El corredor el laberinto. Dir. Wes Bell

Había varias cosas que llamaban a la contención, por ejemplo que solo los Yelmo la estrenaran en versión original. Luego que fuera una distopía nacida de un libro de orientación claramente juvenil, pero cuando leí la crítica de Javier Ocaña (y lo hice varias veces) no quedaban dudas de que se trataba "de un conjunto admirable". Y lo será para el crítico, para nosotros (me acompañó mi hija Lía) es una película mediocre (no diré mala por prudencia) en todo: en el desarrollo de la historia, en la propia profundidad de lo que se muestra desde un punto de vista filosófico, en la actuación de los actores: hay escenas sentimentales de compañerismo casi infantiles (el público era abrumadoramente juvenil, algunos algo más, solo tres como yo, pero no eran niños de dibujos animados), y en el final, todo ya preparado para la siguiente de la serie, pero no contarán conmigo.

Sacro Gra de Gianfranco Rosi

Lo que opina Ana:

Sacro Gra es una película para cinéfilos, no apta para el gran público adicto al consumo de palomitas. Se trata de un documental  íntimo, “fisgón”, que mira a la cara  a gentes alejadas de las miradas , casi invisibles, o a veces demasiado visibles por haberse convertido en mercancía, como las gogós de un bar inmundo del extrarradio romano, o las prostitutas que ejercen su oficio apostadas en unas vías llenas de coches y camiones. A veces  se pasa a la imagen pictórica que brilla entre la nieve o la niebla, creando composiciones estáticas de gran belleza en un mundo mayoritariamente sórdido, pero en el que puede  también despuntar un tono lírico, siempre nostálgico, como el retrato del trabajo de limpieza en el cementerio, o el pastoreo de ovejas, impertérritas al feroz ruido del tráfico infatigable en esa muralla que encorseta la gran ciudad romana, que nunca llegamos a ver.

Asombra que tantas personas se hayan dejado retratar en su intimidad, hay un gran trabajo detrás de las cámaras para llegar a entablar una relación tan cercana.  El director recorrió a pie 300 k en un  peregrinaje personal  que le ha llevado a tener una visión muy personal del inmenso extrarradio romano.

Emilio: El hecho de que este documental haya obtenido el León de Oro del Festival de Venecia en 2013 (primera vez que un documental obtiene este galardón en el Festival) le ha dado una notoriedad que no hubiera tenido. Profundamente respetuoso y convertido en un observador casi ausente, Gianfranco Rosi se vale de unos pocos personajes especiales para enseñarnos quién vive en las proximidades de esta vía de circunvalación romana, siempre sacudida por el ruido de los coches y de los aviones que en sucesión continua aterrizan en el aeropuerto cercano. Son personajes bastantes de ellos excéntricos, en todos los sentidos, geográfica y profesionalmente, pero no marginados (las prostitución tan frecuente en estas geografías está tratada de forma lejana, aséptica, casi como no la hubiera). Las imágenes, muy bien enlazadas entre si para dar continuidad al viaje, aunque sea circular y cerrado, de la circunvalación (La Grande Raccordo Anulare), desde dentro y desde fuera, muestran diferentes momentos de la vida en la sucesión de estaciones; cuando llega el invierno un manto de nieve une  a los vivos atrapados en un atasco y a los muertos, encerrados en sus ataúdes del cementerio, una de las visiones más significativas y extrañas del documental.

S

Boyhood de Richard Linklater

Lo que opina Ana:

Los repetidos avances de la película que había visto me atraían, las críticas también, pero sentía un inmenso recelo después de haber visto “Antes del atardecer” , lo vencí y no me arrepiento en absoluto. Esta vez Linklater sí ha conseguido hacer una gran película, ha triunfado en su proyecto de retratar el paso del tiempo de manera real, sin flasbaks engañosos, sin actores que representen las distintas edades de los protagonistas.

Su proyecto se alargó durante 11 años, para luego con la maestría de un hábil sastre, saber unir los pedazos con un montaje perfecto que nunca chirría, que fluye con la mayor naturalidad, como si todo fuese fácil.

Emilio: de todas las críticas leídas, la más pacata fue la de Jordi Costa que, aunque es claramente positiva ("posición de excelencia"), tiene una extensión mínima. En Metrópoli le dan cinco estrellas y en la Guía del Ocio la califican nada más y nada menos como la mejor película del siglo XXI (y parte del XX). Me parece exagerado. Pero es una buena película en su composición ,equilibrio y sobre todo evolución temporal. La experiencia de rodar durante doce años consecutivos a unos actores no se nota nada, es como si se hubieran dedicado a filmar en dos meses, y esto ocurre gracias a su magnífico montaje que mantiene la continuidad narrativa y visual de una familia en su vivir cotidiano. Historias mínimas pero vitales. Tal vez por eso en Fila Siete, Ana Sánchez creía que le faltaba épica para ser una gran película. No la hay en el sentido clásico porque los personajes no entran en esa dinámica. Vemos su trayectoria vital, tumultuosa a veces, equivocada a menudo, pero humana cien por cien.

Llenar el vacío de Rama Bursthein

Lo que opina Ana:

Película intimista que nos adentra en un mundo desconocido, el de los  jaredíes o ultraortodoxos en Tel Aviv. Se ve con curiosidad antropológica, está bien filmada, con ritmo, pero yo la veía con recelo como consecuencia del gran genocidio que Israel está perpetrando sobre Gaza en este verano del 2014.

El hombre más buscado. Dir. Anton Corbijn

Se comprende la benevolencia de C. Boyero y las tres estrellas de Metrópoli, es como despedirse de Philip Seymour Hoffman y no vas a hacerlo negativamente; además, si algo sostiene la película es principalmente su actuación.

Se trata de una historia de espías, de celos y rencillas, de zancadillas y traiciones entre los grupos que tienen en teoría que defender la seguridad de Occidente frente al peligro del islamismo radical. Estamos en Hamburgo y, sin embargo, nadie habla alemán, aunque sean espías alemanes, abogados y banqueros alemanes. Esto ya muestra una primera discordancia, pero la urdimbre se viene abajo cuando tratan a una alemana, abogada, y en Alemania como si estuviéramos en Rusia o en algún país del Cáucaso, es decir, sin ningún derecho sobre su libertad, intimidad y seguridad. A partir de ahí la historia no tiene sentido, ni la del desencadenante de todo el tinglado, el ruso-checheno Issa Karpov ni la del aparente éxito de la operación que dirige Günter Bachmann (Seymour Hoffman). Un director novel, con poca experiencia, una película grande para él, muchos actores conocidos y un gran Philip Seymour Hoffman.
Lo que opina Ana:

¡Qué difícil es hacer una buena película de espías!  Ésta, como tantas otras, resulta confusa. Después de muchos enredos, sólo se entiende a medias y, lo que es peor, ya ni te importa.  A su favor hay que valorar la cuidada ambientación y sobre todo la magnífica interpretación, especialmente de Philip Seymour Hoffman que nos abandonó dejándonos este último legado de su talento interpretativo y de Willem Dafoe, otro de los grandes, de esa clase de actores que engrandecen la pantalla cuando entran en escena. 

Locke. Dir. Steven Knight

Pocos casos debe haber en los que un guionista de reconocido prestigio se convierta en director con un lenguaje propio que no esté lastrado por su vocación de guionista. Este es uno de ello, y al segundo intento, porque Steven Knight no acertó en su primera película, "Redención".

Locke tiene un guión preciso y medido y su puesta en escena es estupenda, y eso que la localización es mínima: un coche, el conductor, los espejos retrovisores, el navegador con el recorrido y con las llamadas entrantes y salientes, y aquí está el armazón dramático, en las conversaciones que se van sucediendo, que van configurando la difícil situación a la que se enfrenta el conductor. Por eso son tan importantes los tonos y modulaciones de la voz, tanto como la imagen del protagonista Ivan Locke (Tom Hardy).

Te imaginas esta historia en un libro, un cuento o una nouvelle y seguro que si está bien escrito te atrapa enseguida. Lo complicado es llevarlo a la imagen y ese es el milagro del cine, que se ha hecho realidad aquí. ¡Qué satisfacción poder disfrutarlo!
Lo que opina Ana:

Magnífica película. Utilizando  un  único decorado, el de un hombre al volante que conduce por una autopista  durante la noche, Steven Knight consigue hacernos salir al exterior, y nos abre una historia que está en la mente del protagonista, consigue hacernos ver lo que no retrata la cámara, visualizamos al resto de los personajes, los que sólo hablan a través de ese teléfono que no deja de sonar en los 85 minutos del metraje. Es capaz de construirlos, de darles cuerpo, entidad, sentimos la desilusión de los niños por no estar su padre en casa viendo un gran partido junto a ellos, vemos crecer sus temores porque esa ausencia pueda hacerse más larga, vemos cómo el capataz de la obra recurre a las cervezas para poder cumplir las órdenes que recibe desde el coche, sentimos el desgarro de la mujer que descubre una traición , casi tenemos dolores de parto en la habitación de un hospital londinense. Todo está medido y bien resuelto.

El Congreso. Dir. Ari Folman

Cuando vi el trailer  no me gustó, pero esperé a ver la puntuación de Metrópoli, cuatro estrellas. La crítica de Jordi Costa es, como en otras ocasiones, tan abstracta en la valoración que no sabes si sí o si no. Ana Sánchez de la Nieta en Fila Siete escribe que fue la película más original del último festival de Cannes.

Yo no entendí nada de la segunda parte. Esa orgía de color naif  del Congreso de Futurología y el desmadre posterior, el pasar de una realidad a otra en busca de Aaron, el hijo de Robin Wright, la estética de desarrapados parecida a la de los viajeros de los últimos vagones del tren que daba vueltas al mundo en "Snow Piercer". Son muchas cosas y a esas alturas ya tengo nulo interés por la historia y los personajes y la exuberancia de los dibujos me parece un pastiche. ¡Qué lejano el realismo avasallador y lacerante de la animación de "Vals con Bashir" (2008), la película anterior de Folman. Los directores de cine hacen cosas raras. Con Ari Folman habrá que tener cuidado la próxima vez.
Lo que opina Ana:

Después de haber hecho una película tan poderosa como Vals con Bashir, uno va al cine esperando encontrar una historia conmovedora. En “El Congreso” no encontré nada que me atrajera, no me importaban nada las aparentes metáforas sobre la condición humana escondidas en un enrevesado planteamiento futurista, me parecía una auténtica paja mental, así que  en cuanto empezó la parte de animación, no me importó quedarme un rato dormitando.

Cinema Paradiso. Dir. Giuseppe Tornatore

El año pasado, o el anterior, con motivo del veinticinco aniversario de su estreno, se volvió a proyectar en cines "El festín de Babette", y fue un placer visual y gustativo verla. Ahora ocurre con Cinema Paradiso, la obra mágica de Giuseppe Tornatore. El cine estaba lleno, y lo merece.

La primera parte, la que tiene como protagonista a Alfredo (Philippe Noiret) y al Salvatore niño (Salvatore Cascio), es una delicia. Se perdonan las escenas costumbristas, esas ovejas pasando por medio del plano, o la señora con la rueca en una toma turística de propaganda...El niño no lo puede hacer mejor en su papel de pícaro y cariñoso, testarudo y apasionado. Después, ya de jovencito, gana en hermosura pero pierde encanto, pero la inercia de la historia es tan fuerte que suple este bajón. Y así hasta el final, cuando la muerte de Alfredo, el operador, vuelve a juntar a los protagonistas de antaño frente a la plaza donde se va a dinamitar el edificio de sus sueños:Cinema Paradiso.

Es una elegía al cine, ya tan pronto, 1989/1990. Afortunadamente sigue sobreviviendo, aunque la herida esté abierta y en países como el nuestro potenciar su creación y difusión no entra en los planes de un gobierno ramplón y miserable.
Lo que opina Ana:

Al cumplirse  los 25 años de su estreno, Cinema Paradiso vuelve remasteurizada a la pantalla grande. La recordaba bien, pero sobre todo me había quedado el poso de su sabor dulzón, algo que en su día me había hecho valorarla menos de lo que lo he hecho en esta segunda visión, en la que me he dejado emocionar por ese niño Salvatore que  llena la pantalla y su ángel de la guarda, el  operador Alfredo, un Philippe Noiret conmovedor. Amor y homenaje al cine como fábrica de sueños, eso es lo que es esta película y contagia a todos los personajes de esa pequeña comunidad que tienen ese nexo en común, en la dura realidad de la postguerra , el cine es lo único capaz de hacerles soñar.

Shirley. Visiones de una realidad. Dir. Gustav Deutch

Última semana de proyección en un solo pase nocturno. Película especial. Se trata de coger trece cuadros de Hopper y montarlos dramáticamente, siempre con la misma actriz, atractiva y con un bonito cuerpo, que va presentándonos situaciones diversas. Ella misma en esas historias dentro del cuadro es actriz. La cronología va desde 1931 a 1963 y no cambia de aspecto en todo este tiempo.

Muchos cuadros son conocidos "Habitación de hotel" (1931), el primer episodio completo que se desarrolla. "Sol de mañana" (1952) es otro de los cuadros de los trece teatralizado, que, por cierto, ya fue objeto escenográfico en la última exposición que hubo de Hopper en Madrid en el museo Thyseen en el verano de 2012. Hay otros cuadros que yo desconocía, muchos proceden de colecciones privadas.

La representación ambiental y de los personajes es perfecta, pero le falta vida. Las historias son poco apasionantes, aunque hay una voluntad de anclarlas al momento en el que fueron pintadas (caso de Elia Kazan; o con el discurso de Martin Luther King). Dada la hora y esa falta de pasión a un espectador le dio por bostezar sonoramente. ¡Cuánto mejor habría hecho quedándose en casa! A mi, en este tipo de películas, me gusto más "El molino y la cruz", de Lech Majewski, sobre Peter Brueghel.
Lo que opina Ana:

El director organiza su película a partir de una introducción  sonora utilizando grabaciones de radio del día en que localiza cada  una de los 13 cuadros de Hopper , con ellas pretende contextualizar el mundo exterior  y luego a través de la voz en off de la protagonista reinventa una historia para cada uno. La recreación de los cuadros, pasando de la tela a cobrar vida, te hipnotiza, pero no la interpretación que hace de ellos, yo prefiero fabular por mi cuenta. En este aspecto creo que no aporta nada, los cuadros por sí solos son mucho más válidos que su puesta en escena para una película, sería mejor dar al César lo que es del César… 

Las vidas de Grace. Dir. Destin Daniel Cretton

Las vidas de Grace tiene un mensaje que dar: aun en las situaciones más difíciles, la comprensión y la ayuda permiten salir de la zozobra de lo oscuro. Muestra que sí funcionan los controles sociales del Estado y que hay gente entregada a enderezar vidas torcidas. Buenismo, sí, sin duda, pero sin caer en lo exagerado.

Grace es una chica joven que ha tenido muchos problemas en su adolescencia y que ahora trabaja con entrega total y con una gran profesionalidad como monitora en una casa de acogida para jóvenes de ambos sexos y de todos los colores que están en situaciones muy complicadas. Es como la casa soñada para chicos y chicas que no han tenido hogar y que lo tienen es un infierno. Grace y sus compañeros luchas denodadamente por salvarlos, con humor, sin condicionamientos. Gente maja, diríamos. 

Puede ser utilizada en las clases de aquella asignatura que tanto molestó a algunos poderes llamada "Educación para la Ciudadanía" y que ya no existe. ¿Por qué será?
Lo que opina Ana:

Demasiada edulcorada para una realidad tan dura como la que se narra, la de la vida en un centro de acogida de menores, cada uno de ellos con una historia espeluznante a sus espaldas.

La verdad es que te alegras de ver a gente tan entregada, tan buena, tan inteligente, capaces de llenar de afecto los corazones de unos adolescentes torturados, pero suena un poco empachoso, poco creíble. Es demasiado transparente y predecible, le falta el desgarro, la dureza que la harían más real.

Un toque de violencia. Dir. Jia Zhangke

Historias radicales en una China brutal. ¿Cómo habrá sorteado la censura?

Se muestran todos los desafueros humanos:violencia, mucha; corrupción; explotación; prostitución; diferencias sociales lacerantes. Bueno, todo lo que caracteriza un sistema capitalista descontrolado. 

De las cuatro narraciones hay algunas más difíciles de comprender en su génesis: la del delincuente profesional, sin escrúpulos y enamorado de las armas. En otras, seguramente por razones culturales, se nos escape algún significado: la de la recepcionista de la sauna prostíbulo; pero en todas hay evidencias de una sociedad corrompida. Algunos personajes no son capaces de sobrevivir y sucumben, como el joven chino al que no le está permitido ni el amor ni la convivencia pacífica ni la tranquilidad familiar.

Las imágenes nos hacen ver una China abandonada, anclada en el pasado y otra China deslumbrante, la de los modernos centros de comunicación y consumo.

Película interesante, aunque tal vez el director alarga demasiado algunas historias.
Lo que opina Ana:

Demasiado larga, el guión es a veces confuso, los personajes se encuentran de refilón para encadenar de alguna manera las cuatro historias. Hay además símbolos y referencias culturales que se nos escapan, volviéndose más enigmáticas, si cabe, algunas de sus imágenes. A pesar de estos contras, la película merece ser vista. Presenta una China  poco apetecible, contaminada ideológica y físicamente; con una realidad de vida muy dura para muchos de sus habitantes. El recurso a la violencia  aparece en todas las historias, bien como una elección de vida, como  la manera de poder ejercer una justicia inexistente, o como una escapatoria personal.  Los personajes que aparecen a lo largo de las cuatro historias parecen condenados a la soledad, algunos están tan desamparados que te contagian su tristeza. No es una buena propaganda  para un país al que el crecimiento económico a toda costa está empujando por caminos muy peligrosos, en esta película sólo vemos algunos de sus efectos, reflejados desde la intimidad de algunos  personajes infelices.