The way home de Biju Kumar

Lo que opina Ana:
Gracias a Teresa Flores, mi dulce bostoniana, supe de la existencia de Imagenindia, certamen que, ahí es nada, va por su 10ª edición. Quedamos en el Cine Doré para ver la sesión del día, correspondiente a The way home, una mala película en cuanto a guión, interpretación, fotografía, música, planos, ritmo...¡insalvable! A pesar de todo, me gustó volver a Delhi, sentir el ambiente del Rhajastan, ver los tuc-tucs, recuperar sensaciones poniendo a trabajar todos los rincones de mi memoria, el del olfato, la vista, el oído, los poros de la piel, al sentir la arena del desierto, el olor de las ciudades, el sabor del polvo, la contaminación, el ruido, todo ello siguiendo las peripecias de un niño y un adulto víctimas del terrorismo y fatalmente atrapados en sus redes.

Potiche,mujeres al poder de François Ozon

Si llego a haber sabido que su director era el mismo de "Ocho mujeres", me habría quedado sin verla, como decidió hacer Emilio con muy buen criterio. Comedia facilona, llena de tópicos, en la que no llegas a reír con ganas.
El paso de los años ha respetado el físico de la Deneuve, en cambio Depardieu se ha convertido en un obeso, al que sólo parece encajar ya el papel de Obelix.

No mires atrás. Dir. Andrea Molaioli

Fue una insistencia de Ana; yo no tenía nada recogido, ni aparecía en las listas de las mejores películas, por muchos premios Donatello que haya ganado (son como reductos nacionales que no suelen traspasar fronteras, igual ocurre con los Goya y con los César). La película no tiene ni una buena dirección, con una cámara que se nota muchísimo, una música de verbena para un thriller, y un guión que enseguida pierde tensión, para llegar a un final tontorrón. Aunque esté el gran Toni Servillo haciendo de comisario, fuera de Italia no tendrá mucha difusión, merecidamente.
Lo que opina Ana:
Retirada ya con sólo dos pases a la sala de últimos auxilios, vimos una de las pocas películas italianas que se exhiben en Madrid. Una mala película policiaca que no consigue despegarse de la novela en la que se basa.

No tengas miedo. Dir. Montxo Armendáriz

Es una película valiente y en líneas generales bien hecha y bien interpretada por sus principales actores: la hija joven, Michelle Jenner, y los padres, Lluis Homar y Belén Rueda.

La graduación dramática de la tragedia cotidiana está bien marcada y el pozo en el que se va metiendo la hija, la asfixia vital que marca su vida, va entrando poco a poco en el espectador, para quedarse. Realizada sin morbo y mostrando los ángulos múltiples de algo así. Lo peor y el lastre es que corte el desarrollo dramático para introducirnos en las terapias de grupo, aunque estén graduadas las tres ocasiones en que esto sucede, y en la última esté la propia protagonista. Es un signo de debilidad del director, como si no creyese que con la propia historia que está contando pudiera abarcar y reflejar todo el drama que hay en este asunto y se viera obligado a darnos otros testimonios en forma de documental. Al hacerlo se carga la otra parte de la película, que es la auténtica película, porque tienen unos actores y una ficción.

Lo que opina Ana:
Elige Montxo Armendáriz la mezcla de ficción y documental y ahí es donde falla la película. Quiere dar testimonio con la película de una realidad terrible y oculta para la mayoría de la sociedad, la de los abusos sexuales en el ámbito familiar o escolar. Nos habla de una tragedia muda y espeluznante que puede destrozar la vida de unos niños indefensos, ya que quien teóricamente más los quiere es capaz de maltratarlos sin piedad, no puede haber presa más fácil, el verdugo vive en casa.
El mensaje queda claro, refleja y transmite el horror de lasvíctimas, pero yo habría preferido que se hubiera decantado por el documental, por seguir esas voces que sólo aparecen como decorado realista en la película.

Rompecabezas. Dirª Natalia Smirnoff

Javier Ocaña se deshacía en elogios ante el debut en el largometraje de esta directora, sobre todo por el aspecto formal, los encuadres, el movimiento de la cámara y la música.

Bueno, yo la vi bien, reconociendo según se desarrollaba la dificultad de mantener el pulso narrativo con un asunto, en principio, no muy apasionante (hasta la familia se ríe de esta mujer que descubre su facilidad para encajar las piezas de los puzzles y esto le abre un camino de realización personal, más allá de su anodino papel como madre y esposa).

La actriz María Onetto es la responsable de que se mantenga el interés, porque sientes con ella ese tránsito vital. Otra cosa que debemos reconocer en la directora es la mesura con la que cuenta la historia. Sabiendo que es una historia menor no se saca de la manga efectos espectaculares ni dramones sobrevenidos. En ese tono está su buen hacer.
Lo que opina Ana:
Película de actriz, su protagonista María Onetto da vida, defiende y escudriña cada rincón de la mente de Mª del Carmen, un ama de casa sometida a la rutina de una vida invisible entregada a sus "hombres": marido y dos hijos, a los que sirve resignadamente sin valorarse, como una autómata, hasta que un día, al cumplir los 50, se descubre a sí misma dotada con un don excepcional para montar puzzles, lo que le sirve a la directora para reflexionar sobre las pequeñas vidas anónimas y las ansias de libertad y de ser valorados que todos llevamos dentro. Con este mínimo argumento y con la gran interpretación de su protagonista, quien hace hablar a cada uno de sus gestos, se construye una película que se expresa contenida de palabras, como si no fuera argentina.

The company men. Dir. John Wells

Podríamos titular esta crónica "los ricos también lloran". El hecho de ver a ejecutivos echados de sus trabajos y pasar de un nivel de vida a todo trapo a mirar el gasto del día a día, sirve para verificar la extensión de la crisis, y desde ese punto de vista tiene una vertiente didáctica interesante. El otro aspecto a destacar es la incomprensión por parte de los protagonistas de los motivos de las quiebras empresariales, englobadas en las fusiones, las finanzas y las opas. Es el nuevo capitalismo, que el viejo empresario hecho a si mismo no entiende. Mientras, los nuevos tiburones siguen manteniendo su nivel de vida, mirando como media plantilla se va al paro. En estos dos aspectos, el capitalismo financiero y su práctica salvaje, es donde se queda corto el mensaje, que debería haber aprovechado el tremendo plantel de actores para alzar bien alta la voz contra este sistema.
Lo que opina Ana:
Una visión de la crisis vista desde arriba, azotando a los altos ejecutivos en una sociedad despiadada. Los ricos también lloran, sobre todo cuando dejan de serlo, o cuando comprenden que estaban viviendo en el interior de una burbuja poco blindada, indefensa, peligrosamente hinchada, sólo aquellos que cuenten con un buen colchón familiar van a ser capaces de rehacerse. Hay así un canto a la familia, a la amistad, a los valores esencialmente humanos y se echa en falta una crítica más ácida al sistema. Buenas interpretaciones, correctamente contada, pero sin transcendencia.

Cave of Forgottem Dreams. Dir. Werner Herzog

No es una película comercializada todavía, pero creo que lo será. Fue la estrella de Documenta Madrid 2011. La vi dos veces, en los dos pases que había durante el festival, en las dos la sala estaba llena y era la más grande del cine Palafox.

Herzog es consciente de haber recibido un privilegio al permitirle meter las cámaras en ese santuario, cerrado a cualquier veleidad turística o política (me imagino esto mismo en nuestro estado de las autonomías). Es un lugar de estudio en manos de los científicos. Francia como ejemplo.

La visita a la cueva es emocionante. Herzog la dirige bien y con ritmo. Las intervenciones de los especialistas son todas interesantes (la que más me gustó fue la de la conservadora jefe). Puede que le falte una interpretación artística más profunda y detallada, pero donde discrepo claramente es en el final, presentándonos a unos cocodrilos albinos, criados en las aguas calientes de la central nuclear próxima. Sencillamente no entiendo lo que quiere decir. Es un asunto menor, comparado con el vértigo que hemos sentido antes. El verla en 3D incrementa el realismo y la sensación de magia al mismo tiempo. Se convertirá en un clásico.
Lo que opina Ana:
Herzog consigue hacerte sentir partícipe de su equipo, te lleva al interior de esta cueva como si fueras uno más de los pocos privilegiados a los que se les ha franqueado el acceso. Recordaba la fuerza de la naturaleza en Ardèche, sus paisajes de profundas gargantas y bosques frondosos que tanto nos impresionaron y ahora podía sumar a las maravillas de esta región el tener una cueva mucho más impresionante que la de Alí Babá, en la que durante más de 35000 años se había guardado un increíble tesoro, preservándolo, manteniendo intacta su frágil atmósfera encerrada y solitaria. donde se apagaron las miradas después de haber sido un lugar de culto y encuentro, de convivencia mística entre animales y humanos.
Salí del cine emocionada y agradecida, consciente de haber viajado aun lugar único y prohibido, para poder así preservarlo.

Tokio Blues de Tran Anh Hung

Lo que opina Ana:
Hay novelas que sólo pueden ser eso,novelas, género literario, un mundo recreado a través de la lectura e imposible de transportar a otros escenarios, es el lector quien individualmente debe sentir e imaginar saboreando las palabras. Esto es lo que ocurre con Norwegian Wood y el mundo de Murakami. La película intenta ser fiel a ese mundo y no llega nunca a despegar, no es capaz de transmitir ni una mínima parte de la enorme fuerza que tiene la novela. No sé qué habría pensado en el caso de no haber leído previamente el libro, pero creo que la habría encontrado fría, con sabor a cartón piedra, un cúmulo de imágenes bonitas y nada más. La belleza del paisaje me producía dolor después de la tragedia del tsunami japonés, ¿habrá esperanza para estos bosques y sus pobladores?

Emilio Desde luego no recomiendo ver la película antes de leer la novela; luego la comparación, que se hace inevitable, deja clara la preeminencia de la novela; en todo, en sensaciones, en matices, en ambientes, en el desarrollo de la historia. Así pues, una película que sigue con devoción a la novela de la que procede y que no te añade nada. Es correcta. La calidez de los sentimientos de la novela aquí son fríos, académicos. Quizá sea imposible recrear ese mundo en cine, a no ser que hagas otra cosa, o que tengas una varita mágica, un estado de creación y comunión extraordinario. El director francés de origen vietnamita, que afirma tan tranquilo que es divertido rodar la película en un lenguaje que no entiende, no lo tiene. Y ya está.

Guest de José Luis Guerín

Lo que opina Ana:
Lo mejor, dentro de la excepcionalidad general de la película, es el trabajo de montaje con el que Guerín ha sabido crear un mágico hilo conductor entre las tomas callejeras, la recreación de los personajes reales que casi se convierten en personajes de ficción y las cuidadas imágenes que representan el fugaz paso del tiempo a través de los aviones y los trenes y con el movimiento de las cortinas de las ventanas de los hoteles. Utiliza un plástico blanco y negro que ayuda a borrar aún más la frágil separación que existe entre un relato de ficción y lo que aquí se representa, un estallido de vida captado en las plazas, las calles, los rincones de vida en común de tantas ciudades diseminadas por el mundo, dando protagonismo a unos seres marginales que se convierten, interpretando su propia vida, en las estrellas de la película, recreando unos personajes que nada tienen que envidiar a algunos de los creados por la mano de los grandes guionistas del cine.
Lo peor, que sólo pueda verse en una sala para fanáticos del cine y que se escape de los circuitos de las salas comerciales que tan poco se arriesgan, cobardonas ellas, privándonos de esta joya.

Emilio Solo una sesión al día en un solo cine de Madrid (Pequeño Cine Estudio). Esto es lo que impone la industria cinematográfica, y mucha gente se perderá un reportaje apasionante de un viaje sin rumbo fijo, que bajo cualquier pretexto va en busca de la gente para verla, para oirla, para seguirla; gente toda fuera de los estratos del poder político, cultural, económico, gente que vive el día a día trabajosamente, que tiene cosas que contar, pero no hay cámaras que se fijen en ellos: Guerín sí, y lo hace con sabiduría y muchísimo respeto y...calidad, porque sus imágenes en blanco y negro tienen una estética cuidada (la labor de montaje ha tenido que ser ardua) y cariñosa. Me admira cómo ha podido ganar la confianza de tanta gente tan diversay dejar que la cámara fuera testigo de sus vidas, contadas con realismo y naturalidad. Una obra maestra.