El rehén. Dir. Brad Anderson

Lo que opina Ana:
Da gusto volver a encontrarse con Jon Hamm después de habernos dejado tan huérfanas al concluir “Mad Men”, ésta ya es una buena razón para ver la película que no defrauda, tiene ritmo, intriga, sabe mantener el interés de la audiencia, a pesar de que yo siempre acabo perdiéndome entre los  vericuetos de tanta aventura. Las líneas entre el bien y el mal se desdibujan, en medio del caos en el que se ha convertido Beirut en las décadas de los 70 y 80 del pasado siglo. Rodada en Marruecos, consigue plasmar la atmósfera del antes y el después de un Líbano atacado y dividido.
Lo que opina Emilio:
Película de espionaje al estilo Burne, pero con dos diferencias notables. El protagonista es un diplomático en estado emocional ruinoso, y, segundo, su implicación política es mucho mayor; es decir, el marco geográfico e histórico está mucho más delimitado y sus circunstancias, también. El lugar es Beirut, en dos momento, 1972 y 1982. Hay que agradecer que la película se comprometa y casi se convierta en un documental (no llega a eso). Los israelíes aparecen como la amenaza del Líbano, junto con otros muchos más grupos de todo tipo y condición. Son ellos los que controlan la zona, recurriendo a los medios y métodos  que sean necesarios (sean los que sean), hasta que se produjo la anhelada invasión que pretendían en 1982. Interesante.

Como nuestros padres. .Dirª Laís Bodanzky

Hay algo de cliché en esta película de género, pero no es maniquea. Viene a presentar las diferentes funciones que cumplen la mujer y el hombre en el hogar y en el entramado familiar y social. Hay otro asunto importante que es la fidelidad conyugal, enmarcado en una más general sobre la monogamia. Pero lo más relevante a mi parecer son las relaciones materno filiales, más en concreto madre-hija. No es como la otra película brasileña que acabamos de ver ("Siempre juntos"), un Brasil al borde de la pobreza, es una representación del Brasil burgués, instruido y asentado. Se nota que es una directora no sólo por el punto de vista, también porque alarga la película, tal vez demasiado, hasta que enseña todo lo que quiere que quede expuesto, incluso cuando ya la trama está casi agotada. Con las tres estrellas de Metrópolis yo creo que está bien puntuada.
Lo que opina Ana:

La directora se alarga en exceso para componer  una visión didáctica de un manual feminista aplicado a una familia de la burguesía intelectual brasileña. Para ello perfila con trazos gruesos a la mayoría de sus personajes, están muy descompensados y por ello resultan poco creíbles. Lo mejor de la película es la confrontación entre la protagonista y su madre.

Hereditary de Ari Aster

Lo que opina Ana:

Aclamada como gran película de terror psicológico, para mí consigue más que aterrorizar, inquietar; reconozco que crea un ambiente claustrofóbico que me recordaba en algunos momentos al de “Madre” de Aronofsky, eso es lo único que me sedujo en la película. Fui con Lía y Fer y al acabar sólo pensaba en si ellos serían capaces de explicármela. Las críticas la habían comparado con “La semilla del diablo” de Polansky ¡ya quisiera Aster!

Siempre juntos. Dir. Gustavo Pizzi

Esta película brasileña que obtuvo en el último festival de cine de Málaga el premio a la mejor película Iberoamericana es un ejemplo de buenismo, ante la pobreza, alegría. Pero, afortunadamente no sólo es esto, hay una voluntad estética que ves en esas tomas desenfocadas, en los encuadres difíciles, en las uniones de escenas diferentes con nexos en algún aspecto común. Aquí hay un buen director, o al menos alguien que tiene ideas y una buena montadora para hacer de esas imágenes una historia entretenida. La posible crítica social se queda en un plano muy secundario. No se quiere ahondar en nada. Una pega, que la actriz principal ocupa mucha cámara sin necesidad a veces, por ejemplo en el larguísimo plano final.
Lo que opina Ana:

Una historia familiar brasileña, en la que los profundos lazos sentimentales y la bravura de las mujeres permiten hacer  de la vida un espacio de felicidad, a pesar de todas las amarguras y penurias que están al acecho. Es una historia de sentimientos, de percepciones, en la que hay muchas ópticas y cada espectador puede acercarse a la que le resulte más próxima, a la de esa madre que se enfrenta al abandono  inesperado del hogar de su hijo mayor, a la de ese hijo que ve cómo se le abre un mundo de posibilidades y que está dispuesto a volar, a la de esa tía que saca el coraje necesario para enfrentarse al maltrato, a la de ese padre soñador e ingenuo que vive como si fuera la lechera del cuento…trabada la historia con buenas actuaciones, hay muchos primeros planos psicológicos y con unas imágenes que se difuminan a veces para llevarnos a otro lugar, pasamos de un momento de tensión, con una puerta  que se derrumba a un espacio de libertad, abierto y marino, a través de la magia del cine. Están muy bien introducidas las pequeñas historias que acompañan a la vida de la madre protagonista, la relación a su niñez como mucama casi esclava a través de la visita a la casa de la que fuera su ama o el triunfo de su graduación. Y yo me quedo con la imagen de desamparo del hijo segundo, el más desprotegido, gordo y aferrado a su trombón, el único que no aparenta en ningún momento ser feliz.

La revolución silenciosa. Dir. Lars Kraume

La estrenaron en el festival de cine alemán de junio y ahora ha pasado a las carteleras comerciales. Al comienzo se nos informa que está basada en hechos reales. A mi no me suele gustar mucho que me digan eso al principio, porque, de alguna manera, condiciona la visión posterior. Los hechos ocurren en 1956 en la parte oriental comunista de Berlín, cuando todavía no está levantado el muro, y coincidiendo con la revolución de Hungría, que es el efecto detonante de la historia. Se trata del acto valiente de un grupo de estudiantes en su último curso antes de graduarse de lo que sería la enseñanza secundaria, de hacer un minuto de silencio en honor de los húngaros revolucionarios en la hora del profesor de Historia. Este minuto desencadena una cuestión de Estado y un drama en el grupo de estudiantes y en sus familias. El problema es que el director no ha encontrado el tono, a veces parece un juego tontorrón, infantil casi. El nivel de vida de un minero,su mujer y sus hijos parece el de un burgués asentado. El personaje del tío de uno de los alumnos, un eremita ilustrado que vive solo en el bosque queda un poco ridículo. En fin, es interesante para conocer un acontecimiento, pero como desarrollo cinematográfico de una trama, regular.
Lo que opina Ana:

Interesante  episodio de la historia real de la República democrática alemana en los años anteriores a la construcción del muro; relata la protesta de los chicos de una clase que está a punto de acabar el bachillerato y obtener su título, al enterarse de lo que está ocurriendo en Hungría, el levantamiento popular contra los tanques soviéticos. El problema es que el director no ha conseguido más que un relato lineal, sin profundidad, sin carácter. Te interesa porque sabes que responde a hechos reales, pero no te conmueve, no consigue despegar.

Mary Shelley. Dirª Haifaa Al-Mansour

Hay que agradecer a la directora que nos dé a conocer a esta escritora y lo haga desde una postura en la que se la muestra enfrentada a la situación en la que vivían las mujeres entonces. Mary Shelley aparece como una mujer fuerte, decidida, valiente, pero también vulnerable, y con una vocación de escritora mantenida a toda costa. Es un ejemplo de empoderamiento femenino de la mujer burguesa. Es de agradecer también que su madre, Mary Wollstonecraft, aunque sin presencia, sea un personaje más, y relevante. Lo que pasa es que de puro formal, el vuelo que necesitaba el personaje de Mary Shelley no se alcanza. La directora de la "Bicicleta verde" no puede con esta historia. Hace algo que se ve bien (un poco larga, eso sí), pero sin genio. Recuerdo mejor la de Gonzalo Suárez "Remando al viento". (vista el 8 de agosto)
Lo que opina Ana:

Interesante biopic que no alcanza un gran vuelo, se hace un poco largo, está muy marcado por la música y la atmósfera, pero presenta la vida de una mujer excepcional y de un amor romántico que merecen ser mostrados. Entran ganas de profundizar en las vidas de todos los que aquí aparecen y especialmente en la de la madre de la protagonista.

Whitney, Dir. Kevin MacDonald

Es de las biografías en las que sus personajes están condenados a sucumbir en las llamas de su propio éxito: Amy Winehouse, el diseñador McQueen, María Callas incluso.  Me recuerda mucho a la vida de Amy Winehouse, por el entorno familiar, donde el padre se convierte en el empresario de la hija y hace uso y abuso de su dinero, por el éxito fulgurante, por las amistades peligrosas, por la atracción a las drogas. La diferencia más clara es que Whitney Houston dejo una hija, a la que arrastró en su deriva. Me parece un poco chismoso el director a veces en sus pesquisas, como si se tratara de esas series de TV  horribles que se dedican a investigar los vericuetos de un crimen. De todas formas, es interesante, no sólo por oír la voz magnífica de Whitney, también por ver las ceremonias religiosas que están en la base de muchas de estas cantantes negras, por lo menos antes.(vista el 7 de agosto)
Lo que opina Ana:

Biopic de Withney Houston, realizado como un documental sobre su vida realizado a través de entrevistas a familiares y amigos y utilizando imágenes de archivo. Además de escuchar de nuevo su voz imponente, sales del cine apenado por una vida despilfarrada y especialmente por el daño colateral sufrido por su hija.

Happy End. Dir. Michael Haneke

Tenía cuatro estrellas en Metrópolis; en El Cultual, sin embargo, opinaban que el director se repetía. Concursó en Cannes en 2018 y no obtuvo nada. Lo mejor que se puede decir es lo bien que cuenta lo que no se ve. Algunos críticos se han referido a que Heneke hace una crítica a la burguesía (la burguesía capitalista empresarial). No me parece lo más relevante, veo más interesante el reflejo de la descomposición de una familia donde ninguno cumple el papel que se le tenía asignado. La referencia a "Amor", su película anterior, me parece sacrílega, era tan intensa la emoción y el sentimiento de esa película que esta parece una caricatura a su lado. El uso de la pantalla de un móvil al inicio me desconcertó, y más teniendo en cuenta que los textos traducidos no se leían porque quedan en un fondo claro. La última escena, también desde un móvil, es como una síntesis de todo lo anterior:el desconcierto de Isabel Huppert lo dice todo. Esperaba más.(vista el 6 de agosto)
Lo que opina Ana:

Haneke indaga en los nuevos medios de comunicación, en el aislamiento que producen, en su inmediatez, en la falta de privacidad, al tiempo que disecciona la vida de una familia de la alta burguesía francesa a comienzos del siglo XXI. Lo que más me ha gustado es la introducción de los personajes, entrelazando sus historias, anunciándolas sin llegar a comprometerse con ellas, es el espectador el que tiene que deducir y componer, el director sólo sugiere.

La cámara de Claire. Dir. Hong Sang-soo

Este director coreano es bastante prolífico, al menos últimamente. El tema que aborda en sus películas recientes está relacionado con su propia vida personal, las rupturas y encuentros sentimentales. La actriz que suele participar en estos conflictos es Kim Min-hee, que también está implicada en su vida privada. Un ejercicio, dicen algunos críticos, de exorcismo. Puede que también de exhibicionismo. En cualquier caso, La cámara de Claire es más ligera que En la playa sola de noche. Aquí más bien parece un juego de relaciones ocasionales, aparentemente intrascendentes, con el asunto de fondo de la fidelidad/infidelidad. El personaje de Isabelle Huppert se encarga de actuar como una maga, hace fotos con una polaroid, se las regala a las personas que fotografía y les dice que su vida a partir de entonces ha cambiado, así de fácil. El personaje del director de cine es el más dañado, el más frágil. De él dice Claire (Huppert) que está buscando la muerte antes de que la muerte lo busque a él. Se ve.(vista el 26 de julio)
Lo que opina Ana:

Historia muy medida en tiempo y forma, lo justo para contarla sin divagar. Encuentros y desencuentros fortuitos que recuerdan a un tipo de cine francés en el que nada pasa y todo pasa, con el recurso a un lenguaje cinematográfico que  hermana esta coproducción franco coreana.

Casi 40

Esa despedida de lo que en algún momento soñaste ser y de lo que en algún momento fuiste quizás sea demasiado pronto para tenerla a los cuarenta, y se aproxime más a la edad del director y guionista, los cincuenta. Por esas pérdidas que sufrimos el tono es agridulce, mas de lo primero. Un poco melancólica también, sin caer en la tristeza. Mantener casi hora y media de metraje con casi sólo dos personajes que se pasan todo el tiempo hablando, tiene su mérito, La película apenas decae en su línea de flotación inicial, pausada y uniforme. Hay que valorar esta road movie por la España interior porque mantiene su coherencia e interés hasta el final.(vista el 12 de julio)
Lo que opina Ana:

20 años después, David Trueba decide reunir a los protagonistas de su primera película “La buena vida” y darles la oportunidad de reencontrarse. Es una cinta muy parlanchina, centrada en los diálogos, salpicados de humor y nostalgia. Los espectadores contemplamos y nos dejamos llevar  por esta road movie que recorre tierras extremeñas y castellanas. No tiene grandes pretensiones y se deja ver  amablemente; a mí me sobran canciones, a pesar de la buena voz de Lucía Jiménez.

Formentera Lady. Dir. Pau Durà

Afortunadamente este comentario está escrito en el blog bastante después del estreno (y retirada) de esta película en los cine. Porque me pareció malísima. Es el peor papel que le he visto hacer a José Sacristán (en de un hippy balear/meseteño, fuera de todo, de foco, de pista, de tiempo, de cualquier lugar). Un guión disparatado por lo poco creíble que es y alguna escena, como la de la venta de pescado en la playa a los turistas extranjeros, sencillamente bochornosa. Todavía me pregunto cómo no me salí de la sala antes de que acabara. (vista el 9 de julio)

No te preocupes, no llegará lejos a pie. Dir. Gus Van Sant

Ya hay que tener influencia y poder para conseguir que la distribuidora permita este título tan poco usual (y comercial). El mismo, por cierto, que en inglés. La película pertenece al género de las biografías, aunque de un personaje muy particular. John Callahan, pero no sólo de él, porque el entorno de esa especie de alcohólicos anónimos también tiene su punto, sobre todo el que ejerce de patriarca. La voz del propio Callahan (interpretado con furia por Joaquín Phoenix) nos va dando cuenta en un tono medio jocoso de su accidentada vida. La maestría de Gus Van Sant está en el manejo temporal de la historia. Los saltos hacia adelante y hacia atrás son continuos sin más explicaciones que la imagen y el trasunto del relato. Es una película interesante. Rooney Mara que hace de novia o algo parecido, está guapísima. (vista el 5 de julio)
Lo que opina Ana:

Gran interpretación de Joaquin Phoenix que hace muy creíble la figura histriónica de John Callahan, sarcástico dibujante cuya biografía se nos va desvelando con el recurso a los flashbacks.

Sácame de dudas. Dirª Catherine Tardieu

Otra película francesa. Podríamos englobarla en el cine de verano, por lo general, salvo excepciones, poco relevante. Es una comedia con situaciones estrambóticas, con dos temas de fondo: la maternidad y la paternidad, más ésta que aquélla, y la vejez. En ninguna se pasa del tono superficial, aunque llega a plantear un asunto que podría dar bastante juego dramático, el amor incestuoso. Pero nada, es un enredo más. (vista el 3 de julio)
Lo que opina Ana:

Comedia simplona que se ve fácilmente a pesar de su tono pastelón. Pensada para arrasar en taquilla, sin más altos objetivos y eso creo que lo conseguirá.