El cumpleaños de Ariane. Dir. Robert Guédiguian

En francés se titula "Au Fil d'Ariane". Quizá tenga más sentido que el título en español.

El propio director quiere aclarar desde el mismo título que es una fantasía, podríamos decir que es un divertimento, una tontería. A destacar el desnudo gozoso de Lola Naymark.

Amy, de Asif Kapadia

Dura más de dos horas y en el primer metraje superaba las tres. Al final te parece como una tesis doctoral, larga y poco pesada. Asif Kapadia, el director, ha trabajado a fondo el tema, ha sacado imágenes de todo, bueno, malo y regular, referido a Amy, de todas las épocas de su vida (echo de menos escenas de ensayos, alguna vez tendría que ensayar con su banda). Aparecen todos los personajes principales que formaron parte de su vida, los padres, amigas, novios (novio con mayúsculas y luego marido), músicos, representantes...Cada uno se explica, vas haciendo una composición de lugar. No hay una voz en off que guíe su biografía, aunque eso no significa que el director, y también guionista, no sea el responsable de la imagen que sacamos del personaje, a fin de cuentas, él selecciona y ordena lo que vemos. No deja de ser todo un poco necrófilo, sabes lo que va a ocurrir, vas a comprobar cómo y cuándo se produce (por cierto, creo que después del desenlace, sobran las imágenes rememorativas). La película permite descubrir a una grandísima cantante que fue engullida por un álbum, "Black to Black " y un exitazo "Rehab". Se convirtió en una atracción de feria. Puede que ya estuviera predestinada. Pueden tantas cosas. Ganará bastantes premios este documental.
Lo que opina Ana:

La estrenaron un poco antes de mi partida para Seattle, tenía miedo de que no aguantara el verano, pero afortunadamente seguía en pantalla a mi regreso de las vacaciones.

Es un documental sobre la cantante realizado tras su trágica muerte, parece imposible que se haya podido reunir todo ese material, capaz  de relatar coherentemente su biografía, sin que ella deje de estar presente casi ni en un minuto del metraje. Es una historia dura, contada a través de las voces de sus  gentes más cercanas, amistades, novios, familia, managers y gente de la industria. Presenta a una Amy conflictiva, con un fuerte carácter, devoradora de emociones, inestable y ante todo una estrella del jazz. Resulta a veces confusa porque va pasando de un narrador a otro, y no es fácil  saber quién es quién, pero consigue reflejar lo que fue su vida, y sobre todo estremecerte con su voz y sus composiciones, era una estrella, un genio, que como otros muchos no supo vivir. Su padre y su marido cargan con la peor parte, impidiendo que Amy pudiera salir de su carrera hacia el abismo.

Aprendiendo a conducir de Isabel Coixet

Lo que opina Ana:

La vi con Lía, a la que le había vuelto a tocar invitaciones de preestreno. Ella se aburrió soberanamente, se le hizo eterna, yo la vi con mejores ojos aunque me pareció muy ligerita, estereotipada  y falta de profundidad. Demasiado previsible .

Del reves (Inside Out). Dir Pete Docter

Cine completamente lleno. Cine de animación, pero no para niños. ¿A partir de qué edad lo entenderán? Sería interesante comprobarlo.

Apabullante. No sé qué decir de ella. Pero, así, de repente, me vienen varias cosas, ¿por que la madre tiene un papel solo de tal y el padre tiene sus negocios y además hace de padre?

Es comprensible que si llega hasta los 12 años la construcción sentimental que vemos, la familia sea un punto de anclaje fundamental. Menos mal que el director ha ido a lo fácil y no ha escogido una familia rara, que las hay. Y otra cosa, me parece que las emociones que se pierden, la alegría y la melancolía, se pasan mucho tiempo ocupando la pantalla y dejan a la protagonista, la niña, un poco sola. En fin, es de las películas que estás esperando comentar con otros.
lo que opina Ana:

Ritmo, fantasía, imaginación, aunque a mí no me acaba de atrapar como a tantos otros a los que he escuchado hablar de ella.  Me magnetizan más las imágenes, las ideas, la explosión creativa, la escena en la que algunos de los protagonistas van pasando por las progresivas fases de la abstracción, hasta abandonar sus formas y convertirse en puras líneas, me parece espléndida.  No llego a conectar con la niña protagonista, pero paso un buen rato con las aventuras que viven sus emociones y con algunos de sus recuerdos. La película vino precedida por un corto sobre un volcán que me pareció delicioso, una bella historia de amor, que serviría para presentar los volcanes en clase. La lista de créditos al final, parecía la historia interminable, ¡lo que hay que mover para poner en marcha y realizar una película de animación!

Unos días para recordar (Bon rétablissement), Dir. Jean Becker

Preestreno. Estas sí son películas de relleno para el verano como dice Boyero. Cerró la Seminci de Valladolid, me imagino que por deferencia a su veterano director.Comedia con todos los tópicos, con un guión extravagante, que busca a toda costa el buen rollo. Menos mal que tiene algún golpe de humor propiciado por el protagonista Pierre, interpretado por Gerard Lavin, socarrón y poco amigable, pero bueno y generoso al final. Ambiente hospitalario muy concurrido.

Love &Mercy. Dir. Bill Pohlad

Este director llevaba quince años sin hacer una película, no sé qué le habrá motivado a embarcarse en esta, porque tampoco parte de un libro previo, aunque sí cuenta como uno de los guionistas al propio protagonista. Este protagonista es el genio de los Beach Boys, Brian Wilson, que vivió una vida atormentada de joven, en pleno éxito, con un padre autoritario, agresivo y manipulador, y ya de mayor, drogado, cayó en manos de un psiquiatra monstruoso. 

Al terminar pusieron la relación de canciones que habían sonado y se llenaron varias pantallas; sin embargo, no tienes la sensación de haber visto una película musical, asistes al proceso creativo, nunca suena un tema entero, ni tampoco aparecen los verdaderos Beach Boys; sólo, ya con los títulos de crédito, en un recuadro pequeño, vemos ala auténtico Brian Wilson, ya mayor, dando un concierto.

Descubrimos a alguien desconocido. Me gusta más la parte de joven, con Paul Dano representándolo, que la de adulto, con John Cusack. La vestimenta y la ambientación están muy cuidadas. No es una película fácil, tampoco redonda, pero sí interesante.

La mirada del silencio. Dir. Joshua Oppenheimer

Oppenheimer ha bajado a la Tierra. En su anterior documental sobre el mismo tema, el genocidio cometido por los militares y grupos afines contra los comunistas en Indonesia en 1965,"The Act of Killing", en el que en teoría nos presentaba a los verdugos, era todo tan surrealista que parecía un cuento fantástico: peces gigantes con la boca abierta de la que salían bailarinas, cánticos en paisajes idílicos de cascadas vestidos como oráculos...Ahora se ha abandonado esa vena y una víctima, hermano de uno de los asesinados, va como un Quijote recordando a los verdugos lo que hicieron por acción u omisión. Los asesinos, si viven, siguen justificándose, pero les molesta que se lo recuerden, dicen que es política, que es pasado, quieren que el olvido sepulte sus actos, pero Oppenheimer, a través de este hombre valiente, quiere hacerlos visibles.

El mundo sigue, de Fernando Fernán Gómez

Esta película se acabó en 1963 y se la tragó la censura. Ahora, restaurada, se estrena con excelentes críticas, pero sólo en trece salas de toda España (en Madrid nada más que en los Verdi). Hay que verla en su contexto dentro del neorrealismo italiano de finales de los cuarenta y cincuenta. Las actuaciones, todas excelentes, tienden a lo melodramático, sobre todo y por encima de todo las de las dos hermanas protagonistas. Fernando Fernán Gómez, el marido de una de ellas, es quien les da la réplica masculina. Tiene demasiados primeros planos en los momentos clave, tratando de reflejar su tensión interior, pero no hace falta que duren tanto. Hay momentos de gran cine, el flash back de la hermana mayor, Gemma Cuervo, mientras sube apresuradamente la escalera y su madre al oír el taconeo la recuerda en otros momentos de su vida, haciendo lo mismo, subiendo la escalera. Queda bien reflejada la vida de Madrid en esos primeros sesenta, aunque, salvo por el ajetreo que se ve en los bares, los coches que circulan por las calles y la vestimenta, podíamos estar en los cuarenta perfectamente: el oscurantismo y el atraso lo envuelven todo.

Era mucha carga la que tenía la película para que la censura la pasara en la larga noche del Franquismo.
Lo que opina Ana:

Extraordinaria película que vuelve a las pantallas 50 años después y que sigue manteniendo toda su fuerza narrativa. En su día fue ignorada, aunque uno se sorprende de que la censura le dejara ver la luz. Cuenta la historia de una familia castiza  del barrio de Maravillas, retratando una España casposa, y eso que se trata de Madrid, ¡cómo sería la realidad de los pueblos y las ciudades pequeñas!

Fernando Fernán Gómez desarrolla una historia cainita protagonizada por dos hermanas en vez de dos hermanos. Mueve a un impresionante plantel de actores, critica el profundo machismo existente, la inmoral relación entre sexos, los prejuicios, las envidias, los códigos de honor.

Utiliza recursos narrativos que juegan con los tiempos, la escalera de la casa se convierte en un viaje al pasado. La fotografía en blanco y negro retrata un Madrid pueblerino. Una joya que nadie debería perderse.

Retratos de familia. Dir. Anthony Chen

Ganó la Cámara de Oro a la mejor Ópera Prima en Cannes. Primer largometraje de este director de Singapur, y allí rueda una historia ambientada a finales de los 90 del siglo XX, cuando esta zona entró en recesión económica.

Es una historia doméstica, pequeña en su universo, pero bien desarrollada. El niño, un pre adolescente grosero, es el eje y motor del relato, y pese a no haber actuado antes, o tal vez por eso, es creíble, sientes su conflicto interior y su agresividad exterior. El otro punto de apoyo es la criada filipina, que debe sustituir a los padres en su labor, padres que se pasan fuera todo el día en sus respectivos trabajos, y hacer de vigilante del niño. Vemos el control de la inmigración en Singapur, estricto y riguroso, hasta ofensivo (la señora le guarda el pasaporte para que no no tenga la tentación de escapar). Sin caer en sentimentalismos, la criada va haciéndose un hueco en esa familia, que ,además, ve y sufre las consecuencias de la mala situación laboral. Recomendable

Los caballos de Dios, de Nabil Ayouch

Es una película valiente, recomendable para verla en los Institutos. Dice el director que rodaron en otro barrio chabolista porque del que partieron los kamikazes ya está bastante cambiado, pero que mucha gente de Sidi Mumen, el nombre de este barrio de Casablanca, separado de la Medina, casi a años luz de ella, la utiliza en la película, tal vez por eso lo viven tanto, tan intensamente, sobre todo los niños de los que parte la historia.

Aparte de otras consideraciones relacionadas con la personalidad de los protagonistas, el director establece una relación directa entre yihadismo y pobreza, entre desclasamiento, vida sin futuro, puertas cerradas, y la salvación a través del islamismo radical.

Puede que alargue demasiado el momento clímax,el final esperado, pero los pasos que va dando son firmes y resueltos. Me gustaría saber qué opinan los marroquíes de España, seguramente ninguno la verá. Sobre todo va dirigida a ellos, a los musulmanes.
Lo que opina Ana:

Escalofriante relato sobre la captación de yihadistas dispuestos a morir matando. Inspirada en los atentados de 2003 en Casablanca.

Fabula sobre el origen de esos  jóvenes“mártires” que actuaron como bombas vivientes. La historia está muy bien estructurada, tiene ritmo, aunque es  demasiado larga. Comienza con un gran travelling sobre el depauperado barrio de Sidi Mumen, acercándonos a los que van a ser los protagonistas de la historia, dos hermanos del barrio, uno con rasgos de líder y otro más pequeño, protegido por el mayor, junto a ellos el amigo fiel del pequeño. Veremos crecer a estos chicos sin futuro y reconvertirse en  fieles yihadistas.

La situación social, la descripción de las condiciones del barrio están muy bien narradas, tratando de no perder nunca la objetividad, ni de tomar partido, sin juzgar, sólo presentando unos hechos que, de tan creíbles, dan mucho miedo. 

Lo que hacemos en las sombras, de Taika Waititi y Jamaine Clement

No es de extrañar que esta película se haya llevado varios premios del público en distintos festivales (Toronto, Sitges, S. Sebastián) porque se hace simpática. Un falso documental sobre vampiros permite que veamos su vida cotidiana, sus problemas de alimentación y de convivencia y sus relaciones con otros ejemplares de esa extensa gama de alteraciones y transformaciones de la raza humana (los hombres lobo, por ejemplo).

No te tronchas pero la sonrisa no la pierdes en los 90 minutos de duración y eso ya es bastante, digo yo. Y es que en N. Zelanda, las noches dan mucho de sí.
Lo que opina Ana:

Divertida comedia neozelandesa sobre la vida de unos vampiros en el Wellington del siglo XXI. Contada como si fuera un documental, con una estética de cámara al hombro y pocos recursos. Sirve para pasar un rato divertido.

El niño 44, de Daniel Espinosa

Esta película dirigida por el director sueco de origen chileno, Daniel Espinosa adolece de varios excesos. El primero, colocar a los protagonistas en escenarios históricos principalísimos, como la toma del Reichtag al final de la II Guerra Mundial. Segundo, cargar las tintas hasta límites poco creíbles, aunque sean ciertos, de la maldad del sistema estalinista, de su clima de terror generalizado. Tercero, fundamental, hablar en inglés, aunque sea con acento ruso, más ridículo todavía, cuando toda la historia está desarrollada en la Unión Soviética, y cuarto, la diacronía histórica interesada. Si el suceso real, el caso del "carnicero de Rostov", se produce en los años setenta, ¿por qué retrasarlo veinte años? ¿Para resaltar el clima de opresión y dar valor extra al lema comunista de que "no hay crimen en el Paraíso"?. Pues eso es tergiversar la historia interesadamente. Película dice Boyero entretenida, que no ahorra en gastos en lo que tiene que ver con escenarios exteriores  y con la abundante utilización de extras.

Una segunda madre, de Anna Muylaert

Me llamó la atención la afirmación de la directora de que esta película no se ha estrenado en ningún país de Latino América, salvo en Brasil, y obligados, y todo porque representa las diferencias sociales que hay allí. Bueno, puede ser, pero lo hace de una forma muy ligera.

En España ha tenido una no despreciable campaña de publicidad, veremos cómo funciona comercialmente. Ha obtenido premios en Berlín y Sundance. Carlos Boyero titula la crónica como "Otra vez la lucha de clases", en este caso en el ámbito doméstico. Es algo así como un arriba-abajo brasileña, la serie que reflejaba la rígida estructura social piramidal inglesa. La actuación de la madre, y criada protagonista, Regina Casé en el papel de Val ensombrece cualquier otra, empezando por la de su hija, hija que es la encargada de romper los lazos invisibles pero poderosos que separan a los de la parte superior de los de los sótanos. De cualquier forma, la directora ha elegido la vis cómica como medio de presentarnos estos dos ambientes y deja que el espectador ahonde hasta donde quiera llegar en este conflicto y otros derivados, como las relaciones de los hijos con sus padres.

Viaje a Sils Maria, de Oliver Assayas

En Metrópoli le dan cuatro estrellas, pero Boyero no le "pilla" la profundidad y el magnetismo. Tiene ambigüedad, está bien escrita y no cierra nada. Tal vez se demore demasiado en la relación entre la actriz, Juliet Binoche, y sus asistente, Kristen Stewart, cuando están ensayando la obra de teatro en los valles alpinos de Sils María, confundiendo representación y realidad, pero siempre encuentra el director una ventana por la que salir cuando corre peligro de estancarse, de ensimismarse. Como curiosidad climatológica está el fenómeno de la "serpiente de Maloja", una formación nubosa que vaticina mal tiempo. Cine profesional.

Hablar. Dir. Joaquín Oristrell

Javier Ocaña (El País) la pasó por un filtro demasiado estrecho y la redujo a una película ideológica "para convencidos". En Metrópoli de daban cuatro estrellas. Es una incursión en Lavapiés una noche de verano. Decide el director rodar un plano secuencia. Es una decisión estética, tal vez para mostrar el mosaico de vidas que se entrecruzan en la gran ciudad y más en un barrio como Lavapiés. Hay historias que encajan mejor y otras que fuerzan la situación. Al final todo conduce a un escenario teatral, el gran teatro del mundo. Hemos visto una representación de la vida y sus miserias en la España de hoy, con algún dramatismo, pero sin hacer panfletos. A mi me entretuvo. El cine estaba lleno y hubo aplausos.
Lo que opina Ana:

Emilio fue a verla una tarde sin avisar, cuando llegué a casa no sabía dónde estaba hasta que recibí un whatsapp  diciendo “vuelvo de Lavapiés”. Podría ser un resumen de la película: una noche de verano en Lavapiés. Los personajes van apareciendo a lo largo del plano secuencia en que está rodada la película, hablan, se comunican, expresan sus preocupaciones o sus sueños, se entrecruzan y acaban en un teatro aplaudiendo la palabra hecha verso. Muchas caras conocidas pueblan las calles vecinas  a la plaza de Lavapiés, creando micro relatos con mucho contenido y fuerza, gran nivel interpretativo, alguna sobreactuación (Marta Etura) y un sólo personaje sin palabras en manos de la excelente Mercedes Sampietro. Cine combativo que el día que yo lo disfruté  gozó de un público entregado.