes de que la muerte lo busque a él. Se ve.(vista el 26 de julio)
Lo que opina Ana:

Historia muy medida en tiempo y forma, lo justo para contarla sin divagar. Encuentros y desencuentros fortuitos que recuerdan a un tipo de cine francés en el que nada pasa y todo pasa, con el recurso a un lenguaje cinematográfico que  hermana esta coproducción franco coreana.

Casi 40

Esa despedida de lo que en algún momento soñaste ser y de lo que en algún momento fuiste quizás sea demasiado pronto para tenerla a los cuarenta, y se aproxime más a la edad del director y guionista, los cincuenta. Por esas pérdidas que sufrimos el tono es agridulce, mas de lo primero. Un poco melancólica también, sin caer en la tristeza. Mantener casi hora y media de metraje con casi sólo dos personajes que se pasan todo el tiempo hablando, tiene su mérito, La película apenas decae en su línea de flotación inicial, pausada y uniforme. Hay que valorar esta road movie por la España interior porque mantiene su coherencia e interés hasta el final.(vista el 12 de julio)
Lo que opina Ana:

20 años después, David Trueba decide reunir a los protagonistas de su primera película “La buena vida” y darles la oportunidad de reencontrarse. Es una cinta muy parlanchina, centrada en los diálogos, salpicados de humor y nostalgia. Los espectadores contemplamos y nos dejamos llevar  por esta road movie que recorre tierras extremeñas y castellanas. No tiene grandes pretensiones y se deja ver  amablemente; a mí me sobran canciones, a pesar de la buena voz de Lucía Jiménez.

Formentera Lady. Dir. Pau Durà

Afortunadamente este comentario está escrito en el blog bastante después del estreno (y retirada) de esta película en los cine. Porque me pareció malísima. Es el peor papel que le he visto hacer a José Sacristán (en de un hippy balear/meseteño, fuera de todo, de foco, de pista, de tiempo, de cualquier lugar). Un guión disparatado por lo poco creíble que es y alguna escena, como la de la venta de pescado en la playa a los turistas extranjeros, sencillamente bochornosa. Todavía me pregunto cómo no me salí de la sala antes de que acabara. (vista el 9 de julio)

No te preocupes, no llegará lejos a pie. Dir. Gus Van Sant

Ya hay que tener influencia y poder para conseguir que la distribuidora permita este título tan poco usual (y comercial). El mismo, por cierto, que en inglés. La película pertenece al género de las biografías, aunque de un personaje muy particular. John Callahan, pero no sólo de él, porque el entorno de esa especie de alcohólicos anónimos también tiene su punto, sobre todo el que ejerce de patriarca. La voz del propio Callahan (interpretado con furia por Joaquín Phoenix) nos va dando cuenta en un tono medio jocoso de su accidentada vida. La maestría de Gus Van Sant está en el manejo temporal de la historia. Los saltos hacia adelante y hacia atrás son continuos sin más explicaciones que la imagen y el trasunto del relato. Es una película interesante. Rooney Mara que hace de novia o algo parecido, está guapísima. (vista el 5 de julio)
Lo que opina Ana:

Gran interpretación de Joaquin Phoenix que hace muy creíble la figura histriónica de John Callahan, sarcástico dibujante cuya biografía se nos va desvelando con el recurso a los flashbacks.

Sácame de dudas. Dirª Catherine Tardieu

Otra película francesa. Podríamos englobarla en el cine de verano, por lo general, salvo excepciones, poco relevante. Es una comedia con situaciones estrambóticas, con dos temas de fondo: la maternidad y la paternidad, más ésta que aquélla, y la vejez. En ninguna se pasa del tono superficial, aunque llega a plantear un asunto que podría dar bastante juego dramático, el amor incestuoso. Pero nada, es un enredo más. (vista el 3 de julio)
Lo que opina Ana:

Comedia simplona que se ve fácilmente a pesar de su tono pastelón. Pensada para arrasar en taquilla, sin más altos objetivos y eso creo que lo conseguirá.

Nos vemos allá arriba. Dir. Albert Dupontel

Llega a los Golem en una época cinematográfica de relleno como es el verano una película muy interesante. Es cierto que el inicio te asusta un poco por su ampulosidad (Jordi Costa escribe impetuoso y enfático), pero en seguida bajamos a tierra, a las trincheras. Es como un cuento, trágico y feliz al mismo tiempo. Es teatro de máscaras, representación de personajes ficticios y drama psicológico. La historia está asociada a la 1ª Guerra Mundial, de hecho hay un homenaje muy reconocible a "Senderos de gloria", aunque salta ese marco y va más allá, para mostrarnos lo que los "Felices 20" hicieron con la losa del recuerdo de la Gran Guerra. Personajes destrozados, supervivientes miserables, individuos sin escrúpulos. Todo esto hilvanado hasta formar un relato apasionante y una gran película.
Lo que opina Ana:

Había visto el tráiler en repetidas ocasiones y no me atraía en absoluto, tras su estreno las críticas la ponían muy bien y decidimos verla, fue todo un acierto, puro cine y de calidad. Es un cuento que recrea el último día de la I Guerra Mundial, los soldados hacinados en las trincheras tienen que seguir las órdenes de un sádico teniente que se resiste a aceptar el armisticio y provoca una carnicería gratuita. El arranque recuerda a Senderos de Gloria con una magnífica escena de combate en las trincheras, luego se recrea el mundo de la inmediata postguerra, con un París de grandes contrastes y a través de  un relato ingenuo, que recuerda a la magia de Charlot, se levanta una crítica contumaz a la guerra y a los que sacan partido de ella.

En la playa de Chesil. Dir. Dominic Cooke

Comienza la película con un texto en off tan determinante del sentido de la película que no te deja fijarte en el paisaje, una playa de arena gorda, un cielo brumoso, una barca varada, un ambiente frío. Con este inicio la película no puede acabar bien. Es una historia romántica, lastrada por el miedo al cuerpo, a su exploración y goce. Tiene dos cosas levemente atisbadas: algo ocurrido entre la hija y el padre en la infancia de ella; y el conflicto de clase entre las dos familias, la del novio y la de la novia. No sé si en la novela de Ian Mcewan de la que parte (también es él el guionista) está igual de insinuado o entra más en ello. El que se parta de un texto literario en este caso condiciona demasiado, es como si hubiera puesto imágenes a un libro. El final, volando en el tiempo a través del maquillaje ("infame", según Javier Ocaña-El País-), podría haberse hecho más sutil, con la misma voz en off del principio. En definitiva, las tres estrellas de Metrópolis están bien dadas, ni más ni menos.
Lo que opina Ana: 

Dar vida cinematográfica a una novela tan intimista es siempre un reto, lo consigue ampliamente en la creación del ambiente durante la mayor parte de la película, cuando se circunscribe a los años 60 y a los continuos flasbacks que nos ayudan a conocer a los personajes y su historia de amor; pierde el pulso al final, cuando quiere rematar la historia acercándonos al presente, algo totalmente innecesario y que se convierte en grotesco. Una triste  historia de amor, destruida por el rechazo al sexo. El amor platónico pierde, aunque mantenga su estela para siempre.

Las guardianas. Dir. Xavier Beauvois

Es sorprendente la cantidad de cine francés que llega a las carteleras de VOSE. No todas son buenas, ni mucho menos. En este caso estaríamos ante una regular, en plan generoso. Adolece de un naturalismo bobalicón en buena parte de sus 138 min., y en el tramo final deriva en un melodrama tipo social de clase (campesinos con tierras en la cúspide, abajo los empleados). Se destapa entonces la mujer que defiende la estirpe y la tierra sin miramientos humanos. Tiene un defecto impropio de un director experimentado: la artificiosidad. Los muertos del campo de batallas son todo menos reales; la galería de personajes del campo son como un friso, sólo les falta el toque de un pintor para enmarcarlos. Lo que sí se constata es el tremendo efecto social, demográfico y psíquico que produjo la 1ª Guerra Mundial en Francia. Pero como cine, eso, estampas.
Lo que opina Ana: 

Buena recreación de la Francia campesina de comienzos del siglo XX, la película perece compuesta por maquetas teatralizadas de un museo etnográfico, no consigue despegarse de la novela en la que se basa y añoras dejar la sala y tener en tus manos el libro porque piensas que seguramente será mucho más rico a la hora de   describir y  dar carácter a los personajes.

Las maravillas del mar. Dirs. Jean-Michel Cousteau y Jean-Jacques Mantello

Creo que debería tener mayor difusión. En VOSE, sólo la ponen en los Verdi (y doblada sólo en los Conde-Duque de Goya). Tiene una clara proyección didáctica, porque alude constantemente al respeto que debernos al Planeta, y en concreto a los mares y océanos. Es verdad que no golpea demasiado en nuestras conciencias, tal vez porque va destinada preferentemente al mercado norteamericano; está, de hecho, hablada en inglés, aunque son la segunda y tercera generación de los Cousteau los protagonistas. Las imágenes son sorprendentes. No hay épica porque han evitado las escenas violentas. Hay belleza, lo que nos conduce al respeto.

Western. Dirª Valeska Grisebach

A veces hay una discordancia absoluta entre las críticas y tu valoración. Éste es el caso. Las críticas magníficas, cinco estrellas en Metrópolis y en El Cultural comparan al protagonista con James Stewart o Gary Cooper. A mi me pareció divagatoria, inconcreta y aburrida. En fin...
Lo que opina Ana: 

Aclamada por la crítica, a mi me aburrió  y no consiguió  hacerme sentir nada de lo que le alaban, su perfil fronterizo, su inclusión en el género del western, al que su título hace referencia.

McQueen. Dir. Ian Bonhôte y Peter Ettedgui

Comparte con "El hilo invisible" el asunto principal, la moda, y el tipo de personaje, un modisto obsesionado con su obra que busca traspasar el buen hacer para crear otra cosa, romper límites y marcar una época en su campo. Pero en el caso de esta película, la contención burguesa del personaje que interpretaba Daniel Day-Lewis, salta por los aires, y el calificativo de creador que utiliza la moda como una expresión artística compleja, que asume que sus vestidos, sus creaciones, son algo más, que están relacionados con el arte, la  historia, la filosofía, la técnica, el futuro..., está mucho más presente. Es un genio (desconocido para mi hasta este momento) que se consume en su propio mundo, como si los dioses del Olimpo le hubiesen marcado un destino que se acaba cual ave Fénix. Interesante película, no sólo para los que les guste la moda, esto va más allá.
Lo que opina Ana: 

Fui al cine sin demasiado entusiasmo, desconocía la figura de McQueen y salí impresionada de haber conocido a un genio. La película se adentra en su atormentada biografía y a través de filmaciones de sus espectaculares montajes en las pasarelas londinenses y francesas y de los testimonios de muchos de sus colaboradores más cercanos y de miembros de su familia, vamos conociendo al personaje y su obra.

El repostero de Berlín de Ofir Raul Graizer

Lo que opina Ana:

Demasiado cadenciosa, marcada por una música que subraya en exceso. Lo más interesante es la historia, la trama emocional  que nos habla de un trío imposible. Despierta el apetito a los que somos golosos y nos adentra en una Jerusalén kosher, donde no parecen habitar más que judíos.

Emilio: tal vez las cuatro estrellas de Metrópolis sean un poco exageradas, pero se ve bien. Plantea una historia de amor doble, formando un triángulo involuntario, y ambientada en dos ciudades, Berlín y Jerusalén, aunque la mayor parte se desarrolla en interiores, cafés y casas. No se menciona para nada el problema palestino, es el Jerusalén sólo de judíos. La única diatriba es si son menos o más religiosos, si la comida es kosher o  no. El embrujo amoroso surge y crece a través de la repostería, los olores y sabores conducen a los placeres (y desengaños) del amor.

El malvado zorro feroz. Directores Patrick Imbert y Benjamin Renner

La tuvimos que ver doblada porque no la dan en VOSE; estuvo una semana en los Verdi de Bravo Murillo y desapareció. Y eso a pesar de las buenas críticas que ha recibido. Tal vez esa poca permanencia sea porque no es propiamente una película de animación para adultos, y para los niños sea a primera vista un poco demasiado infantil  para lo que se estila ahora. Las tres historias subvierten los principios establecidos: una cigüeña que abandona por perezosa la tarea de llevar al niño que esperan sus padres; un zorro que se convierte temporalmente y a su pesar en la madre de unos polluelos a los que desearía comerse; y un Papá Noel que se se convierte en real, cuando sólo creen en él los cachorros y un conejo loco y un pato del mismo estilo. Historias de animales con significado humano. Inocentes, un poco naif y encantadoras. Una lástima que tengan tan poca proyección.
Lo que opina Ana:

Tres cuentos deliciosos en el más clásico estilo de las fábulas. Desgraciadamente su paso por las salas de exposición ha sido efímero y no pudimos llegar a verla en versión original. Dibujos que no se despegan de su origen como cómics, muy lejos de las piruetas de efectos  y sonidos a las que hoy nos tienen acostumbrados las películas de dibujos animados, algunas extraordinarias y otras mero artificio. En este caso, priman las historias y el dibujo , te llevan al mundo mágico del cuento, a la más tierna infancia, sin perder el humor y sin olvidar que están contadas para todas las edades, pudiendo divertirnos a todos.

Las estrellas de cine no mueren en Liverpool. Dir Paul McGuigan

Era tentador hacer esta película contando el último amor de la actriz, ya caída casi en el olvido, del cine de los años cincuenta en el Hollywood de las grandes estrellas, Gloria Grahame. De vida tumultuosa en lo sentimental, no ahorra esas referencias, aunque son sólo un apunte, lo importante es esa historia de amor entre una mujer que ya pasó hace tiempo los cuarenta y un joven que no llega a los treinta. A través de las puerta giratorias, que hacen de mecanismo para el recuerdo (flashback), vamos conociendo una historia que parece increíble, la del amor pasional y la de la familia obrera de Liverpool que recibe con los brazos abiertos a esta glamurosa mujer. Annette Bening se entrega en cuerpo y alma a representar el personaje de Gloria (Glo).
Lo que opina Ana:

Romántica historia de amor entre un joven actor desconocido y una decadente ex diva de Hollywod. Buenos retratos de la época, perfecta ambientación narrativa, clara a pesar de sus continuos flash backs . Capaz de emocionar.

María by Callas. Dir. Tom Volf

Interesante no sólo para los amantes del bel canto. Hay ahora en las películas biográficas un temor tremendo a la voz en off que toma las riendas de esa vida y la va detallando. Ahora son los propios protagonistas los que nos cuentan su periplo vital, apoyado en imágenes y los testimonios de los que se cruzaron en sus días. Aquí se hace así, rescatando imágenes por medio mundo, con el apoyo de la voz sedosa de Fanny Ardant leyendo las cartas que La Callas escribió a sus amistades. El resultado es un acercamiento a su figura, convirtiendo una leyenda en una persona humana.
Lo que opina Ana:

Esta película presenta una biografía de María Callas realizada por ella misma, la vemos casi en todos los planos, a través de grabaciones que permiten recorrer su carrera profesional. El material es el que es, las imágenes son las que son y con ello y grabaciones en off el director consigue reconstruir una autobiografía de la Diva que la muestra vulnerable, humana y profundamente arraigada en la cultura de su época, parece claro que lo que más añora es haber sido esposa y madre,  queda la duda de si ese deseo incumplido la habría hecho verdaderamente feliz.

En tiempos de luz menguante. Dir. Matti Geschonneck

Basada en una novela de Eugen Ruge, relata de una forma correcta y académica el desmoronamiento político, social y familiar que conlleva la caída del régimen comunista en la Alemania Oriental. Se mezclan historias del pasado relacionadas con la época nazi y la II Guerra Mundial, años cuarenta, primera generación, con la constatación ya evidente de que están viviendo una ilusión convertida en mentira, año 1989, segunda generación. Todo presidido por el patriarca que cumple 90 años, al que el aparato del régimen todavía rinde la pleitesía que merece un viejo líder obrero. Esa es la parte más conseguida de la película.
Lo que opina Ana:

Luz muy menguante en esta película melancólica, decadente, asfixiante que refleja el fin de una época, la desaparición de los regímenes del este, la caída del telón de acero. El cumpleaños  de un nonagenario mando del partido comunista sirve para hacer una radiografía  de aquella sociedad en declive y ése es el mayor valor de la cinta que perfila con acierto el espíritu y los sentimientos, pero que no consigue despegarse del libro en el que se basa.

Algo celosa. Dir. David y Stéphane Foenkinos

Empieza como una comedia. El personaje de esta mujer que llega a la cincuentena, que se encuentra sola y quiere ser la atención y el centro de todo, un tanto agria y mordaz de carácter, te hace gracia, pero luego, viendo como evoluciona, te das cuenta de que los directores se han quedado en tierra de nadie. No arrastran a esta señora al abismo, a pesar de las burradas que hace, y siguen manteniendo la comedia a piñón fijo (algo así escribía Jordi Costa), en un tono suave y disculpatorio. Lo que te parecía curioso al principio se convierte casi en pesado al final. Lo único que saqué de provecho es que tengo que volver a nadar (y bueno, admirarme de los alumnos de instituto que hay en Francia, unos angelitos, al menos los de la clase de la protagonista).

La mujer que sabía leer. Dirª. Marine Francen

Película correcta, peca de ser un poco postal tanto en encuadres rurales como del pueblo donde se desarrolla la historia. El título dado en España muestra la prudencia que han tenido los distribuidores para no escandilizar. La novela en la que se basa es "El hombre semen", y la película en Francia "Le semeur". Hay una diferencia. 

Los hechos parten de una situación histórica, el final de la II República en Francia y la implantación por la fuerza del Imperio de Luis Napoleón Bonaparte, liquidando hasta en los lugares más recónditos cualquier oposición, llevándose a los hombres y dejando solas a las mujeres. Es 1852. Esto en un ambiente campesino, donde el hombre es necesario como fuerza de trabajo y como elemento reproductor,  da lugar a que se forme un régimen matriarcal. Si se hubiera desarrollado más este aspecto, la película hubiera tenido más sustancia. En su lugar plantea una historia de amor, eso sí, compartiendo brevemente al único hombre. Lo más trasgresor tal vez sea que el acuerdo entre las mujeres se celebre en una iglesia, con un crucifijo desenfocado de fondo.
Lo que opina Ana:

Preciosista en sus composiciones que imitan los cuadros de Millet en los trabajos del campo, transmitiendo la atmósfera sofocante del verano en tiempos de la siega, también el crudo invierno con un pueblo cubierto por la nieve. La historia es en principio interesante, pero languidece sin pasión, ni intriga.

El taller de escritura. Dir. Laurent Cantet

Se ha celebrado que con esta película Cantet ha recuperado el pulso perdido desde que rodó "La clase". Yo no lo creo. No entré en la película en ningún momento. Me pareció forzada desde el principio, no porque los actores no sean profesionales, salvo la protagonista, una escritora parisina que da un taller de escritura a unos jóvenes sin interés y en paro, en un entorno desindustrializado (Le Ciotat, en la Provenza). Puede que el director quiera plantear la pérdida de valores, la mezcla racial y de culturas, la poca vinculación con la historia obrera pasada y la salida empleando la violencia como realización personal (la extrema derecha xenófoba). Si ha sido así, no llega al fondo, porque en el plano de valoración de la actividad vemos a todos escribiendo su historia, han aceptado lo que antes no creían. Hay otro aspecto en la película, el espíritu vampírico del escritor, escritora en este caso, que chupa vivencias y creencias de otros para llevarlas a su novela, cosa que ocurre con el chico díscolo. Y tampoco se atreve a llegar más allá de lo correcto. Este chico se calma disparando a la Luna y leyendo su texto final en el taller, que podría ser del mismísimo Camus. Lo dicho, no sintonicé.
Lo que opina Ana:

Pretenciosa y para mí fallida. Aspira a hacer una disección de la juventud francesa, o de parte de ella, pero a mí no me llega, ni me dice nada.

Borg McEnroe. Dir. Janus Metz

Algunos críticos afirman que es una de las mejores películas de deporte. No lo sé. Para mi le falta algo de emoción. Estamos en la final de Wimbledon de 1980 y en la final se enfrentan Borg y McEnroe. Si el director ha pretendido ser neutral, no lo ha conseguido. La película se decanta en tiempo y fondo a favor de Borg. Sabemos más cosas de él, y emocionalmente nos pone de su lado. De hecho el propio Borg y su entorno han asesorado al director y aparecen en los títulos de crédito. Mientras que McEnroe no ha querido saber nada de la película, incluso ha afirmado que el actor que lo representa, Shia Labeouf, no se parece nada a él físicamente. A mi me hubiera gustado que fuera más allá de 1980, cuando Borg tuvo una depresión tremenda después de haber estado en la cumbre. Desentrañar esa situación habría sido muy interesante.

La fábrica de nada. Dir. Pedro Pinho

Es al mismo tiempo surrealista, anticapitalista, marxista, musical y anti romántica. Y dura tres horas. Los portugueses tienen un punto especial, pocas películas suyas se atienen a los cánones clásicos. Premiada en varios festivales, es de las películas raras de una sola sesión diaria. A mi la parte que más me gustó fue la musical, la más surrealista, y la que menos la presencia de un argentino que se cree que por decir tres palabras en portugués, ya lo entienden. Nos pasa a los españoles cuando vamos a Portugal. Desde luego, la experiencia es curiosa, por lo menos.
Lo que opina Ana:

Una película que sólo puede tener una autoría portuguesa, su manera de narrar es única, tiene un manejo perfecto de lo que es  ficción y  realidad, plantea tesis políticas, da un repaso feroz al postcapitalismo destructor, tiene un tono documental, pero entre la gravedad de los postulados, la destrucción del trabajo y con él de las relaciones humanas, introduce también un tono irónico y esperpéntico que te lleva por un torrente de sensaciones. Su realismo documental es tan efectivo que consideras que estás viendo la historia de sus protagonistas, no sé si son o no actores, pero parecen ser su personajes. La escena del baile en la fábrica es antológica.  Puro surrealismo, al igual que el personaje del argentino que busca rodar su tesis sobre el capitalismo en Portugal, su portugués hace daño a los oídos, pero nada importa, logra comunicarse con los trabajadores de esta fábrica de nada.

Amante por un día de Philippe Garrel

Lo que opina Ana:
Sensación de déjà vu, nada nuevo bajo el sol. Muy francesa, anclada en el pasado. Buena fotografía en blanco y negro.
Emilio: recibió buenas críticas y según la fui viendo (sólo dura 76 min.) me fue desilusionando. Es una película como de mayo del 68 y alrededores, por la estética, de un riguroso blanco y negro, incluso forzado, y por lo que cuenta: las pulsiones amorosas volátiles y apasionadas, de la infelicidad a la felicidad y viceversa. La película cierra una trilogía del director sobre la infidelidad. Uno de los personajes femeninos, la sensual Louise Chevillotte, está entre el feminismo, por la libertad con la que afronta sus relaciones sexuales, y mujer fatal, porque da la sensación de que sus amantes son capturas de piezas cuidadosamente elegidas. A veces me llamó la atención cómo se coloca la cámara, en el lugar de un espectador indiscreto que observa el entorno doméstico de los personajes. 

Visages villages (caras y lugares) de Agnès Varda y JR

Lo que opina Ana: 

Vista en la clausura de Documenta Madrid 2018 ¡Maravillosa! ¡Emocionante! Disfruté de cada  momento, reí, lloré, me llegó al alma. Hago reverencias ante la magia de esta anciana maravillosa que sigue siendo capaz de transmitir tanto; su colaboración con el fotógrafo gráfico JR es pura magia. En cuanto llegue a las salas comerciales volveré a verla.

Emilio: La vimos en la clausura de Documenta Madrid y sólo puedo hacer que recomendarla vivamente. Ahora está en los cines Golem, y qué dure.

Una delicia, compensó con creces el mal sabor que me dejó el documental de inauguración. Agnés Varda es un encanto y el fotógrafo del sombrero y las gafas oscuras (JR) un compañero perfecto. Recorren Francia, rescatando a personas que resisten contra viento y marea el paso del tiempo que todo lo cambia y normalmente a peor, defendiendo antiguos oficios, valorando el trabajo que no busca las ganancias a toda costa. Pero se hace en un tono lúdico, haciendo un homenaje a esa Francia y rescatando de la memoria las propias vivencias de Agnés. Vemos el diminuto cementerio donde están enterrados Henri Cartier-Bresson y su mujer, y ni la grosería de Godard puede quitarnos la sonrisa agradecida de la cara. Muy recomendable.

Lucky. Dir. John Carroll Lynch

Podríamos llamarlo western crepuscular, o western trascendente. Todo gira en torno a la figura de Lucky, Harry Dean Stanton, un viejo vaquero que vive solo en medio de cactus. Todos los personajes de este villorrio de frontera, entre ellos David Lynch, donde se muestra la mezcla en armonía lo mexicano y lo yankee, justo lo que Trump se quiere cargar, tienen su historia y tarde o temprano te la cuentan. Es una película de despedida, la del propio Harry Dean Stanton, que murió poco después de interpretarla, pero al mismo tiempo es un canto a la amistad y a la independencia, de espíritu y de vida. Una película pequeña en su día a día, pero grande por su sensibilidad y equilibrio. Lucky, un cactus gigante y un galápago aparecen en la última secuencia y los tres tienen el mismo significado: resistencia, soledad y libertad.
Lo que opina Ana:

Emocionante homenaje al gran actor Harry Dean Stanton, al parecer la película tiene mucho de biográfica. Con un ritmo marcado por el inexorable  paso del tiempo, vivimos cada minuto de una vida que se apaga, anclada en la rutina diaria, todo está pautado, ésa es la manera que tiene este viejo solitario de luchar contra el miedo a lo desconocido, a una muerte que se ve cada vez más cercana. Poética, conmovedora, de las que te hacen llorar despacito, para no interrumpir con sollozos algo tan triste y tan humano. La escena en la que se arranca a cantar  en la fiesta mejicana es antológica. La muerte se lo llevó al poco de acabar el rodaje.

Invitación de boda. Dirª Annemarie Jacir

Es como si fuera una road movie urbana, todo el recorrido se hace por una ciudad, Nazareth. Palestinos de Nazareth, con clara conciencia de su identidad, pero cristianos. La directora retrata con claridad y sutileza la difícil situación de este pueblo al que Israel quiere exterminar, como los nazis quisieron hacer con ellos. La difícil relación entre el palestino de dentro y el de fuera, la sensación permanente de estar sometido, aunque tengan una condición social acomodada, las diferencias de credo político, las diferencias generacionales, las historias familiares, todo esto está presente en este recorrido de un padre y un hijo, entregando invitaciones de boda, como manda la tradición. Película interesante y muy bien desarrollada.
Lo que opina Ana:

Curiosa road movie que recorre las estrechas y empinadas calles de Nazareth, está muy bien contada, consigue presentar un retrato sociológico del grupo de árabes cristianos de la ciudad, nos movemos por sus hogares decorados para la inminente celebración de la Navidad, veremos a sus mujeres sin velo; sabremos que hay tensión , que no es fácil la vida en Palestina. Las conversaciones entre padre e hijo nos irán desvelando  su pasado. Buen guión y realización. A los pocos días de haberla visto, la apertura de la embajada estadounidense en Jerusalén desata una nueva matanza israelita sobre la desarmada población palestina.